Participación virtual en las ceremonias por la paz, con interpretación simultánea al español.

La ONG Fundación Sadako invita a las personas de Argentina y de otros países de habla hispana a participar virtualmente en las Ceremonias por la Paz de Hiroshima y Nagasaki 2026.

A través de Zoom se conectará Japón con América Latina, España, Estados Unidos y otras regiones para acompañar juntos las transmisiones oficiales en vivo desde las ciudades de Hiroshima y Nagasaki. Durante las ceremonias se ofrecerá interpretación simultánea al español, además de breves explicaciones sobre su significado y contexto cultural.

La bomba atómica fue lanzada sobre Hiroshima el 6 de agosto de 1945 a las 8:15, y sobre Nagasaki el 9 de agosto del mismo año a las 11:02. En esos momentos exactos, los participantes sostendrán una grulla de origami como símbolo de paz, recordarán a las víctimas y rezarán juntos por la paz mundial.

Ceremonia Conmemorativa por la Paz de Hiroshima

5 de agosto de 2026

Argentina, Paraguay y Uruguay: de 19:40 a 20:45
Chile continental, Bolivia y Miami: de 18:40 a 19:45
Perú y Colombia: de 17:40 a 18:45
México —Ciudad de México—: de 16:40 a 17:45

6 de agosto de 2026

España peninsular: de 00:40 a 01:45
Japón: de 07:40 a 08:45

Inscripción para Hiroshima:
https://forms.gle/jFk1GxzV21WDz5tJ6

Los sonidos de la infancia se volvieron haiku.

Buenos Aires fue sede de la ceremonia de premiación del Concurso de Haiku para Niños del Mundo de JAL Foundation.

Con la emoción de los chicos y el orgullo de sus familias, el martes 28 de julio se realizó en Buenos Aires la ceremonia de entrega de premios a los ganadores del Concurso de Haiku para Niños del Mundo, organizado por JAL Foundation.

El acto tuvo lugar en la Residencia del Embajador del Japón en la Argentina y comenzó con las cálidas palabras del señor MAEHIGASHI Kenji, encargado de Negocios de la Embajada del Japón. En su discurso, destacó la importancia de cultivar la relación con el mundo que los rodea y la comprensión mutua, felicitó a los participantes y expresó su deseo de que esta iniciativa intercultural continúe desarrollándose.

La ceremonia contó con la presencia del gerente de JAL Foundation, señor GOJI Shinya; de la señora MURAKAMI Kanami, ejecutiva de ventas de Japan Airlines para España y Portugal; de los directores de la compañía en San Pablo, Brasil, señores Keisuke HATSUDA y Hirofumi OTAKE; y de Kengo KANATANI, quienes viajaron especialmente para la ocasión.

También participó la Fundación Internacional Tōzai, dirigida por la profesora Dra. Stella Maris Acuña, junto con su equipo docente. La institución tuvo a su cargo la difusión y la organización local del certamen en Argentina.

Este concurso internacional se celebra cada dos años y está dirigido a niños de hasta 15 años. Su objetivo es difundir la creación de haiku, cultivar la sensibilidad infantil y profundizar el conocimiento de la cultura japonesa, promoviendo la comprensión y el intercambio entre niños de distintos países.

Fue organizado por la Fundación JAL, con el auspicio de Japan Airlines Co., Ltd., Pilot y la colaboración de la Asociación Internacional de Haiku. Cuenta, además, con el apoyo del Ministerio de Asuntos Exteriores del Japón, la Agencia de Asuntos Culturales, el Comité Japonés para UNICEF y la Fundación Japón.

Historia del concurso infantil de haiku organizado por JAL Foundation

La historia del proyecto se remonta a 1964, año de los Juegos Olímpicos de Tokio, cuando Japan Airlines impulsó en Estados Unidos un concurso de haiku mediante un programa musical de radio. La convocatoria reunió 41 mil obras.

En aquel entonces, Japón todavía era un país poco conocido en Estados Unidos y se lo percibía como un pequeño país en el lejano Oriente. Por esa razón, se realizó una campaña estratégica para dar a conocer tanto a Japón como a la aerolínea que lo representaba.

La razón por la que fue elegido, tendría que confirmarse mediante los registros antiguos, no obstante, se puede considerar que es una forma de acercamiento cultural capaz de llegar al corazón de personas de distintos países. A diferencia de otras disciplinas japonesas, no requiere materiales especiales: solo palabras, aunque son palabras que exigen observación, atención y reflexión.

Desde 1990, JAL Foundation continuó la iniciativa y la transformó en el actual Concurso de Haiku para Niños del Mundo, que se celebra en Japón y en distintas regiones.

