A los doce una amiga de séptimo grado y yo armamos lo que sería el texto de una novela, un cuaderno Rivadavia de cien hojas de tapa dura. Me acuerdo que los capítulos iban y venían en el portafolios del colegio.

Pasado el tiempo me reencontré con el placer de escribir. Nunca había dejado de leer, pero mis notas y mis poemas habían ido mermando.

Cuando finalmente decidí tomar la escritura como oficio comencé a nutrirme de distintas corrientes. A veces por género, otras por procedencia, y como en el caso de Oriente, por curiosidad.

Recuerdo que las primeras lecturas en el año 2008 me llevaron a Yasunari Kawabata. Cuando un escritor me gusta agoto todo lo que está en español. Tuve la bendición de hallar una editorial con traducciones en español neutro, que mostraban respeto por el origen del texto.

El lenguaje exquisito de Kawabata me seducía y mi prosa encontraba una manera de expresión. Un toque lírico que da vuelo al texto es una de las características de mi narrativa. Eso era “Mil Grullas” para mí, un vuelo silencioso a un destino todavía desconocido.

Con la conciencia de que algunas traducciones pueden desvirtuar la trasposición de la esencia de un texto, me propuse estudiar la lengua madre del autor. Mis estudios de japonés fueron el ensayo de capturar el espíritu de un escritor admirado. Los intentos de sumergirme en el Nihongo quedaron truncos, pero me abrieron un camino maravilloso a la cultura de un país tan añorado como lejano, Nihon.

A partir de ese momento entendí que mi Ikigai (“razón para vivir”) estaba en el oficio de poner en palabras las historias que viven en mí. Mi constante formación me ha hecho entender que la siembra de años de estudio e investigación ha dado como resultado mi obra. “Entre Sombras y Susurros” es mi primera incursión en el mundo editorial de la mano de Alfaomega Grupo Editor Argentino representante de Quaterni España.

El porqué del seudónimo Tsuki Mashino responde a ciertas reflexiones. Según he estudiado, la mujer y la luna están ligadas por naturaleza, los movimientos cíclicos del agua, las nueve lunas de una gestación. El ser femenino tiene la belleza de una noche diáfana de plenilunio.

Tsuki sería mi alias, mi seudónimo. Por cuestiones culturales, mi yo japonés no podía tener la ascendencia italiana de mi apellido. Tsuki necesitaba un compañero. Massimino, “Mashimino” en fonética de Nihongo, y la revelación “Mashino”.

Investigué que no hubiese ningún significado contradictorio y lo adopte. Tsuki Mashino sería mi nombre de fantasía si algún día mi libro llegaba a Nihon. Interpretando que mi nombre occidental tenía un carácter muy marcado y que debía a Nihon la cortesía de no irrumpir en un cosmos tan apacible como el de mis lecturas de Kawabata.

En el año 2016 en el MALBA se hacía un homenaje a la Cultura Japonesa en la figura de Yoko Ono. Ese ciclo de arte estaba consagrado a enaltecer la impronta femenina. Tras algunas participaciones en actividades del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, yo había quedado suscripta por correo electrónico. De esa manera llegó a mí el Ciclo de Conferencias de la Profesora Amalia Sato “La voz Femenina en la Literatura de Japón”.

Recuerdo haber sentido la emoción de lo desconocido. Sólo había leído autores varones. Esa parte maravillosa que Nihon se había escondido de mí. Los nombres desfilaron, La Dama Murazaki, Sei Shoonagon, en los inicios del Hiragana, la lengua de las mujeres.

Siguieron las charlas, pero fue en la última conferencia cuando escuché por primera vez Higuchi Ichiyoo, “Cerezos en Tinieblas”. Su corta y trágica vida, su ascenso a un cielo prohibido para las mujeres de su época. Todo empezó a gestar en mí una idea que a medida que crecía me desbordaba.

Tenía que escribir una novela, la novela. Mi sensei Sachiko Matuura en sus clases particulares de Nihongo había sugerido que yo escribiese con mi visión occidental alguna obra sobre Nihon. Eso que ella había sembrado se juntó en mi mente con la imagen de la joven escritora del siglo XIX.

Así nació “Entre Sombras y Susurros”, mi primera novela.

Como escritora, escribo por el placer de combinar ideas y ponerlas en palabras. Si yo disfruto escribiendo, el que me lea disfrutará también. No busco dar un mensaje, cada lector completará mi obra con su universo personal. Mi amor por la cultura japonesa, mi deseo de superación y mi pasión por la literatura quedan en evidencia.

Mi agradecimiento a Alternativa Nikkei por haber publicado mis artículos, mis investigaciones para armar cada nota, mi relación con Ana y su equipo, eso es lo más valioso.

Para completar el camino aún falta. Mi esperanza es que una editorial de Nihon se interese en mi novela y la lleve al Nihongo.

Cuando el Sol Nace, Amanece. “Katanas al Amanecer” es el título de mi segunda novela en preparación. ¡Qué cosa es el destino! ¿Será profético?

La señora Tomoko Aikawa, alma máter de la Fundación Sadako ha hecho una convocatoria. La presencia de Akifumi Uchida sensei es todo un acontecimiento. El Centro Cultural de la Embajada de Nihon ha cedido un espacio.

El profesor Uchida ha venido desde la Universidad Meiji de Tokyo, donde dicta Literatura Latinoamericana.

La anfitriona nos presenta al conferencista. Me inclino a pensar que hará de intérprete. La voz del conferencista nos cautiva con un castellano, como él prefiere llamarlo -es lo correcto-, es ágil y preciso.

La conferencia deviene en una charla amistosa, su calidez vence las barreras por la proximidad idiomática. Aunque la propuesta original hubiese sido hablar de Literatura Japonesa y Argentina, el Sensei se inclina por mostrar la complejidad de la Traducción.

La conferencia comienza con el origen del Nihongo escrito, las distintas eras de su país que responden al reinado de cada Emperador.

Ante la necesidad de llevar las expresiones orales del Nihongo al lenguaje escrito, los estudiosos viajan a China; los caracteres darán forma a la lengua oral. El proceso de transculturación hace que los Kanjis vayan tomando forma para encarnarlas.

Allá por los siglos IX y X surge el primer silabario que lleva al lenguaje popular los sonidos de los caracteres. Antes sólo escritos por personajes eminentes de la época. El Hiragana es un silabario compuesto por cuarenta y seis signos, que a modo de síntesis, combinan dos letras. La única letra que permanece al margen es la N. Más tarde surgirá el Katakana para dar sonido a las palabras de idiomas extranjeros que no tienen equivalentes en el Nihongo.

La lecto-escritura de los Kanjis trae a nuestros tiempos poemas épicos que evocan las proezas de los guerreros, los samuráis y la obra de mujeres cultas como la Dama Murazaki con sus cuentos del “Genji Monogatari” o “El libro de la Almohada” de Sei Shoonagon.

“La traducción de dos lenguas tan diferentes es azarosa”, explica Akifumi Uchida sensei. Las frases ilustrativas nos muestran que el traspaso literal suena incoherente. La gramática de las oraciones es opuesta. El devenir de las palabras necesita de un nivel de conocimiento profuso de los dos lenguajes. Cualidades que distinguen a Uchida sensei por sus estudios del español y su procedencia nipona.

La irrupción de Occidente a través de la apertura de Nihon en el Período Meiji [1868-1912] hace emigrar a muchos japoneses a países como Francia y Alemania para nutrirse de la Literatura desconocida. Así se traducen obras que enriquecen el saber del País del Sol Naciente.

