Una noche inolvidable para los amantes del terror

Desde la entrada al Cinemark de San Justo se respiraba un ambiente distinto. Los asistentes recibieron números para sorteos, combos de snacks con nachos, bebida y una edición limitada de Dr. Lemon Black Cherry. En el lobby los esperaba Aya, la inquietante muñeca protagonista, ideal para selfies que muchos no pudieron resistir.
Antes de la proyección hubo sorteos de remeras, pósters exclusivos, vasos promocionales de El Conjuro 4, latas de Stitch edición Halloween e incluso una cena para dos en un bar temático. Todo en una atmósfera vibrante y anticipando la llegada de Halloween. Pero el verdadero impacto vino cuando se apagaron las luces y comenzó la película.

¿De qué trata Dollhouse?

La historia sigue a Kae Suzuki (interpretada por la talentosa Masami Nagasawa), una mujer que, tras la trágica pérdida de su hija Mai, encuentra consuelo en una antigua muñeca que tiene un asombroso parecido con ella. Sin embargo, cuando la familia tiene una nueva hija, Mei, y parece haber superado el duelo, la muñeca queda en el olvido. Pero, de repente, la muñeca reaparece en sus vidas, trayendo consigo una serie de sucesos extraños y perturbadores que comienzan a desestabilizar la tranquilidad familiar.

Lo cotidiano se transforma en un laberinto emocional y sobrenatural, donde cada nuevo acontecimiento lleva a los personajes al borde del caos. Yaguchi, con maestría, mantiene una tensión constante a lo largo de la película, guiando al espectador desde el dolor más profundo hasta el miedo más visceral, todo sin recurrir a sobresaltos fáciles. Cada giro en la trama revela una nueva capa de misterio, llevando al desenlace final a un lugar entre el asombro y la reflexión.

Entre el miedo y la tradición japonesa

Más allá del terror, Dollhouse: Muñeca Maldita muestra una rica cultura japonesa. Uno de los momentos más memorables de la película hace referencia al Ningyō Kuyō, o Funeral de las Muñecas, un ritual ancestral en el que los japoneses se despiden de sus muñecas o peluches en templos similar a la cremación, creyendo que estos objetos tienen alma. Por ello, se agradece a las muñecas por los recuerdos que compartieron y por haber protegido a los niños que las cuidaron. Es una ceremonia que fusiona lo espiritual con lo emocional, un homenaje a la conexión entre las personas y sus objetos más queridos.

Este ritual, con su profundidad emocional, da un significado aún más poderoso al viaje de la protagonista. La película no sólo explora el horror psicológico, sino también una reflexión profunda sobre el vínculo entre lo humano y lo inanimado, entre el amor y la pérdida.

A la vez, Dollhouse no renuncia al humor: incluye una divertida parodia de los populares “cazadores de fantasmas”, que aligera la tensión con ironía y frescura. Sin embargo, el alma de la película es Aya, la muñeca creada por el especialista en efectos Kakusei Fujiwara, inspirada en la legendaria muñeca Ichimatsu de la era Edo. Su rostro cambia según el ángulo y la luz, generando una sensación de inquietud constante, acentuada por el maquillaje y los efectos prácticos que fascinarán a los amantes del cine artesanal.

Escenarios con alma: Las muñecas en Japón

El rodaje se realizó en locaciones espectaculares: el parque Arasaki de Yokosuka, con su vista hacia la bahía y el monte Fuji, y la misteriosa isla Chiringa-jima en Kagoshima, que solo se conecta con tierra firme cuando baja la marea. Estos paisajes refuerzan la atmósfera melancólica y claustrofóbica de la historia.

Las muñecas japonesas, presentes desde la era Jōmon, nacieron como objetos de culto, se convirtieron en amuletos protectores y evolucionaron a juguetes y luego Dollhouse rescata esa herencia ancestral y la transforma en un relato moderno sobre el apego, la pérdida y la delgada línea entre amor y obsesión, en el medio de problemas actuales de la sociedad japonesa.

No la abraces. No la despiertes.

Si te atrae el terror psicológico con trasfondo emocional y cultural, Dollhouse: Muñeca Maldita es una experiencia que no te podés perder. Su atmósfera tensa, sus giros inesperados y su profunda reflexión sobre el duelo la convierten en una joya del cine japonés contemporáneo.

Se estrena en Argentina el 6 de noviembre, y también llegará a distintos países de Latinoamérica.

“No la abraces. No la guardes. No la despiertes. No la ames.”
Dollhouse: el terror que late detrás de cada recuerdo.

Según una espectadora: «Me sorprendió mucho la forma en la que se fue desarrollando la historia, era muy intrigante y se iban descubriendo cosas que cambiaban la perspectiva completamente. Cada vez que pensaba que la película iba a terminar ahí, o que el misterio ya estaba resuelto, aparecía algo nuevo y que tenía sentido.»