El gerente GOJI señaló que una de las características que distingue a este concurso es que los haiku deben estar acompañados por dibujos realizados por los propios niños para representar las escenas observadas. Incluso hoy no se permiten ilustraciones digitales, ya que la organización desea conservar la espontaneidad del momento captado y la manera en que los niños lo expresan.

El tema «Sonido»: literatura e idioma japoneses

En esta edición, el tema fue “sonido”. En japonés, las expresiones onomatopéyicas y miméticas ocupan un lugar destacado para representar sonidos, movimientos, estados y sensaciones.

Además, la atención a los sonidos cotidianos tiene una larga presencia en la literatura japonesa. En el primer ensayo japonés en la altura del siglo 10, El libro de la almohada —Makura no sōshi—, Sei Shōnagon registra impresiones de la naturaleza, las estaciones y la vida de la corte desde una mirada personal.

Siglos después, en el siglo 17, en Oku no Hosomichi, Matsuo Bashō, el primer maestro de haiku, vuelve a escuchar el paisaje durante su viaje por el nordeste de Japón. La rana que salta en el antiguo estanque y el canto de las cigarras son imágenes muy conocidas de su obra.

A partir de esta consigna, los niños se dedicaron a escribir haiku inspirados en sonidos cercanos a su mundo: hojas que crujen, gotas sobre un techo, grillos al anochecer, una rana saltando, una abeja bebiendo néctar, el gallo al amanecer o, quizás, según el Sr. MAEHIGASHI, el ruido de la caída de agua de las cataratas de Iguazú y el sonido de bandoneón, o bien describir como es el cielo noroeste de Jujuy, el ruido de la ciudad llena de vida de Buenos Aires.

Ceremonia en la Residencia del Embajador

Durante la ceremonia se entregaron diplomas y premios aportados por la empresa Pilot, entre ellos crayones lavables, que pueden borrarse con agua, donde representa el espiritu del cuidado del medio ambiente y otros útiles desarrollados con tecnología propia de la marca.

Algunos de los premiados o sus profesores que pudieron asistir leyeron sus haiku en voz alta, transmitiendo con mayor viveza el sentido de sus obras. También se presentaron los trabajos distinguidos junto con los dibujos realizados por sus autores.

El señor Goji explicó que el haiku está relacionado con el eidoku: crear y recitar forman una unidad. En las formas tradicionales de expresión japonesa, no solo importa escribir, sino también decir las palabras en voz alta, con ritmo y entonación, casi como si se cantaran.

Las lecturas permitieron, además, apreciar la personalidad de cada niño y el entorno familiar que acompaña su crecimiento y su sensibilidad, además de la riqueza de la naturaleza de cada región.

Los tres Grandes Premios

Tres obras recibieron el Gran Premio por su manera de transformar sonidos cotidianos en imágenes.

Luca Luccioni, 8 años

Día soleado.

El perrito ladrando,

cerca del río.

日本語訳

晴れた日に

犬が鳴く

川のほとり

English

Sunny day

The dog barking

Near the river

Luca reúne tres elementos cercanos al mundo infantil: un día soleado, un perro y el río. El ladrido introduce sonido y movimiento en una escena sencilla.

Yina Alejandra Espinosa Montañez, 13 años

Gotas tras gotas

cayendo cristalinas,

sobre mi techo.

日本語訳

ポトポトと

雨粒が透明な水晶みたいに

屋根に落ちてる

English

Drops after drops

Falling crystal clear

On my roof

Yina convierte la lluvia en una experiencia cercana mediante las gotas que caen sobre “mi techo”. El haiku recoge un instante cotidiano visto desde el interior del hogar.

Benjamín Atuel Delgadillo, 14 años, Argentina

De salto en salto

de chirrido en chirrido

un saltamontes.

日本語訳

飛んで飛んで

ギーチョンギーチョン

キリギリス

English

From jump to jump

From squeak to squeak

A grasshopper

Benjamín, jujeño, une el movimiento y el sonido al ritmo del insecto. En su dibujo, rodeado de altas montañas, el niño y el saltamontes parecen compartir un pequeño juego. No, en realidad, el ruido le molestaba a la noche, según el autor. Así, captura un mundo natural.

Niños premiados

Además, fueron distinguidos:

• Lisa Biscione Miranda, 8 años
• Dilan Camilo Espinosa Montañez, 9 años
• Haley Taylor Alvarez, 11 años
• María Mercedes Soria, 12 años
• Bianca Elizabeth Orellana Biancheri, 13 años
• Benjamín Almirón, 13 años
• Nehuén Benjamín Cussi, 14 años
• Aldo Jonás Gómez, 14 años
• Julián Munevar Cruz, 14 años
• Adriano Urzagasti, 15 años

Una puerta hacia la cultura japonesa

El haiku es una forma breve nacida en Japón. Tradicionalmente, se compone de 17 unidades sonoras distribuidas en 5, 7 y 5, y suele incluir una referencia estacional llamada kigo.