El Boom Latinoamericano sorprende gratamente al lector japonés por su colorido y sus excentricidades. Es como llega “Cien Años de Soledad” de García Márquez, entre otros.

El Premio Nobel a Kenzaburo Oe impulsan las traducciones del autor a otras lenguas.

Uchida sensei viaja para continuar sus estudios a Estados Unidos donde descubre la Literatura Latinoamericana. Con respecto a las Letras Argentinas, la irrupción de valiosos escritores como Cortázar y Jorge Luis Borges atrae a muchos lectores japoneses que, ávidos de las novedades, se vuelcan a estas lecturas.

El profesor Uchida investiga y publica el «Catálogo de Obras Latinoamericana». Además, traduce “Prólogos” con un prólogo de Jorge Luis Borges.

Llevar al japonés obras de Borges es una misión complicada, un escritor universal con una literatura única e irrepetible. Por lo que algunos escritores y estudiosos de su obra hablan de La Maldición de Borges, expresión acuñada por Tomoyuki Hoshino. Expresa en síntesis que quien lo haya leído puede abstenerse de escribir, pues el Maestro ha dicho: Todo ya está escrito, nada en la literatura es nuevo.

Disiento con él, hago una salvedad: cuando Jorge Luis Borges lo expresa, se refiere a que el Inconsciente Colectivo nos aúna. En el Cosmos de las Letras el universo de cada escritor funciona al unísono con otros. No hay creadores, hay recreadores, cada obra es fruto de muchas obras leídas, que en suma también son una sola.

Diría Borges, “Un hombre es todos los hombres”. Parafraseándolo podría decir, “La obra de un hombre es la obra de todos los hombres”.

La Literatura está conformada por retazos en nuestro haber. Cada texto es el logro de un hombre y su circunstancia, avalado por un pasado de conocimientos aprehendidos en su transitar por Letras Vivas. Nuestra lengua en constante mutación es como un ser viviente.

Este escritor argentino, un maestro de maestros abrió las puertas de Nihon y alimentado por esta fusión creó 17 haikus, llevados al nihongo por el poeta Mutsuo Takahashi.

La señora Maria Kodama aporta un recuerdo de una de las visitas de Borges a Nihon: al tocar las piedras de los templos, el célebre autor disfrutaba del placer de la poesía del autor más relevante de los Haiku, Matsuo Bashoo.

La Tertulia sugerida por la organizadora Tomoko, se lleva a cabo en un lugar de una vista privilegiada y el dialogo se hace ameno, cercano a una reunión de amigos.

Uchida sensei es una persona afable, con una sonrisa brillante que nos enriquece con cada respuesta. El por qué de su visita a la Argentina nos llena de emoción, ha venido para descubrir la argentinidad de Jorge Luis Borges. Y sin querer ha descubierto un pueblo acogedor y nuevos horizontes literarios para explorar.

¿Fue importante el rol femenino en la escritura fonética japonesa? 

En la historia cultural universal, la creación de una escritura fonética a partir de otra totalmente distinta conceptualmente, es un caso inédito, como son los ideogramas chinos. Y fueron las mujeres de la Corte que, a fuerza de pincel y a lo largo de unos cuatro siglos, estilizaron las formas de los futuros hiragana en su correspondencia privada y en su producción poética y de diarios personales. Lo importante es que fue una escritura compartida con los varones, lo cual permitió que se impusiera y consolidara como escritura expresiva de la lengua japonesa.

¿Cómo se adaptan los ideogramas importados de China al lenguaje oral de un Japón sin escritura?

Los ideogramas con su lectura china eran empleados por los letrados para asuntos oficiales, pero se les agregó una lectura japonesa que duplicaba la lectura original china. Así hubo dos sistemas: «kun yomi» y «on yomi». Un mismo ideograma con dos sonidos, dos expresividades, para dos lenguas,

¿Cuáles son las exponentes de la literatura de Japón destacadas de todos los tiempos y cuáles son sus obras?

La literatura japonesa conoce su momento de gloria apenas cuando despega la expresividad de la escritura fonética en los siglos X y XI. Después la literatura de mujeres sufre un eclipse, un borramiento. Sei Shoonagon y Murasaki Shikibu son dos nombres fundantes de muchas tendencias y emocionalidades que todavía persisten: «El Libro de la almohada» y el «Romance de Genji», de un atractivo absoluto.

El kabuki también tuvo protagonistas femeninas. ¿Cuáles son sus orígenes y qué papel cumplió la joven Okuni? ¿Qué es un onnagata?

La joven Okuni, danzarina y actriz del siglo XVII, honrada con una estatua en la ciudad de Kioto, es la gestora de un movimiento de danza y teatro donde jovencitas desafiantes, en medio de las turbulencias del siglo cristiano en Japón, provocaron una revolución en el gusto y la consideración de lo femenino. Luego, por censura, este arte pasó a ser terreno de los hombres, estabilizado como teatro kabuki,  a tal punto que los roles de mujer dieron lugar a la figura del onnagata, el actor mujer, cuyo máximo exponente es hoy en día Bandō Tamasaburō, de quien recomiendo ver «Sagi Musume,  la muchacha garza».

¿Cómo y por qué se dio el encuentro de Oriente y Occidente en Europa? ¿A qué se llama japonisme?

Es un encuentro en espejo, Japón se occidentaliza y Europa se japoniza, y ese vaivén no terminará nunca. Un movimiento en paralelo de fascinaciones, impostaciones, ilusiones que sigue vigente, por sobre la historia, como una supraestructura productiva de felices contaminaciones y apropiaciones.

En su opinión, ¿cuál es la escritora más interesante del siglo XIX y por qué? ¿Cómo fue su visión de la sociedad de su tiempo y del rol de la mujer?

Todavía tenemos que descubrir en lengua española a Higuchi Ichiyoo, una escritora de diarios y relatos de enorme inteligencia que revela los costos de la acelerada modernización de la era Meiji. Muchos la consideran la primera escritora moderna y la sucesora después de casi nueve siglos de Sei y Murasaki, por su talento.

¿Qué influencia tiene la cultura popular en la vida de los japoneses de todas las épocas?

Lo que vemos hoy en día es el triunfo de la cultura popular del color, el movimiento, el humor. Finalmente, es como si la época Edo reviviera en la vitalidad sin límites del manga y el animé, en la ilusión del dibujo y la entronización de los ilustradores, en el humor del mundo kawaii. Todos los jóvenes que se inician en el estudio de la lengua japonesa por su devoción al manga son prueba de esto. Palabra, dicho sea de paso, que nos remite al gran Hokusai que así llamaba a sus dibujos caprichosos, locos y veloces, capaces de dar cuenta de muchos mundos.

¿Hay fusión entre las dos culturas en la literatura  femenina actual? ¿Hay alguna figura que concentra en su literatura las nuevas tendencias de Japón? El    manga y el animé, las nuevas tribus urbanas identificables por sus jergas, vestimentas, la cultura Kawaii, ¿pueden llevar a la prosa?

Una autora que puede iluminar esta potencia del manga es Banana Yoshimoto, recomiendo que lean «Kitchen», para mí su obra más lograda Pueden comprobar cómo su relato tan leve se desliza como el lápiz de un ilustrador para trazar las metamorfosis de sus personajes.