FICHA TÉCNICA
Título Original: ドールハウス (Dollhouse)
País: Japón
Idioma: Japonés
Versiones: Dobladas y Subtituladas
Duración: 109 minutos
Género: Horror
Año: 2025
Dirección: Shinobu Yaguchi
Elenco: Kôji Seto, Tetsushi Tanaka, Ken Yasuda
Trailer: Link

Por Tomoko Aikawa
Imágenes: Tomoko Aikawa

Sobre Tomoko Aikawa

Tomoko Aikawa es Licenciada en Estudios Latinoamericanos y Lingüística hispánica y es Especialista en Gestión Logística, Calidad, y Comercio Internacional con orientación en alimentos. Además, es intérprete, traductora, profesora de japonés y español. También es periodista y corresponsal de medios japoneses. Oriunda de Hiroshima. Es Embajadora de Hiroshima por la paz. Es Asesora Internacional de la Red de Alcaldes por la Paz (http://www.mayorsforpeace.org), dirigida por el Intendente de Hiroshima mediante la Fundación Sadako https://www.facebook.com/fundacionsadako/

Es la traductora de «La herencia de la Madre» de la editora Adriana Hidalgo y «Luz y oscuridad: una continuación» (Zoku Meian, 1990). Se trata de la primera novela de esta autora japonesa que permanecía inédita en español, y en la que imaginó un final para la obra de mismo nombre «Meian» (Luz y Oscuridad) que dejó inconclusa con su muerte Natsume Sōseki.

Siendo director de cintas como Tokyo.Sora (2002) en la que seguimos a seis mujeres y sus vidas dentro de la Tokio de principio de siglo, Su-ki-da (2005), o cómo va transformándose el vínculo primeramente amoroso entre dos personas desde la juventud hasta la adultez, y Petal Dance (2013), donde dos amigas, junto con una chica que apenas conocen, viajan a ver a una compañera que acaba de intentar suicidarse. Sus películas son una vía para entender cómo funcionan las artes japonesas dentro del alma de alguien que las cuida y externaliza con tanta sabiduría y maestría, pero también una reflexión sobre la alienación, el vacío y cómo construir después del dolor.

Desde Alternativa Nikkei pudimos contactarlo por mail, y accedió a brindarnos una pequeña entrevista escrita. En la misma descubrimos sus influencias y perspectivas, su encuentro con Argentina, sus reflexiones sobre sus obras y una mirada de cara al futuro. El director estaba realmente emocionado por poder llegar a un público en el otro lado del mundo, por ello esperamos que este intercambio sirva para que más gente pueda animarse a descubrir su cine. Quizás un cine oculto, pero con matices de una idiosincrasia japonesa fascinante.

Sin más, los dejamos con la entrevista:

Desde ya muchas gracias por su tiempo e interés por acercarse a la audiencia argentina: ¿Conocía previamente algo sobre el país? ¿Qué siente al ver que su cine es capaz de llegar e interpelar las sensibilidades existentes en la otra punta del mundo, con otras culturas y realidades?

Lo primero que me vino a la mente fue el sonido del bandoneón. Dos personas bailando el tango, moviéndose al ritmo de la música. Un hombre mirando las Cataratas del Iguazú. Estas son la música y los paisajes de Argentina representados en la película Happy Together dirigida por Wong Kar-wai.
Desde el momento en que hice mi primera película, pensé que con subtítulos podría llegar a personas de todo el mundo. Escuchar que la película que hice ha tocado las sensibilidades de personas al otro lado del mundo me ha dado un renovado sentido de alegría al hacer cine.

Abarcando un ámbito más personal sobre su formación como cineasta: ¿Qué influencias autorales lo llevaron a querer realizar películas? ¿Hay alguna cinta o director que lo haya marcado particularmente?

Creo que comenzó con El Padrino y El Gran Escape que vi en la televisión cuando estaba en la escuela primaria. Comencé a trabajar en una productora de publicidad (dirigiendo comerciales de televisión) a los 27 años, y veía películas de manera voraz para aprender a dirigir. Las películas que me influenciaron en ese momento fueron Paisaje en la niebla de Theo Angelopoulos, Faces de John Cassavetes y Un día de verano de Edward Yang. Las películas que tuvieron un gran impacto en mí fueron las películas independientes hechas por autores. También quería hacer películas en un ambiente donde pudiera hacer cine como autor. Después de comenzar a hacer películas, me impresionó profundamente La historia del último crisantemo de Kenji Mizoguchi. Esta película resolvió la difícil tarea de cómo retratar la verdad de las personas en un nivel muy alto. Y fue hecha en 1939.