En otros idiomas, el concurso no exige reproducir esa medida de manera estricta, sino presentar el haiku en tres líneas breves. El español, por la abundancia de sílabas abiertas, permite aproximarse con cierta naturalidad al ritmo japonés.

Más allá de su estructura, el haiku busca captar un instante, una observación o un descubrimiento de la vida cotidiana.

Estas obras no solo acercan a los niños a Japón, sino que también les permiten compartir experiencias de sus propias comunidades con participantes de otros países. Gracias a JAL Foundation, los sonidos y paisajes de la Argentina pueden atravesar fronteras.

La iniciativa nació en Japan Airlines, cuyo emblema, el tsurumaru, representa una grulla japonesa roja sobre el fuselaje blanco de sus aviones y evoca los colores de la bandera japonesa. Se puede asociar con la grulla de origami por la paz, ambas imágenes remiten a la esperanza, la buena fortuna y la posibilidad de superar fronteras.

Felicitamos a todos los niños argentinos, tanto a los premiados como a quienes participaron. A través de sus obras, también ayudaron a los adultos a descubrir nuevas maneras de observar y escuchar el mundo.

Esta iniciativa internacional permitió que los jóvenes argentinos conocieran una parte de la cultura japonesa y, en algunos casos, que viajaran por primera vez a Buenos Aires. Al mismo tiempo, los animó a reconocer y valorar la comunidad en la que viven.

Como la grulla, esperamos que puedan desplegar sus alas: primero, acercándose a Japón a través del haiku y, en un futuro próximo, viajando a Japón o a otros lugares del mundo. Sin perder sus raíces, podrán desenvolverse como parte de una sociedad global construida con esperanza y paz.

Para mayor información https://www.tozai.com.ar/_files/ugd/1bd656_b56cd3da94344709a12e9b7c46116ca8.pdf

Las obras están publicadas en la web de JAL Foundation https://www.jal-foundation.or.jp/haiku-contest/entry/en/

La actriz argentina nikkei, con raíces familiares en Hiroshima, protagoniza un comercial de Bank of America difundido durante la Copa Mundial.

Una pareja mira por televisión un partido de la Copa Mundial. El hombre, que sostiene al bebé en brazos, termina dormido junto al pequeño. La mujer comprueba con ternura que ambos descansan y, con una sonrisa cómplice, toma su teléfono para aprovechar las recompensas de su tarjeta Visa de Bank of America.

La escena forma parte de la campaña “Life’s a Rewarding Moment”, una invitación a valorar esos pequeños instantes cotidianos que pueden convertirse en una recompensa.

En pocos segundos, la protagonista expresa cariño, alivio y sentido del humor. Se trata de Débora Nishimoto, actriz argentina y nikkei de tercera generación, conocida internacionalmente por su participación en la serie Envidiosa, de Netflix.

El éxito internacional de Envidiosa

En la serie, Débora interpreta a Mei, una mujer de origen chino, espontánea, alegre y directa. El personaje, que se expresa en un español limitado, se apoya especialmente en los gestos, los silencios y la expresión corporal, recursos que la actriz maneja con gran naturalidad.

La historia se centra en Vicky, una mujer cercana a los 40 años que, después de una separación, comienza a cuestionar su vida sentimental, sus amistades y las expectativas sociales relacionadas con el matrimonio.

Frente a una protagonista que tiende a complicarlo todo, Mei aporta frescura y una perspectiva diferente. Aunque conserva algunos rasgos vinculados con su origen asiático, no queda reducida a ellos. Débora construyó el personaje mediante el humor, la observación y una mirada muy particular sobre quienes la rodean.

La actriz destacó especialmente que Mei no fuera presentada únicamente como “la mujer asiática” del restaurante. Durante muchos años, los artistas de ascendencia asiática en Argentina recibieron papeles breves o estereotipados como la autora de esta nota suele ser llamada por los productores, por un personaje de medio minuto de apariencia. Mei, en cambio, tiene profesión, familia, vínculos afectivos, conflictos y deseos propios.

El éxito de Envidiosa hizo que Débora comenzara a ser reconocida en las calles y que su trabajo llegara a espectadores de numerosos países.

En Japón, la serie se presenta con el título 『こじらせてるって言わないで！』, leído Kojiraseterutteiwanaide, expresión que puede traducirse como “¡No me digas que estoy complicando más la vida!”. No es una traducción literal de Envidiosa, sino una adaptación que refleja la tendencia de la protagonista a enredar su propia vida sentimental.