Y en cuanto a la actualidad de la cultura japonesa, basta ver la variedad de intereses que en nuestro país encuentran eco: culinaria, ikebana, amigurumi, origami, kamishibai, artes marciales, caligrafía, bordado, haiku, lengua…En fin, algo que las instituciones culturales de la colectividad, sin duda, ayudan a difundir y que encuentra sus apasionados cultores en un medio cultural tan permeable, curioso y creativo como el de nuestra Argentina, país de fantásticas mezclas y posibilidades en todos los sentidos.

¿Podrías contarme un poco sobre los orígenes del origami?

El origami es un arte de origen japonés que consiste en el plegado de papel sin usar tijeras ni pegamento para obtener figuras de formas variadas, muchas de las cuales podrían considerarse como esculturas.

Se originó en China alrededor del siglo I o II d. C. y llegó a Japón en el siglo VI, integrándose a la tradición japonesa. En el periodo Heian (794 al 1185) el origami formó parte de las ceremonias de la nobleza, ya que doblar papel era un lujo privativo de las clases altas. Recién durante el período Tokugawa o Edo (1600-– 1898) la técnica se democratiza y comienza a ser practicado como diversión, dejando de lado el sentido netamente religioso.

Con Marco Polo y la Ruta de la Seda, el papel hace su aparición en Occidente, así como también el origami. Los musulmanes también lo adoptaron de los chinos y utilizaron sus diseños geométricos para aplicarlos a los edificios de arquitectura morisca. En la actualidad también se lo utiliza, no sólo como diversión, sino como recurso terapéutico y pedagógico.

¿Qué es lo que te sedujo de esta técnica?

En realidad lo que siempre me sedujo es el papel en todos sus tipos y las maravillas que se pueden realizar con él. Por ejemplo, ¿quién no plegó alguna vez en su vida un barquito de papel? o ¿quién no fantaseó con cruzar cielos remotos con un avión realizado con una hoja de cuaderno? El origami tiene ese poder. Con sólo un trozo de papel se puede construir un mundo imaginario. Y sólo se necesitan las manos, una hoja de papel y dejarse llevar por la imaginación infinita.´

¿Cuál es tu motivación a la hora de crear tus diseños?

En un principio fue ir descubriendo que con los plegados se podían realizar formas inimaginables. ¡Es casi mágico darse cuenta de que un cuadrado de papel nos brinda tantas posibilidades!

Mientras investigaba sobre los modelos básicos del origami clásico, me topé con las kami ningyo. La primera vez que tuve una de ellas en mis manos fue un simple marcapáginas que me maravilló por su simpleza y por todo lo que me transmitía. Me lo compré y ni bien llegué a casa lo desarmé para ver cuáles eran sus piezas. Esas fueron mis primeras creaciones y tenía el desafió de poder lograrlas. Lo que más me llamó la atención es que aquí en Buenos Aires no hay mucha información sobre esta técnica derivada del origami.

Para que entiendan de qué hablo: “Kami” significa papel en japonés y “ningyo” muñeca. Es decir, muñecas de papel. Esta técnica, a diferencia del origami clásico, se realiza con tijeras, diferentes tipos de papel, pegamento y accesorios. No lo pensé dos veces y me puse manos a la obra investigando y practicando cortes, escalas, gestualidades, colores; leyendo mucho sobre costumbres japonesas y todo lo referido al kitsuke (como vestir el kimono).

Por ello, a la hora de crear mis diseños, trato de representar la esencia japonesa de manera respetuosa desde mi mirada occidental. Me inspiran mucho los libros de vida cotidiana japonesa, su arte en general y principalmente las fotografías como para representar las escenas con mis plegados. Con todo ello conjugo placer, admiración por la cultura y creatividad nipona.

¿Cualquiera puede hacer origami? ¿Cuáles son las habilidades físicas o mentales que debe tener una persona que se dedica al origami?

Considero que el origami es una técnica que está al alcance de todos pues sólo se necesita una hoja de papel y mucha imaginación. Practicarlo desde edad temprana estimula el desarrollo de las habilidades artísticas e intelectuales. En las escuelas se lo utiliza como herramienta de enseñanza de matemática y geometría.

La filosofía oriental nos dice que el origami aporta calma, paciencia, concentración y perseverancia a quienes lo practican. Por lo tanto, también es una buena terapia para los ancianos como medio de activar la memoria y la motricidad fina que se va perdiendo con los años.

Para lograr las figuras, los dobleces deben ser precisos y es por ello que mejora la capacidad de concentración y atención, logrando de este modo una buena relajación y disminución de los niveles de stress. Finalmente, con el trabajo terminado se alcanza la felicidad del logro obtenido, aumentando de este modo la autoestima.

¿Cuál es tu origami preferido? ¿Cuál es el primero que hiciste? ¿Cuál es el que aún no has logrado?

Mi origami preferido es la clásica y sencilla grulla, por el simbolismo que encierra. Es la que me gusta obsequiar cuando quiero dar un mensaje de buen augurio.

Las primeras figuras que plegué, sin saber que era origami, fueron el barco y el avión que me enseñó mi padre en mi niñez. Para mí, origami es sinónimo de felicidad y creo que es porque está ligado a esos momentos inolvidables de mi infancia.

Lo que aún no he logrado, pues no lo puse en práctica todavía, es el origami modular, pero no descarto hacerlo en un futuro. Creo que a todo origamista le queda siempre mucho que aprender, pues su práctica es un camino y una evolución.

Conociendo la técnica, ¿podés hacer tus propias creaciones o debés seguir sí o sí patrones establecidos?

Mis kami ningyo no están realizadas bajo patrones, sino que surgen desde el papel. No tengo ningún libro con instrucciones y nunca realicé ningún curso. Lo primero que me gusta hacer es la cabeza y con ella el peinado de modo tal que me permita imaginar la edad de mi ningyo y hasta su ánimo. Partiendo de ello, elijo el papel y el modelo de yukata, kimono o hakama que vestirá.

En mis diseños trato además de agregar elementos que aporten más realismo a la escena: abanicos, hagoitas, kakemonos, katanas, cometas, etc. He sumado también al papel otros materiales: cintas, telas, hilos, cuentas de colores, pequeñas flores para realzar las figuras y darles mi impronta.

¿Cuál es el papel recomendado para utilizar en origami? ¿Qué hay que tener en cuenta al comprarlo?

La mayoría de las figuras del origami clásico sólo requieren una hoja de papel y el tamaño más utilizado es el de 15 x 15 cm, aunque hay de otras medidas. Lo primordial es que el cuadrado sea perfecto. Ahora en Buenos Aires hay muchos lugares que venden papel especial para origami, pero para practicar basta una hoja de papel kraft (madera), papel de impresión, hojas de revista. Solamente hay que tener la precaución de cortarlos correctamente.

Las figuras sencillas aceptan papeles de más gramaje (aunque para comenzar es conveniente con uno liviano), mientras que los plegados de muchos dobleces se realizan mejor con papeles de gramaje menor a 70 gr. pues quedan mucho más prolijos. A medida que se va siendo más diestro es tiempo de probar con la belleza de los papeles japoneses o chinos que nos brindan infinidad de estampados, colores y estilos.

¿Hay una edad para aprender la técnica?

Ya en el Jardín de Infantes se puede comenzar con figuras sencillas partiendo de círculos y con pocos pliegues. De allí en adelante comienza un camino infinito.

¿Qué aportó a tu vida hacer origami?

Antes que nada, placer y satisfacción por los logros al terminar un diseño. Ahora mi compromiso está enfocado a lograr día a día mayor concentración y destreza para poder superarme e ir perfeccionando mi técnica.