Metiéndonos un poco más de lleno en su filmografía, es inevitable hablar de Tokyo.Sora (2002). Aquí hace uso del urbanismo para plantear una estética que convierte a la ciudad en un personaje más. Los sueños y la cotidianidad de estas mujeres que la habitan chocan con la inminente soledad alienante, convirtiendo sus deseos de vinculación e individualidad en una realidad de desconexión y búsqueda de cierta identidad. Para usted ¿Hay esperanza en medio de ese vacío? ¿Son, a lo mejor, esas pequeñeces del día a día y su belleza la que nos salvarán de esa despersonalización cuando la masificación nos asfixie del todo?

Empecé a vivir solo en Tokio desde que entré a la universidad. Sentí que el único trabajo al que podría dedicar mi vida era en Tokio. Abandoné la universidad y, tras varios giros, terminé trabajando como director comercial. En Tokyo.Sora, quería retratar la dolorosa realidad de alguien que vive solo en Tokio, con la esperanza de lograr algo. Decidí retratar esa realidad como «la historia de seis chicas viviendo solas en Tokio». Creo que elegí a una mujer como protagonista porque fue una mujer la que señaló algo importante en mi vida. Una persona solitaria que vive con la flexible fortaleza de una mujer y una debilidad que la hace temblar en la dura realidad de Tokio. Sentí que, al conectarse con otra persona, esa persona solitaria podría alcanzar un rayo de esperanza.

La idea de seis mujeres luchando por encontrar su lugar en el mundo es realmente evocadora, su cámara nos hace cómplices de una manera muy humana, sentimos lo que ellas sienten y nos volvemos parte de sus luchas por salir adelante. Director Ishikawa ¿Cómo nace la historia de la película? Y más que nada ¿Cuál es su intencionalidad respecto a los planos, los colores fríos y la música ambiental y tenue al momento de crear su sello cinematográfico?

                                                                       Tokyo.Sora (2002)

Escribí las ideas fragmentarias que se me ocurrían en un cuaderno. Eran sobre qué tipo de chica era, qué pasaría y cómo se sentiría con lo que estaba sucediendo. Organicé mis pensamientos escribiendo en un cuaderno solo las cosas con las que pudiera relacionar sus sentimientos. Si el sentido de vida de cada persona es como un punto, entonces el momento en que esos puntos se conectan para formar una línea también es uno de los sentimientos de vivir en la ciudad de Tokio. Escribí en mi cuaderno hasta que pude imaginar cada punto como un punto de contacto, lo que llevó a varias líneas que los conectaban. Eso se convirtió en la historia que quería retratar.
¿Qué es lo que solo esta película puede retratar? Pensé que podría ser algo como «un vago sentimiento de ansiedad sin un futuro claro». Para que todos los actores sintieran eso, elegí no escribirlo en el guion. Esto es para «no mostrar el futuro» a los actores. Ellos se encuentran y hablan con alguien sin saber la historia que les ha sucedido, y sienten emociones que solo pueden sentirse en ese momento. Me dediqué a crear un ambiente de rodaje que preservara eso. Cuando se encuentran con alguien por primera vez en la película, se encuentran con esa persona por primera vez mientras las cámaras están grabando. Las palabras que deben decirse en esa escena se les entregan solo justo antes de filmar. Al hacerlo, se crean las emociones de escuchar esas palabras por primera vez. Quería cuidar esas cosas, por lo que creé un ambiente así.

Creo que los colores fríos son los colores del cielo, las nubes y las calles de la ciudad de Odate, en la prefectura de Akita, en la región de Tohoku, donde pasé mis años más sensibles (de 12 a 14 años). Quería dejar esos colores en la película, así que ajusté los colores en la postproducción. Hay un término en fotografía llamado «temperatura del color», y esto puede ser lo que yo pienso como la «temperatura del color de la soledad». Fue una época en la que sentí la riqueza de conectar con las personas y el dolor de la separación. Creo que por eso elegí ese color. La música añade profundidad y dimensión a las emociones representadas en la escena. Puede delinear más claramente las emociones que se transmiten al espectador. Hice que la compositora Yoko Kanno viera el metraje editado sin efectos, y ella sugirió: «Si estas seis mujeres son como quieres contar ¿Tal vez la música sea como atarlas con un hilo delgado?» Pensé que eso era hermoso.

Creo que es imposible tener una lectura más profunda sobre Petal Dance (2013) sin antes comprender un poco de su esencia atmosférica y no verbal. Existe algo muy sutil y poético a lo largo de todo el film que nos remite a un minimalismo cercano al que maquetaba Yasujirō Ozu en su cine, allí como aquí son los gestos y los diálogos cortos los que componen una identidad que acompaña a sus protagonistas. Por ello le consulto: ¿Cómo se crea un mundo tan íntimo, implícito y complejo que retrate y reflexione sobre la realidad de una manera tan humana y visible? ¿Son las personas, de algún modo y como dice uno de los personajes, como ese viento que existe en su invisibilidad y moldea su entorno?