Agradecimiento a Patricia Noemí Fernández por el permiso para usar las fotos.

La literatura retrata los encuentros con la belleza. A decir de Yasunari Kawabata, los mejores calificados para descubrir la pura belleza son los niños pequeños, las mujeres jóvenes y los hombres moribundos.

El Chado, conocido como «Ceremonia de Té» en español, refiere a una actividad de la vida cotidiana que se llevaba a modo de rito. En ella, los personajes hallan el sentido de la propia existencia. La ceremonia del té como ritual cíclico remite a las estaciones del año, a piezas de porcelanas que se humanizan, y a las personas que se vuelven objetos preciados en manos de otros.

Con la sutilidad y la delicadeza de esta Ceremonia como telón de fondo, se afianzan y desarrollan los conflictos humanos del amor y del rencor. Las escenas de por sí, cinematográficas, nos sumergen en espacios desconocidos, y las emociones trascienden lo puramente literario para instalarse en el alma de lector. Yasunari Kawabata alterna con la naturaleza el panorama de las contradicciones humanas. Su brillante escritura, a mi modo de ver, refleja la historia de un Japón que se va y de otro que nace.

Perseguido por las pérdidas, se presenta con una «disposición de huérfano«, que sólo encuentra refugio en su mundo literario. Su inspiración está signada por tempranas ausencias: al morir su abuela, Yasunari queda solo con su abuelo, un anciano ciego. Ambos, unidos como dos náufragos, se retroalimentan.

El anciano aporta la historia de Japón, sus versos de antología, sus relatos sobre las raíces culturales chinas y su aclimatación en suelo nipón, al son de la música tradicional japonesa. Mientras que el jovencito adquiere la capacidad de captar del fluir de la vida, espacios silenciosos y lugares ocultos. Aprende a descubrir la vida que transcurre en las variaciones de la luz en el jardín de la casona familiar de Ibaraki, cerca de Osaka.

Personajes y narración en la obra

Mil grullas (“Senbazuru”) nos muestra su fascinación por un tipo de mujer idealizada, la bella  Yukiko, que evocará Kikuji, el protagonista ante la imagen de las mil grullas de su pañuelo. Mil grullas en vuelo aparecen a lo largo del relato como un misterioso augurio. Los instantes narrados nos permiten asomarnos a destellos de la esencia del alma humana.

La obra está situada en la bella ciudad de Kamakura, un lugar donde la vida y la belleza habitan en posadas señoriales y templos con pisos de madera acompañados por bosques de cedros.

La acción gira en torno a la Ceremonia del Té, un rito que se enhebra con el encuentro del joven Kikuji y dos mujeres que fueron amantes de su padre, gran aficionado a esta ceremonia.

La figura del joven Kikuji se debate entre la señora Ota, que fue amante de su padre, y Fumiko, la hija de ésta. La etérea Yukiko –la joven Inamura– portadora de un pañuelo con mil grullas pintadas, signo de buena suerte e inmortalidad, será el reflejo de la mujer inmaculada que plantea Kawabata. En contrapunto, la manipuladora Chikako, la mujer de la mancha oscura en el pecho, será quien maneje los hilos dramáticos de la acción.

La pasión se hace carne a través de estas dos generaciones, cuyo escenario es la Ceremonia del té que va envolviendo a los protagonistas para llevarlos a un final inesperado.

Mil Grullas se sustenta en diálogos sutiles que podrían remitirnos al tradicional teatro Noh. En la estructura novelística los acontecimientos surgen como más importantes que la trama misma, los diálogos devienen en momentos sobresalientes.

Sobre Yasunari Kawabata

Kawabata Yasunari (1899, Osaka – 1972 Zushi, Kanagawa, Japón) cultivó un tipo de novela breve, desgarrada y episódica. Poblada de silencios elocuentes y diálogos significativos por igual, dejando a un lado la narrativa extensa. Quizás inspirado en la brevedad del Haiku, y el Tanka, la poesía breve que trasluce la profundidad del universo interior de la filosofía milenaria de Japón.

Tras egresar de la Universidad de Tokio frecuenta la “Shinkankaku School” (Escuela de las Nuevas Sensibilidades), dirigida por Kikuchi Kan. La Capital del Este le brindó el acceso a esa anhelada modernidad europea: el “compromiso” ante la realidad, que el autor fusionó con la tradición estética nipona. Su paso por varias revistas literarias de la época, entre ellas «Shinjicho» y «Bungei-jidai» (Tiempos de Arte) nos dan la publicación de La Danzarina de Izu, su debut como escritor en 1926.

El autor de País de Nieve, su obra cumbre, nos ofrece también Historias en la Palma de la Mano y La Danzarina de Izu. Entre los títulos destacados, se pueden mencionar, además de Mil grullas (1951), El Sonido de la Montaña (1954), El lago (1955), La Casa de las Bellas Durmientes (1961), Kyoto (1962), y Lo Bello y lo Triste (1965). Hacia el final de su carrera se centró casi exclusivamente en la ensayística y crítica literaria.

Tras la muerte de su amigo y discípulo Yukio Mishima en 1970, y afectado por la enfermedad de Parkinson, Yasunari Kawabata se suicida con el método ritual del seppuku, una muerte honorable en Japón.

Para un occidental, Oriente remite a otros emblemas, otra metafísica, otra sabiduría. Surge entonces la posibilidad de una articulación de los métodos simbólicos que Yasunari Kawabata reúne con maestría inigualable. Un mundo transido de instantes sublimes: el brillo de las hojas con el rocío del amanecer, el sonido de la lluvia o los gestos efímeros de los personajes que exponen sus almas en cada instante.

Según el mismo Yasunari Kawabata, “la literatura es aquello que ocurre entre la palabra y el silencio. No es un decir ni un callar, sino un estado intermedio de vacíos”.

Así se descubre frente a nosotros el retrato del Maestro del Japón Eterno: con la elegancia, con sensibilidad y con esteticismo. Como un testigo fantasmagórico, es el autor que nos permite espiar en mundos intrigantes y enigmáticos como la cultura del Japón.

Fuentes consultadas:

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kawabata.htm

http://www.lamaquinadeltiempo.com/algode/kawabata.htm

http://www.solodelibros.es/mil-grullas-yasunari-kawabata/

https://es.wikipedia.org/wiki/Yasunari_Kawabata

Artículo de Alberto Silva para RADAR- PÁG.12

La trilogía de Musashi, escrita por Eiji Yoshikawa, es una magnífica puerta que nos lleva a penetrar en lo profundo del espíritu japonés, y que nos invita a sumergirnos en las vivencias y los misterios de una cultura sorprendente.

El autor muestra una visión personal del momento histórico en un apasionante recorrido por la vida del Japón del siglo XVII, encarnada en el personaje Musashi Miyamoto (1584-1645), que remite a la propia historia del Japón antiguo. Se publicó por entregas en el periódico “Asahi Shimbun” entre 1936 y 1939. Inicia con el primer tomo “La leyenda del samurái”, continúa con “El camino de la espada” y finaliza con “La luz perfecta”.

La saga de la novela Musashi es un clásico, una narrativa que permanece y se adueña del sentir de los lectores de las diferentes épocas, y renace con cada persona que la aborda. Una obra de culto muy apreciada y que engalana con su maravillosa narrativa el universo literario de Japón. Aquí vemos a un samurái que debe poder controlar, en principio, su temperamento inquieto e impulsivo. En una instancia posterior necesitará aprender a convivir con otros seres humanos y con otras realidades. Por último, entablará su lucha más existencial: alcanzar un equilibrio con los misterios del universo.