Esta película, mi tercera, se construyó en torno al título «Petal Dance». En Japón, las flores de cerezo son las más populares, pero nadie puede ver las flores caídas. Sin embargo, la vista de los pétalos dispersos en la carretera bailando en el viento es hermosa. Es una belleza que aligera un poco la tristeza. Esperaba que esa belleza fugaz fuera transmitida a los espectadores. Escribí un guion para esa historia. Hice que los actores leyeran el guion y luego olvidaran sus líneas. Luego, justo antes de filmar, les di una carta en la que escribí sobre lo que quería que sintieran en esa escena, y algunos fragmentos de las palabras que quería que transmitieran. Si era una escena con cuatro personas, escribí una carta diferente para cada persona. Ellos leyeron las cartas y trajeron sus propios sentimientos a la escena, y luego filmamos la escena. Las palabras que la otra persona decía se escuchaban por primera vez ahí, por lo que la reacción y las emociones a esas palabras venían de un lugar cercano al núcleo de la humanidad de la persona. Creí en eso y lo dejé a la sensibilidad de los actores. Creo que porque las palabras transmitían el sentimiento hacia la otra persona, aunque fueran breves, lograron tocar el corazón. Pensé que esta era una forma de preservar la delicada amabilidad que tienen las personas, así que lo hice de esa manera.

                                                                    Petal Dance (2013)

Yendo más hacia la temática de la película, me gustaría consultarle sobre su interés en abordar una cuestión tan delicada como el suicidio de una forma tan plena y autoconsciente. Japón es uno de los países con una de las tasas de suicidios más altas del mundo, sin embargo, pocas veces el tópico es abordado centrándose en sus vestigios, de qué manera afecta a los vínculos cercanos y cómo se afronta el devenir cuando el hecho no sucede ¿Cuál es su visión sobre esta realidad social que pone en evidencia a determinadas estructuras arraigadas sobre presiones y expectativas? De algún modo, la cinta funciona como una especie de limbo en el que los sentimientos alrededor de esto afloran y se entienden en el silencio ¿Cree que la sociedad japonesa precisa darle visibilidad a estas cuestiones, que quizás son un poco más tabú, para que las personas dejen de ser vistas como estadísticas y comiencen a ser entendidas como seres sintientes?

Realmente no puedo explicar por qué elegí el tema del suicidio.
«Tal vez ella saltó al mar por su propia voluntad,» «Por eso voy a verla,» «Puede que no pueda hacer nada. No tendré nada inteligente que decir, pero de todas maneras iré a verla.» Quería hacer una road movie sobre personas que eligieron actuar de esta manera. Pensé que retratar a esas personas sería un viaje para descubrir qué es la verdadera amabilidad. Pensé que, al retratar sus luchas página tras página, tal vez podría obtener una respuesta vaga sobre por qué elegí un tema tan delicado.

El suicidio es un tema social tan serio en Japón que rara vez se discute, pero lo vemos en el espacio especial de un cine, donde compartimos el mismo tiempo en una pantalla grande. Creo que este es un desafío que la forma de expresión del cine debe asumir. También creo que, al elegir un desafío, debe ser retratado de manera delicada y cuidadosa.

Por otro lado, en dos de sus cintas y en un cortometraje las protagonistas son mujeres. Sus personajes son complejos y acompañan la narrativa simbólica de la película de una manera sumamente interesante. En ese sentido, para usted ¿Explorar y visibilizar las realidades y las voces de estas mujeres es también darle una identidad que muchas veces la sociedad japonesa les ha negado? ¿Cómo cree que es la realidad de la mujer en Japón? ¿Algo ha cambiado con el tiempo?

Desde que era niño, sentí que podía decir mis verdaderos sentimientos a mis amigas. Incluso si no podía decirles lo que realmente sentía (por ejemplo, «Te amo»). Cuando estoy con una mujer, el tiempo que pasamos juntos se siente más valioso. Lo siento aún más ahora que he crecido y empecé a beber alcohol. Creo que la razón por la que las protagonistas de mis trabajos audiovisuales (CMs, películas) son mujeres es por estas experiencias. En cuanto a las dificultades de la vida, creo que las mujeres son más propensas a enfrentarlas que los hombres. Respeto y admiro a las mujeres que continúan caminando hacia adelante con una actitud resuelta a pesar de esto. Esta es la imagen de la mujer que quiero retratar de manera positiva. La realidad de las mujeres japonesas está cambiando constantemente. Creo que las películas deberían dejar algo como la verdad de un tiempo determinado sobre esa realidad cambiante.

Siguiendo un poco la línea de la pregunta anterior, ha trabajado con grandes actrices como Aoi Miyazaki o Sakura Andō y con la compositora Yoko Kanno ¿Cuál fue su experiencia trabajando con ellas? ¿Tiene, quizás, alguna anécdota para contar?

Ellas me animan. Pueden retratar la expresividad del cine de manera profunda y elevada. Su forma de vivir es brillante y genial. A veces, cada una de sus elecciones decide la dirección que debe tomar la película. Siento que estoy haciendo mi película junto con esas mujeres. Siento un gran significado en poder dejar sus expresiones en forma de película.
No creo que sea correcto contar cada anécdota aquí, lo siento, pero hay muchas cosas que prefiero guardar para mí mismo.

En cuanto al cine japonés moderno: ¿Qué opinión le merece? ¿Tiene algún film o autor que lo haya sorprendido recientemente?

Siento que hay algunas películas japonesas que tienen una grandeza que perdurará durante mucho tiempo. Sentí que «Wheel of Fortune and Fantasy» de Ryusuke Hamaguchi y «All the Long Nights» de Sho Miyake representaron un paso hacia adelante sobre lo que el cine japonés moderno tiene para ofrecer.

Por último, quisiera preguntarle sobre su próxima película: ¿Tiene algún proyecto en mente del que tal vez podamos saber pronto?

Actualmente estoy preparándome para hacer mi próxima película. Pasará un tiempo antes de que pueda revelar los detalles, pero estoy haciendo preparativos para entregar una buena película. Espero que algún día llegue a la gente de Argentina. Por favor, esperen por ella.

Por Fran Parisi
Imágenes: Tower Records

Sobre Fran Parisi                                                             

Nacido en 1997. Actualmente se encuentra estudiando la Tecnicatura Superior en Lengua y Cultura Japonesa en el Instituto Nichia Gakuin. Amante del cine asiático, y en particular del cine japonés, al cuál se acercó mediante las películas de Naomi Kawase y Yasujirō Ozu. Su interés por Japón nace desde pequeño gracias al anime y el manga, lo que sumado a su gusto por la lectura y escritura lo llevaron a querer escribir sobre ello. Algunos de sus directores japoneses preferidos son Kinuyo Tanaka, Hiroshi Shimizu y Naoko Ogigami.

Con Alternativa Nikkei, y gracias a la buena predisposición de la Embajada del Japón en Argentina y de la misma directora, pudimos realizarle una pequeña entrevista. Mediante la cual nos dio su mirada sobre la realidad del rol de la mujer en la industria cinematográfica japonesa, su experiencia en Argentina y su valorización de los trabajos dirigidos por la dupla Mariano Cohn – Gastón Duprat, y en la que también ahondó en sus cintas “Under The Open Sky” (2020) y “Dear Doctor” (2009) y en su experiencia trabajando con actores de la talla de Kōji Yakusho y Meiko Kaji.
Realmente creemos que ha quedado un intercambio interesante, realzando la importancia de ámbitos en los que se pueda difundir y acercar el imaginario fílmico japonés, llegando a nuevas audiencias y brindando voces a autoras que han dejado su sello con su arte, con sus perspectivas y con sus pasiones.
Sin más que decir, los dejamos con la entrevista completa.

Antes que nada, quería agradecerle por su tiempo y darle la bienvenida a Argentina ¿Qué sensaciones tiene por visitar el país? ¿Tuvo tiempo de recorrer y conocer un poco?
Esta ha sido mi primera visita y solo fueron 4 días, pero disfruté muchísimo de mi estadía.
Me emocionó profundamente pasear por las playas de Mar del Plata y comer deliciosos mariscos, carnes y beber ricos vinos. Lo que más me sorprendió fue poder ver de cerca una bandada de lobos marinos. Fue realmente impactante.
La gente de Argentina es amable y cálida, y aunque he asistido a festivales de cine en todo el mundo, es posible que nunca me hayan recibido tan bien al punto de hacerme sentir como si estuviera en mi casa.
Creo que el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata tiene una larga historia y es un festival de cine extremadamente valioso que brinda a la población local la oportunidad de ver muchas películas y cultiva a los cinéfilos más exigentes. Me alegré de que el mismo se desarrollara en un teatro hermoso y de larga data, y fue impresionante ver a tantas personas entre amigos, jóvenes y mayores, reunidos allí para verlo.
Me conmovió darme cuenta de que las películas no son sólo para jóvenes ni tampoco sólo para personas mayores.

Personalmente creo que es muy valioso y enriquecedor que más gente de este lado del mundo pueda conocer más profundamente sus obras y su visión artística. ¿Qué significa para usted que un festival de cine como el de Mar del Plata la tenga en cuenta profesionalmente y desee acercar su cine a nuevas audiencias?
No hay muchas oportunidades de proyectar mis películas en América Latina. Aunque los japoneses tienen afinidad por el fútbol y la música sudamericana, no creo que haya mucho intercambio en el campo del cine. Difícilmente podía imaginarme cómo reaccionaría el pueblo argentino, que se siente distante de mí en muchos aspectos, ante el drama japonés y los temas que en él se discuten.
Sin embargo, cuando yo misma vi películas argentinas en el pasado y fui testigo del drama humano representado en ellas, tuve la experiencia de pensar: «Sorprendentemente no hay diferencias». Las obras de mis directores favoritos Gastón Duprat y Mariano Cohn son ejemplos destacados. Siento una cercanía hacia todas las líneas de diálogo y los movimientos emocionales de los personajes, y siempre siento una sana envidia, deseando poder escribir guiones como este. Creo que las películas pueden achicar rápidamente las diferencias y la distancia entre los países, y también pueden servir como una oportunidad para el diálogo entre personas de diferentes nacionalidades. Lo que más deseo es que mis películas ayuden a la gente a comprender Japón y les ayude a familiarizarse más con él.