Podríamos decir, así como en el “Cid Campeador” o “Las leyendas del Rey Arturo”, que las vivencias de muchos personajes confluyen en la imagen de un solo héroe: un samurái que hizo historia.

El protagonista representa al hombre universal, que a través de una búsqueda incansable, desea trascender lo cotidiano para conseguir con esfuerzo y compromiso, un futuro a la altura de los tiempos que le toca vivir. Como en toda novela de aprendizaje, vemos el crecimiento del protagonista desde sus comienzos. Un personaje que va mutando y desarrollándose al mismo tiempo que madura la historia, y que va recomponiendo en su vida las distintas épocas del Japón antiguo.

La saga de Eiji Yoshikawa nos atrapa en una historia que seduce y hace que el lector se involucre como un personaje más. Como un personaje testigo que vive a través del protagonista las instancias de su evolución.

Podríamos decir que en la figura de Musashi vemos tres etapas:

• Aquella del jovencito temperamental en la figura de Shinmen Takezo, rústico en su conducta y en sus conocimientos, que ha sobrevivido a la batalla de Sekigahara, y al que podríamos asimilar a un ser humano de barro. Un muchacho que ansía recorrer el camino de la espada.
• Tras un período de maduración intelectual y espiritual, empieza a aparecer el Miyamoto Musashi que pasó por un período intenso del estudio de los saberes de su época. Este resurgimiento lo ayudará a transitar muchas instancias en su sendero hacia la perfección como samurái. Sin embargo, aún es un ser humano de madera, un ser inacabado que sufrirá la talla del tiempo de una vida llena de obstáculos e inconvenientes.
• Tras emerger de una reclusión voluntaria, deviene en un hombre nuevo, que se ve materializado en su cambio de nombre a Miyamoto Musashi. A través del conocimiento, crece en la búsqueda de un ideal signado por una consciencia recta. Un guerrero que centra su existencia en el camino de la espada que nada ni nadie podrá perturbar. Su compromiso lo llevará a convertirse en un ser humano de metal imperecedero que brillará como el filo de su katana.

La soledad será su acompañante durante el proceso que deberá terminar convirtiéndolo en un verdadero samurái, a pesar de su condición de ronin, porque no adhiere a pertenecer a ningún daimyō (soberano feudal). Su aprendizaje le hará tomar consciencia de que el camino del guerrero no es el camino de la espada, sino el camino del honor.

Reflexiones

A través de la voz de un narrador omnisciente vemos la evolución de un guerrero que intenta alcanzar el discernimiento de su yo interior, libre de los mandatos de la época. De su trayecto por los distintos dojos, irá recogiendo enseñanzas combinadas con sus técnicas particulares que le darán un notable manejo de la espada. Su experiencia será fruto de un arduo entrenamiento y de la creatividad de un hombre que no se conforma con la mediocridad.

Los personajes que lo acompañan en su camino remiten a diferentes etapas de la vida. La niñez, inocente y curiosa en Iori; la adolescencia que conlleva la lealtad y el compromiso con el maestro admirado en la figura de Jotaro; y la madurez y la sabiduría de un monje, Takuan Sōhō, que por medio de acertijos lo conducirá a una profunda espiritualidad, fundamental en la vida de un guerrero.

En la figura de Osugi, vemos una madre perseverante, al Japón que está quedando atrás. En su constante lucha por la recuperación del honor de su hijo abandónico e idealizado, que es Hon’iden Matahachi. Como contracara de Musashi , surge la presencia de Sasaki Kojirō, un digno contrincante que embelesado por la fama, busca ascender en las clases sociales por su dominio de las artes como espadachín. El amor platónico aparece materializado en Otsū, con el deseo inalcanzable y su amor por Musashi, y con la lealtad y el respeto a la causa con la que está comprometido su amado.

El lector occidental percibirá a través de la lectura de esta saga una vivencia profunda del espíritu de Japón. Un espíritu que llega a nuestros días. Un Japón sacrificado y pujante. Un país sometido a constantes pruebas: tsunamis, terremotos, inundaciones. El flagelo de un territorio que se vuelve hostil. Así como Musashi enfrenta y derrota a sus adversarios, el Japón se sobrepone a la tragedia y avanza.

Foto de portada: Dibujo de Musashi por Mooneyham, en Deviantart.

Estas ansias se pusieron de manifiesto en su creación ensayística, en su prosa tanto narrativa como poética. Así podemos encontrar atisbos de sus inquietudes en Inquisiciones (1925), en los escritos “Después de las imágenes” y “Buenos Aires”; en El tamaño de mi esperanza (1926) lo son “Carriego y el sentido del arrabal”, “La pampa y el suburbio son dioses”, “Las coplas acriolladas” e “Invectiva contra el arrabalero”.

En una de las obras que yo considero significativa: El idioma de los argentinos (1928), se hallan “Ascendencias del tango”, “Apunte férvido sobre las tres vidas de la milonga” y ambos capítulos de “Dos esquinas”: “Sentirse en muerte” y “Hombres pelearon” —éste último, es un anticipo de “Hombre de la esquina rosada”. Un cuento emblemático que exalta “el coraje”, un tema recurrente en su obra de aquellos años mozos.

“Me he ocupado alguna vez de la topografía del tango y he notado, sin mayor sorpresa, que cada uno lo llevaba a su barrio, cada uno creía que en su barrio había surgido el tango; lo cual es una prueba del amor de la gente, del amor que le sentimos”. Estas palabras vertidas en alguna de sus obras reflejan el sentir del autor frente al alma de la canción porteña.

El origen del tango es un origen híbrido. Y diría Borges:
“Y el tango sale, no del pueblo, no de la aristocracia, sino del ambiente mixto, creo yo, de ciertas casas “no santas”, y creo que esto puede probarse por los instrumentos. Si el tango hubiera surgido del pueblo, su instrumento hubiera sido la guitarra… en cambio sabemos que los primeros instrumentos del tango fueron el piano, la flauta y el violín, al que se le agregaría después el bandoneón. Y nada de esto tiene que ver con el pueblo. Todo esto ya presupone ese ambiente en el que se codeaban el rufián y el niño bien, calavera.
Y recuerdo aquellos primeros tangos sin letra o con letra obscena, y recuerdo también haber visto bailar (en la esquina de Serrano y de Guatemala) haber visto bailar el tango al compás del organito por parejas de hombres, de hombres porque las mujeres no querían participar en un baile cuyo origen conocían. Y recuerdo aquella sentencia acuñada por Lugones: “El tango, ese reptil de lupanar”. Quiero admirar la precisión de la palabra “reptil” en que están las quebradas y los cortes, lo sinuoso del baile”

Es muy probable que el tango se hubiera quedado en esto ––un ritmo marginal de gentes de los arrabales–– de no ser por su circunstancial llegada a París.

Contra lo que suele pensarse, el tango llega a París mucho antes que Gardel. Algunas fuentes sostienen que llega en 1905 a través de los marineros de la fragata Sarmiento. En todo caso, dos años después ya andaba circulando por París, e incluso por Madrid, con algún danzante argentino más o menos destacado.