Hablemos un poco más sobre Miwa Nishikawa: ¿Cómo nace la vocación por ser cineasta? ¿Cuáles influencias autorales diría que la inspiraron a inmiscuirse en el mundo audiovisual?
No creo que originalmente tuviera la vocación para ser directora de cine. Cuando era asistente de dirección me intimidaba la dureza y la dificultad de estar en el rodaje, y como solo era buena escribiendo, pensé en convertirme en guionista y dejar de filmar, pero el director Hirokazu Kore-eda me dijo “De ser posible intentá dirigir” alentándome a dirigir el primer guión que escribí e hice mi primera película, «Hebi Ichigo (Wild Berry)».
Desde entonces, mi estilo como directora ha sido crear una historia desde el principio y entenderla de pies a cabeza.
Sin embargo, dado que las películas son un esfuerzo colaborativo con otros, creo que lo divertido y la dificultad radica en el proceso de experimentar cada obra y hacerla parte de tu propia sangre y carne. Aún hay muchas cosas que no entiendo y que me resultan difíciles.
Las principales razones por las que quise dedicarme al mundo del cine fueron las primeras películas de Takeshi Kitano, «The Family Game» de Yoshimitsu Morita y » The Graceful Brute» del director Yuzo Kawashima.
Muchas películas japonesas son de bajo presupuesto y de pequeña escala, pero estas películas japonesas me dieron coraje y me di cuenta de que incluso si la escala del trabajo es pequeña, todavía es posible hacer una película que tenga suficiente impacto.

Comenzó su carrera trabajando con Hirokazu Koreeda, con quien posee un vínculo cercano. Quería preguntarle: ¿Qué experiencia se llevó de esos primeros años colaborando con él?

El director Kore-eda escribía el guión a mano, yo lo tipeaba en mi computadora y así aprendí mucho al poder ver el proceso detallado de finalización y revisión del guión. El director Kore-eda es como un mentor para mí, siempre ha sido franco conmigo y me ha tratado como a una igual. Que la originalidad es importante cuando se trata de la expresión cinematográfica; que aunque la historia sea pequeña, el tema siempre refleja una época y una sociedad; y que hay que divertirse haciendo películas, estas ideas forman parte del estilo básico del director Kore-eda y creo haber tomado influencia de esta visión suya.

Under the Open Sky (2020)

Yendo un poco más a su filmografía, en “Under the Open Sky” abarca de una manera profunda y sensible tópicos como la redención y las segundas oportunidades a través de los ojos de una persona que ha conocido sólo cierto tipo de realidad acogedora, una capaz de suplir ciertas carencias emocionales como un sostén familiar y de identidad. A su entender: ¿Qué parte de ese rechazo social, al que se ve sumido en muchos momentos el protagonista, se condice con cierta lógica estructural por invisibilizar la posibilidad de un cambio de rumbo luego de la criminalidad o la vida en prisión? ¿Ve en Japón a un país que busca aislar burocrática y socialmente estas posibilidades de nuevos inicios?
Creo que preguntas tales sobre cómo perciben la sociedad y los ciudadanos a las personas con antecedentes penales y cómo ayudarlas en su rehabilitación son cuestiones difíciles de abordar para cualquier país.
Japón es un país con una tasa de criminalidad relativamente baja y muchas personas tienen un fuerte espíritu respetuoso de la ley y viven sus vidas poniendo énfasis en observar la disciplina.
Sin embargo, por ser un país seguro y disciplinado, también se puede decir que existe un fuerte sentimiento de antipatía y rechazo hacia quienes infringen las reglas.
Creo que hay pocas oportunidades para que los niños y el público en general se tomen el tiempo para pensar detenidamente sobre la rehabilitación de los ex presos.
Creo que mucha gente no quiere atacar abiertamente a ex prisioneros, pero tampoco quiere en lo posible involucrarse con ellos.
Una sociedad que enfatiza «vivir sin problemas» y «vivir sin causar problemas» rechaza el conflicto con los demás, el compartir y la coexistencia con otros que son diferentes. Personalmente siento que vivir en aislamiento, aislados no sólo de delincuentes, sino también de ancianos, niños y personas con discapacidades, hace que los corazones y las vidas de las personas se estrechen, se debiliten y se rompan fácilmente.

Retomando un poco la pregunta anterior, de algún modo son los pequeños actos de personas separadas que creen en Mikami los que logran que él pueda dar pasos firmes hacia una nueva estabilidad: ¿Cree que, más allá del contexto del film, es en esa cercanía de la gente común sobre la que puede construirse una sociedad un poco más amable y tolerante?
Es cierto que apoyaron incondicionalmente el nuevo comienzo de Mikami, pero también se puede decir que sus consejos sobre la «armonía» mataron la «verdadera humanidad» de Mikami.
No se puede decir que consejos tales como no enojarse, hacer la vista gorda y adaptarse a la irracionalidad y la crueldad de la sociedad hagan felices a las personas o a la sociedad en el verdadero sentido de la palabra.
Sin embargo, aparte de eso, las conexiones con las personas (y no sólo con una persona, sino con varias) son un salvavidas que evita que las personas se rindan y tomen acciones descuidadas incluso cuando se enfrentan a situaciones difíciles.
Durante el proceso de entrevista, conocí a ex prisioneros que habían asesinado a alguien y varios me contaron: «Ahora que tengo conexiones con personas que me apoyan en mi vida, no volveré a cometer lo mismo».
Los humanos son criaturas que dependen de las conexiones con los demás y creo que la confianza que los demás depositan en ellos les hace valorar sus propias vidas.

Para esta cinta trabajó con grandes actores que han marcado la historia del cine japonés, como lo son Kōji Yakusho y Meiko Kaji: ¿Cuál fue su experiencia trabajando con ellos? ¿Hay algún momento puntual que recuerde de la filmación?
Yakusho es una persona amable y no se parece a Mikami en absoluto. Sin embargo, siempre se está preparando silenciosamente para su papel y es quien tiene el nivel de concentración más alto. Durante el trabajo, su concentración nunca se rompe. Creo que actuar junto con Yakusho, hace que mejore también la calidad de las actuaciones de los demás actores dentro de ese ritmo de filmación. Hubo muchas ocasiones durante la etapa de edición en las que me di cuenta de que incluso si había momentos en los que el desempeño de las demás personas no iba bien, Yakusho estaba ahí para compensarlo. Él es normalmente tranquilo y de modales apacibles, pero se convierte en Mikami cuando se para frente a la cámara. Todos los días simplemente capturábamos esa transformación con la cámara. Todo el personal y el elenco parecían divertirse al venir al rodaje.
Kaji es una actriz que tiene experiencia trabajando en estudios de cine de la época cuando se manejaban con un estricto sistema de dirección, por lo que fue impresionante que cuando nos conocimos, enfatizó: «Actuaré como el director quiere, así que siéntese libre de decirme lo que quiera.»
Es una actriz realmente informal y amigable que hizo que el personal y el rodaje se sintieran relajados.
Los trabajos de Kaji cuando era más joven son impresionantes por sus papeles impasibles, pero también siento que en esta película fue capaz de expresar su verdadero lado amable y sonriente.

Dear Doctor (2009)

Por otro lado, en “Dear Doctor” nos encontramos con una película que hace foco en la vida rural como un espacio en el que prevalece cierto humanismo cotidiano cada vez más inexistente en la gran ciudad moderna. Le quería consultar, antes que nada ¿Cómo nace la idea de la historia? ¿Qué la llevó a crear un personaje tan ambiguo y cálido a la vez como Osamu?
Un día, había un artículo en un periódico japonés que decía: » Un vecino que todas las semanas solía llevar a personas mayores desde una aldea remota con poco transporte público hacia y desde el hospital fue arrestado después de que se descubriera que estaba en el negocio de los taxis blancos (taxista sin licencia).’ Al principio, el hombre aparentemente les proporcionaba transporte gratis, pero los ancianos empezaron a darle una cierta cantidad de dinero, diciendo que lamentaban pedirle siempre tal favor.
Dejó de dar viajes acatando a una ley que dice que las personas sin licencia no pueden aceptar dinero para transportar personas en sus vehículos. Sin embargo, quedaba aún el problema de cómo irían al hospital los ancianos del pueblo.
A partir de ahí surgió el tema de la desaparición de un falso médico que atiende las necesidades de las personas mayores que viven en un pueblo remoto.
Lo que la gente y sus corazones desean y lo que la sociedad y el gobierno proporcionan correctamente no siempre coinciden.
La atención médica urbana de Japón tiene una amplia gama de opciones y muchas enfermedades ahora se pueden superar. Sin embargo, no se puede decir que la atención médica avanzada realmente haya hecho la vida de las personas más feliz. Debido a que el tema es serio, pensé que el personaje principal tenía que ser un personaje identificable y con mucha humanidad.