El éxito en la capital francesa es vertiginoso, pero es que en el París de aquellos años, prácticamente todo triunfa, todo se pone de moda de la noche a la mañana, porque París es la capital del mundo y su disposición a apropiarse de todo es bastante similar a la que en nuestros tiempo tiene Hollywood. Es significativo que en 1913 la Academia de Medicina de Francia recomiende el tango “sobre todas las otras [danzas] creadas en los últimos años”, porque “tiene la ventaja de hacer trabajar más los brazos, forzando las flexiones y las extensiones…”.

Como es natural la religión se muestra en contra de este baile pecaminoso y de historia turbia. Pero D’Annunzio, los Rotschild, los Romanov y restantes protagonistas de la prensa del corazón de la época se rindieron a la belleza de la excitante nueva danza. Danza porque a los tangos se les empezó a poner letra mucho después y tardó en adquirir verdadera importancia.

Aunque el tango era moda en París, muchos argentinos se resistían, a pesar de ello, el tango triunfó. Con su aceptación en la Argentina, el tango dejó de tener este tinte prostibulario y se “adecentó” para la escucha de las clases acomodadas. Estas se permitían escucharlo sólo si los músicos vestían ropa de gala y además se les imputó otras reglas como no tomar alcohol, ni hablar con las mujeres durante su concierto.

El tango llega al Japón de la mano de la nobleza

En 1920 para someterse a una operación quirúrgica llega a París el barón Tsunayoshi «Tsunami» Megata. Este noble nacido en Japón en 1896, era hijo de un diplomático japonés y nieto del samurai Kaishu Katsu, el primer guerrero noble que viajó a Estados Unidos. Megata residió en París hasta el año 1926. Durante su estadía en «la Ciudad Luz» aprendió a bailar el tango en el cabaret «El Garrón», en el que actuaba la orquesta de Manuel Pizarro, llegando a ser un eximio bailarín.

Y tras estos vaivenes, el tango llegó a Japón desde París. A su regreso a la tierra del sol naciente, Megata llevó grabaciones de tango por «Le Véritable Orchestre Argentin Tano Genaro» (dirigida por Genaro Espósito), por la «Orchestre Argentin Manuel Pizarro», por la de Bianco-Bachicha (Eduardo Bianco -Juan Bautista Deambroglio) y por varias orquestas francesas. Como las etiquetas de los discos estaban escritas en francés, en Japón creyeron al principio que el tango había nacido en Francia.

De vuelta en Tokyo, el barón Megata instaló una academia de baile gratuita, allí enseñó a bailar nuestra música a la aristocracia japonesa. También publicó Un Método para Bailar el Tango Argentino.

La popularidad que tiene actualmente el tango en Japón se debió también a que durante la II Guerra Mundial se había prohibido la difusión de la música de jazz. A fines de la década del 30 y principios de la del 40, Noriko Awaya y otros cantantes difundieron el tango al estilo japonés. En ese período se constituyeron varias orquestas de tango y en los años 50 actuaban más de 20 conjuntos, siendo el más conocido la «Orchesta Tipica Tokyo» dirigida por Shimpei Hayakawa.

Un sentido homenaje a lo tanguero

En el año 1980 Japón festejó los cien años del tango.

En 1981, Luis Alfredo Alposta* –quien fue el primero que dio a conocer el nombre de Megata y su obra de pionero y difusor del tango en Japón-, escribió la letra del tango A lo Megata, a la que Edmundo Rivero le puso música. Rivero lo grabó en 1983 con el acompañamiento de la orquesta de Leopoldo Federico en la que actuaba el bandoneonista Yoshinori Yoneyama.

Ese tango fue ejecutado por primera vez en Japón el 29 de mayo de 1982 en el 14° aniversario del fallecimiento del barón Megata. Dicen sus versos:

 El barón Megata, en el año veinte,
se tomaba el buque con rumbo a París,
y allí, entre los tangos y el «dolce far niente»,
el japonesito se hizo bailarín.
Flaco y bien plantado. Pinta milonguera.
De empilche a lo duque, aun siendo barón.
Bailó con Pizarro, y una primavera
empacó los discos y volvió a Japón.

Y así llevó el tango a tierra nipona,
donde gratarola lo enseñó a bailar.
Cuentan que Megata no cobraba un mango,
por amor al tango y por ser bacán.

No sólo enseñaba cortes y quebradas,
también daba clases de hombría de bien;
junaba de noches y de madrugadas,
piloteaba aviones y más de un beguén.
Y tal vez ahora, que está aquí presente,
mientras una Sony nos pasa «Chiqué»,
alguien, allá en Tokio, elegantemente,
baile a lo Megata sin saber quién fue.

* Luis Alposta nacido en 1937 en Buenos Aires. Médico, poeta y ensayista. Sus poemas traducidos al francés, inglés, italiano y japonés, figuran en antologías y han sido musicalizados por Edmundo Rivero, Rosita Quiroga, Osvaldo Pugliese y Juan María Solare. Prologuista, conferencista, autor de numerosas comunicaciones académicas sobre el lunfardo y el tango.

Ilustraciones:

de portada – Ilustración de Leonid Afremov – Vía Algarabia.com

Manuscrito de Borges en la Universidad de Notre Dame – Vía Rare books & Special Collections

del Tango en Japón – Vía Boletin argentino

del Barón Megata bailando tango – Vía malena-tango.com

Fuentes:

El idioma de los argentinos (1928) obra de Jorge Luis Borges

Letralia

Tiempo Argentino infonews online

Terapia Tanguera.

tangocity.com

Dotada de una vasta cultura, Murasaki Shikibu, fue la tutora de la joven emperatriz Akiko. Cuando era jovencita adquirió sus conocimientos, negados a las mujeres de la época, al escuchar a escondidas las clases que le dictaban a su hermano. Se piensa que su obra fue comenzada tras la muerte de su esposo, y que encontró en el ambiente de la corte un lugar propicio para su continuación. En el período Heian el rol de las mujeres cortesanas era relevante para el quehacer de las letras. La Dama Murasaki podía espiar el mundo masculino tras los biombos del palacio imperial, evaluarlo y reformularlo.

Sus escritos presentan características novedosas, como descripciones detalladas de los personajes. Su capacidad de observación logró forjar la primera novela psicológica en el mundo. Una de las singularidades del Genji Monogatari es la utilización del silabario “kana”, una alternativa de fonetización japonesa para la escritura culta, (llamado “onnade” o «mano de mujer») dado que el empleo de los ideogramas kanji (de origen chino) estaba reservado a los hombres.

La influencia en la literatura japonesa

Los primeros autores que demostraron su conexión con el espíritu de la obra fueron, obviamente, de origen japonés. El venerado Yasunari Kawabata (1899-1972) ha dejado constancia de su atracción por la literatura clásica, por lo que sucumbió al influjo de “Genji Monogatari”. Las lecturas de su juventud sobre el período Heian marcaron su obra literaria. Según sus propias palabras “La historia de Genji ha sido, pienso, por su índole, el libro del cuál más se ha embebido mi corazón”.

Puede apreciarse la influencia que ha dejado en Jun’ichirō Tanizaki en los escritos de “El puente de los sueños”, publicado en 1934, el más tardío de todos los relatos contenidos en este libro. En estos textos, Tanizaki muestra un estilo más sereno, con un tratamiento de las imágenes más preciso y con un juego de símbolos que sorprende. En lo que puede descubrirse la influencia de la historia de Genji por su lenguaje más clásico.

Cuando el mundo literario occidental conoce la historia de Genji

La historia del príncipe Genji tardó en llegar a Occidente, la primera traducción fue hecha por el estudioso japonés Kenchō Suematsu, publicada en 1900. Sin embargo, la mayor difusión se debió al trabajo minucioso que hizo más tarde Arthur Waley entre 1921 y 1933. Circunstancia que la acercó a algunos escritores ilustres de Occidente, entre ellos Jorge Luis Borges, Octavio Paz y Marguerite Yourcenar. Luego de la traducción al inglés de Waley fue llevada al alemán y al francés.

Tras los “Cuentos de Ise” de los siglos IX y X, Jorge Luis Borges continuó sumergido en la literatura japonesa con creciente interés. La búsqueda incesante del escritor dio como resultado un descubrimiento apasionante: el “Genji Monogatari”.

En los dichos de Jorge Luis Borges, esta obra podría equipararse a la complejidad de “Madame Bovary” de Gustav Flaubert, un auténtico cultor francés del arte de la novela psicológica. “La novela de Genji es una novela total, en algunos aspectos, superior al Quijote”, según dichos del mismo Borges.

Según estudiosos de Francia, la corte de Kyoto no tenía nada que envidiarle a la de Versailles. En ambas el “buen gusto y el ingenio convivían en la composición de los versos que retratan los estados anímicos y la intimidad de las clases privilegiadas”. Para el lector común no es fácil entender cómo figuras como Octavio Paz y Margeritte Yourcenar equiparan a la novela de Murasaki Shikibu con los clásicos occidentales escritos por Cervantes, Proust o Balzac.

El amor es entonces un marco integrador. Se considera a la obra de Murasaki Shikibu un hallazgo sobresaliente escrito por una mujer del refinado Japón imperial de la segunda mitad del siglo X que muestra la saga familiar, el relato amoroso y erótico, las costumbres de una época histórica de la sociedad japonesa en pleno esplendor. Marguerite Yourcenar llegó a decir que “no se ha escrito nada mejor en ninguna literatura”.

Las palabras del poeta mexicano Octavio Paz atestiguan su interés por la cultura de Japón: “Leí muchísimas traducciones, recuerdo siempre con placer a las de Arthur Waley. Es uno de mis santos patronos. A mi regreso a México, animado por Donald Keene me atreví a traducir, con la ayuda de Eikichi Hayashiya, el” haibun” de Basho,” Oku no Hosomichi” (Sendas de Oku). Fue la primera traducción de ese clásico japonés a una lengua de Occidente”.

La historia de Genji y su legado

Genji Monogatari es considerado una obra cumbre en la literatura nipona, una lección de historia de una era de Japón, la obra perfecta para estudiar a las cortes del periodo Heian. En esta era se configura la estética de la sensibilidad femenina, la imagen de la delicadeza de la poesía que aún hoy atrae a muchos occidentales.

Como una de las primeras novelas modernas de la historia puede equipararse a la altura de los escritos de Tolstói, Cervantes, Balzac o Proust. Una novela que conjuga el aprendizaje vital, el relato amoroso y erótico, la saga familiar y la crónica de costumbres de una sociedad en pleno esplendor.

Cinco siglos antes que Shakespeare, Genji Monogatari nos transmite el conocimiento extraordinario del alma humana en la voz de una mujer de su época. Con infinidad de personajes y de aventuras, muchas galantes, en que el protagonista, hijo del emperador a quien han alejado del poder desde su infancia, pugna por recuperar sus derechos. Una vida repleta de luces y sombras, de maquinaciones, de poder y de erotismo.

Fuentes:

Conferencia de Jorge Luis Borges pronunciada el 8 de julio de 1985

“Mis sentimientos como flores cortadas”. Una invitación a conocer la escritura de mujeres japonesas. Conferencia” de Anna Kazumi Stahl en La Feria del Libro del año 2011 (Buenos Aires, Argentina).

El cajon de Watson

Instituto Cutlural Chileno – Japonés

La jiribilla Revista de cultura cubana

El cultural

Wikipedia Genji_Monogatari

Wikipedia Murasaki_Shikibu

Fotos:

de portada: ilustración del capítulo/rollo 8 » Festival de las flores» por el pintor Okinobu Yamada

de Murasaki Shikibu: reproducción del retrato realizado por Mitsuoki Tosa (1617 – 1691)

del capítulo/rollo 6 «Azafranillo»

del capítulo/rollo 23 «Los primeros sonidos del año» por el pintor Osanobu Kanou (1796 -1846)

Todas las imágenes están en Laboratorio de Educación de la Esc. Superior de Tokushima

Su interés en profundizar en la narrativa de este hermoso país, lo llevó a cruzarse con «Los cuentos de Ise» (“Ise monogatari”), relatos escritos por autor desconocido hacia el año 980 inspirados en los poemas de Ariwara no Narihira.

Ariwara no Narihira (825 – 880) fue uno de los mayores poetas japoneses de su época, e incluido por ese motivo en la importantísima antología imperial, llamada “Kokinshuu”; Ariwara pertenecía a la aristocracia japonesa al ser bisnieto del emperador Kammu, quien reinó de 781 a 806 y mudó la capital a Heian, la actual ciudad de Kyoto en el 784.

“Los cuentos de Ise” -cuya edición de Hyspamérica fue prologada por Jorge Luis Borges-, narran, mayormente, legendarias hazañas de amores cortesanos. Son  poemas-relatos, característicos de la literatura japonesa, y consisten en versos cortos “tanka” intercalando pasajes en prosa que narran aventuras.

Se trata de 209 poemas tanka, de cinco versos, que en total suman 31 sílabas, distribuidas de la siguiente manera: 5, 7, 5, 7, 7. En ocasiones están agrupados de a dos o tres, y separados por textos breves en prosa. Relatan en total 125 anécdotas. Se usa un estilo elegante, pero en un lenguaje todavía primitivo. Los temas son el amor, la ausencia del ser amado, el desengaño y la alegría del reencuentro. Ise es un pueblo, y Narihira, según expresa Borges, «es un hedonista en un mundo inocente y pagano, no perturbado aún por el Tao y por la recta observación del óctuple camino del Buddha«.

Borges inspirado por la poesía japonesa

“Los cuentos de Ise” fueron citados en el capítulo de “Biblioteca Personal”, un libro de Jorge Luis Borges que vio la luz en1985. Un libro que compila gran parte de las obras que influyeron en la literatura del creador.

Esta huella se hace evidente en el ejemplo a continuación. En algún lugar secreto de la mente del escritor al crear algunos de sus 17 haiku estuvo presente este relato de «Los cuentos de Ise».

Cuento IV

Una vez en Gojô del Este, una persona se alojaba en un pabellón del Oeste del palacio de la emperatriz viuda. Aunque sin ver en eso el fin esencial de su vida, la frecuentaba asiduamente. Hacia el día décimo de la primera luna, ella desapareció repentinamente. El hombre supo dónde paraba, pero como ese era un lugar que no podía frecuentar, vivía sumido en penosos pensamientos. En la primera luna del año siguiente, cuando los ciruelos se hallaban en plena floración, el hombre volvió a Gojô para recobrar los queridos recuerdos del año anterior. Miraba de pie, miraba sentado, pero nada se parecía a lo que había sido. Mientras lloraba ardientes lágrimas, se tendió sobre tablas bastas hasta que la luna se ocultó tras el horizonte y, mientras rememoraba el pasado, compuso este poema:

La luna no es la misma

La primavera no es ya

La primavera de ayer

Solamente yo

No cambié.

En este sencillo cuento: el pasado en el recuerdo, el presente como un paso, el futuro de ardientes lágrimas. El infortunio de la soledad.