De algún modo, la gente del pueblo encontraba cierta armonía en esa interacción con el doctor, llegando al punto de sutil y directamente disfrutar de esa apariencia gentil y profesional a sabiendas de que era una farsa. Dentro de ese razonamiento ¿Siente que a veces importan más los sentimientos que nos unen como comunidad que la realidad racional en sí misma?
A veces lo siento así.
Un mundo lógicamente correcto no necesariamente trae felicidad a las personas.
La sociedad y la vida humana son difíciles porque la vida no mejora simplemente eliminando las cosas que estorban, son ineficientes o incorrectas.
Aunque la racionalidad es necesaria, también creo que conlleva el riesgo de secar silenciosamente nuestras vidas.

Para finalizar, me gustaría conocer un poco acerca de su punto de vista sobre el rol de la mujer en la industria cinematográfica japonesa: ¿Qué directoras le han marcado? ¿Y cuáles películas dirigidas por ellas recomendaría?
Para ser honesta, no crecí influenciada por directoras mujeres.
En el mundo tampoco había muchas, y hasta que fui estudiante, casi no había directoras de cine de ficción en Japón. En Japón, las directoras trabajaban casi exclusivamente en los campos de películas educativas y documentales, y existía la imagen de que si iban a trabajar como escritoras en el campo de la ficción, tendrían que ser guionistas.
Creo que era extremadamente raro que una mujer siguiera trabajando durante mucho tiempo incluso después de haber hecho una película de ficción.
De hecho, incluso antes de debutar como directora, había muchas cineastas talentosas y creo que ellas tuvieron varias pruebas, pero las películas de ficción comerciales era un bastión de los hombres y tampoco se percibía un aire de apoyo a las directoras por parte de la sociedad en su conjunto.
Por eso no pensé que fuera un trabajo para mujeres, y aunque lo hiciera, no pensé que sería un trabajo exitoso.
Entonces, después de lograr convertirme en directora, pensé: «en la que me metí» y pasé la mayor parte de mi vida haciendo del cine mi principal prioridad.
Pensé que si no hacía eso, perdería mi lugar, y supongo que se podría decir que ese fue el caso.
Sin embargo, desde la década de 2000, a medida que los equipos de filmación se volvieron más livianos y baratos, muchas personas han tenido más oportunidades de hacer películas sin tener que pasar por una larga carrera como profesionales, y hoy en día, muchas directoras crean películas utilizando sus propios métodos únicos y el número de personal técnico femenino también ha aumentado.
Creo que cada vez son más los jóvenes que se lanzan al cine sin dudarlo, sin tener el estereotipo de que la producción cinematográfica es algo que está en manos de los hombres.
Sin embargo, todavía no hay avances en la revisión de los presupuestos de producción, las horas de trabajo y los salarios de las películas comerciales profesionales, y es difícil para las mujeres talentosas continuar trabajando o regresar al trabajo incluso después de acontecimientos de la vida como el embarazo, el parto y la crianza de los hijos ya que aún no existe ningún mecanismo que les permita hacerlo.
Muchas mujeres se vieron obligadas a dejar el trabajo cinematográfico porque no podían encontrar un equilibrio en sus vidas, pero nadie discutía seriamente qué se podía hacer para detener este problema.
Incluso yo que no tengo hijos creo que fui una de esas personas que simplemente en silencio ignoraron el asunto.
Sin embargo, el hecho de hacer películas priorizando únicamente la eficiencia ha llegado a su límite.
Si mejoramos la situación aunque sea poco a poco y difundimos la conciencia de que es injusto trabajar en un lugar que no mejora sus condiciones, habrá más cineastas mujeres que podrán seguir haciendo este trabajo durante mucho tiempo y desarrollar sus carreras.
Si eso sucede, creo que los cineastas más jóvenes se verán influenciados por el trabajo de las directoras y se convertirán en nuevos líderes.

Como reflexión final: ¿Cuál es su visión del lugar que ocupa la mujer directora en el cine japonés moderno? ¿Cree que la industria evolucionó positivamente en ese sentido, estos últimos años?
Como mencioné anteriormente, un número significativo de directoras están presentando sus trabajos.
En la sociedad en su conjunto, creo que la gente ya no ve las cosas como «raras».
La otra cosa que queda por verse es si las directoras pueden producir obras que tengan el poder de ser reconocidas por mucha gente.
Sin embargo, independientemente de si son capaces de lograr grandes éxitos comerciales, también es cierto que las directoras tienen muchos puntos de vista diferentes a las películas que se han hecho en el pasado.
En todo el mundo, muchas creadoras están creando obras innovadoras que abordan temas y motivos a gran escala. También espero que las directoras de una generación más joven que yo sigan haciendo películas más agresivas, sin dejarse intimidar y sin encajar en el marco del cine japonés.

Entrevista: Fran Parisi @azylath
Imagen: gentileza Embajada del Japón en Argentina, IMDb, Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.