Borges escribió los haiku tras sus viajes a Japón y los publicó en su libro “La cifra” (1981). El espíritu de Ariwara no Narihira pareciera haberlo poseído al escribir estos dos haiku; uno que, a mi parecer, iniciaría este cuento:

La luna nueva

Ella también la mira

Desde otra puerta

Y otro que semejaría concluirlo:

Bajo la luna

La sombra que se alarga

Es una sola

Los últimos cuentos de “Ise Monogatari” adoptan un tono más contemplativo, se trata de unos 50 poemas que no pertenecen a la pluma de Ariwara no Narihira. En este ejemplo, la soledad enfrenta al poeta al fin de su propia existencia.

Cuento CXXV

Una vez un hombre que se sentía enfermo tuvo la impresión de que estaba a punto de morir. Compuso este poema:

Que al final
Haya un camino que es obligado seguir
Ya lo había oído decir,
Pero lo que no pensaba era
Que para hoy o mañana fuera.

La experiencia en palabras del escritor argentino traduce la imagen de la vida como pasajera. Para él la vida:

Es o no es

El sueño que olvidé

Antes del alba?

Así también expresa el recuerdo de una premonición, la sensación de lo ineludible:

Algo me han dicho

La tarde y la montaña.

Ya lo he perdido.

Borges, fusión entre Latinoamérica y Japón

Hay en Borges un anhelo de pertenencia, de añadirse como un par entre los nombres y obras que más admira. También, y más elemental: Borges siempre se ha definido ante todo como un lector. «Que otros se jacten de los libros que han escrito«, ha dicho famosamente, «yo prefiero enorgullecerme de los que he leído«… Y por cada idea que se le ocurría, de lo «ya escrito» sin duda acudían a su mente mil resonancias. Esto lleva a pensar que un escritor tiene algo así como un compendio de vivencias y recuerdos que lo trascienden y que asoman, ya sea en la narrativa o la poesía, de maneras misteriosas. Sin importar cuándo, ni cómo ellos se hayan ido almacenando en la memoria.

El cometido de Borges de lograr ser puente entre dos culturas se materializó en la fusión de la milenaria tradición de Japón con la joven e incipiente cultura latinoamericana. Cautivo por el influjo nipón logró devenir un intérprete de las verdades más profundas del país del Sol Naciente.

Fuentes:

Pequeños universos

Terebess

Bibliotecas virtuales/Ariwara no Narihira

lanacion.com.ar

Fotos:

de Ariwara no Narihira: Obra de Eishi Hosoda (circa 1785), en el Museo de Arte de Indianapolis. vía imamuseum.org

de portada y del haiku vía Jotdown- Borges y los regalos del universo

Japón y sus leyendas, mitos que llegaron a las manos de Algernon Bertram Freeman-Mitford, Barón Redesdale, un diplomático inglés, botánico y escritor que en 1871 los publicó bajo el nombre de «Tales of the Old Japan«. Mitford recopiló historias populares y dio testimonio de costumbres japonesas que presenció durante el tiempo que fue asignado a Japón como 2° secretario de la Legación Británica entre 1866 y 1873. Este libro, uno de los primeros nexos de Occidente con la tierra de los samurai, contenía historias como la Leyenda de los 47 rōnin cuyos hechos, dicen los estudiosos, sucedieron entre 1701 y 1703 y reflejaban vívidamente los diversos aspectos del código de honor samurai o «bushidō».

La atracción que generó en Borges la recopilación de estos textos lo fue llevando a interesarse por esas tierras lejanas aisladas del mundo occidental por sus condiciones geográficas. En sus comentarios tras el regreso de sus viajes a Japón en una conferencia en la Sala Promúsica de Buenos Aires (1985) comentó que vivían aun en su memoria esos demonios de color verde, tan característicos de la mitología nipona, que veía en las ilustraciones que le mostraba su abuela mientras le leía las leyendas.
Ya en la adultez a través de lecturas y estudios sucesivos, intentó capturar la esencia de las Tierras del Sol Naciente. Con los años descubrió que el enigma le resultaba encantador. Que si lo develaba perdería la magia. Sólo le quedaba disfrutar de su influjo.
Su primer viaje fue una invitación inesperada de la Japan Foundation que llegó tras las gestiones de un discípulo de María Kodama. Jorge Luis Borges y su compañera de viajes partieron en 1979 rumbo al anhelado destino con la idea de honrar la invitación. A decir del escritor, la combinación de sus ojos ciegos y su evocación frágil, con la mirada joven y la memoria de su compañera les dieron la oportunidad de conocer lugares maravillosos.

Su viaje se había organizado un poco alrededor del libro Qué es el budismo que había escrito en colaboración con Alicia Jurado.
Estaba entusiasmado por conocer ríos, santuarios, monasterios y jardines. Necesitaba que aquella visita quedara cautiva en su mente. Borges recogería vivencias puras al decidir no tener un guía, sino valerse del instinto y la osadía de manejarse en un mundo desconocido sólo con María Kodama  que por momentos ignoraba el inglés. En esos instantes descubrió la cortesía que caracteriza al pueblo japonés, la buena disposición al orientarlos en las no pocas veces en que se perdían antes de llegar al destino elegido.
En su estadía Borges quiso alojarse en un «ryokan«, seguro de que la experiencia valía la pena, para conocer más en profundidad las costumbres en Japón. Los viajeros aprendieron que para caminar dentro de la habitación hay que calzar pantuflas, que se debe comer sentados en un «zabuton» (cojín). Que los grupos de habitaciones tienen un «ofuro«, un baño caliente de madera de cedro para relajarse. Que en cada dormitorio hay un armario donde se guarda el futon que se extenderá sobre el piso al llegar el momento de descansar. Y que en cada habitación suele haber un «engawa» que es una plataforma a modo de balcón, un lugar perfecto para disfrutar de la naturaleza.

A falta de la vista, sus sentidos recogieron imágenes que quedaron grabadas en su memoria.
Su oído capturó el trajinar de las ciudades, y el silencio en la quietud de una sala de teatro Noh en la cual había cientos de personas.
Su olfato le regaló el aroma de la hierba fresca en los jardines. Jardines al estilo japonés cuyos recorridos los llevaban, entre agua, piedras, plantas y madera, a vivenciar acontecimientos imprevistos. A participar de una sucesión de escenas como un espectador inocente, que se sorprende al descubrir que tras el recorrido de un tramo del jardín el espectáculo se renueva.
El tacto le regaló la apreciación de los grabados de kanjis en la roca en los templos shintoístas de Kamakura. También lo hizo partícipe de la textura de la madera en un templo en Nara. Una construcción que dicen es una de las edificaciones en este material más antiguas del mundo. Un templo cuyo protagonista es un Buda cuya cabeza llega casi a tocar la cúpula del edificio. Sus dedos pudieron acariciar la flor de loto sobre la que descansaba la estatua.
Después de la inolvidable visita, Borges transmitió en su obra literaria estas vivencias. Vivencias genuinas con las que quiso honrar la oportunidad que se le había brindado en su visita a una tierra de una historia milenaria y de un futuro pujante.

Fotos:

De los ronin en http://www.gutenberg.org/files/13015/13015-h/13015-h.htm

De Borges en el paisaje japonés: ilustración de M. Maggiorini en http://llamingosan-samaniego.blogspot.com.ar/2012/09/borges-un-barbaro-en-japon.html

www.ryokan.or.jp

http://es.wikipedia.org/wiki/47_r%C5%8Dnin