Quizás algunos lectores de Brasil y Japón reconozcan ahora, en el comercial del Mundial, a aquella inolvidable Mei.

Una sansei nacida en Buenos Aires

Débora Nishimoto nació en la ciudad de Buenos Aires y creció, entre otros barrios, en Almagro. Sus padres también nacieron en Argentina y eran hijos de inmigrantes japoneses. Por ello, Débora pertenece a la tercera generación nikkei, conocida como sansei.

Su padre fue piloto de aviación y su madre profesora de Física. Aunque su familia no estaba relacionada profesionalmente con el mundo artístico, Débora comenzó a participar en audiciones publicitarias alrededor de los 15 años.

Por parte paterna, sus abuelos son sobrevivientes de la Bomba Atómica de Hiroshima, y viajaron en barco 90 días para llegar a abrir un nuevo horizonte en Argentina.

Como tantas familias japonesas de la posguerra, debieron reconstruir sus vidas en un país distante, con otra lengua y costumbres diferentes. Según una sobreviviente también de Hiroshima “quería ir a un lugar lo más lejos posible”. Se instalaron y administraron una tintorería llamada “Hiroshima”. Además el abuelo, Taro Nishimoto era el presidente de la Asociación Hiroshima en Argentina, que se formó el 23 de junio de 1951, cuando se retomaban de a poco las actividades del “país enemigo” de la Segunda Guerra Mundial.

Durante buena parte del siglo XX, numerosas familias japonesas se dedicaron al rubro de las tintorerías, tanto en Buenos Aires como en Rosario, Santa Fe y otras ciudades argentinas. Era una actividad con una demanda importante y podía desarrollarse sin un dominio avanzado del español. Bastaba con aprender los nombres de las prendas, los precios y las expresiones necesarias para atender a los clientes.

Además, en una sociedad coqueta donde se prestaba mucha atención al cuidado de la vestimenta, el trabajo de las tintorerías era valorado y podía ofrecer una posibilidad concreta de progreso económico.

Los tintoreros japoneses fueron ganándose la confianza de sus clientes mediante un servicio minucioso. No solamente entregaban las prendas cuidadosamente limpias y planchadas, sino que, en muchos casos, también cosían botones sueltos o reparaban pequeños detalles. Si encontraban una billetera dentro de un bolsillo del traje, los devolvían intactos. Esa conducta contribuyó a consolidar una imagen de honestidad, responsabilidad y dedicación asociada con muchos inmigrantes japoneses de aquella época.

En este país pudieron trabajar, formar una familia y brindar educación a sus hijos, quienes se integraron plenamente en la sociedad argentina. La tintorería de los abuelos de Débora no fue una excepción y además, sus abuelos conservaron siempre un profundo agradecimiento hacia Argentina y hacia las personas que los recibieron con generosidad y les ofrecieron la posibilidad de volver a empezar.

El reencuentro con sus raíces

Aunque actualmente habla con orgullo de su ascendencia japonesa, durante la infancia su relación con la identidad nikkei no fue sencilla.

En las escuelas públicas de aquella época había pocos niños de rasgos asiáticos. Débora era llamada con frecuencia “la china”, denominación utilizada durante muchos años en Argentina para referirse, sin distinción, a personas de distintos orígenes de Asia oriental.

Su experiencia no fue excepcional. Muchos niños de origen japonés, chino o coreano debieron crecer enfrentando esa identificación generalizada, que ignoraba las diferencias culturales y familiares.

Como numerosos niños nisei y sansei, Débora deseaba parecerse a sus compañeros y no llamar la atención por su apellido o sus rasgos físicos.

De izquierda a derecha: su madre, Viviana; su padre, Alejandro Nishimoto; Débora, de 15 años;y su hermano, Matías. (Foto: gentileza de la familia Nishimoto)

También asistió durante un tiempo a una escuela japonesa los sábados. Sin embargo, todavía no sentía un interés profundo por el idioma ni por las costumbres familiares y terminó abandonando las clases, como ocurrió con muchos otros hijos y nietos de inmigrantes japoneses.

Fue en la edad adulta, especialmente después del fallecimiento de sus abuelos, cuando comenzó a acercarse nuevamente a Japón. Estudió japonés, se interesó por su literatura, su cine y su música, y realizó nuevos viajes.

En Hiroshima fue recibida cálidamente por familiares a quienes apenas conocía. Aunque era una pariente lejana llegada literalmente desde el otro extremo del mundo, aquella hospitalidad le permitió comprender que la tierra de sus abuelos no era simplemente un lugar distante, sino una parte esencial de su propia historia.

Lo que durante su infancia había intentado ocultar se transformó, con los años, en una fuente de identidad y fortaleza.

Un accidente que cambió su rumbo

Débora estudió traducción y Letras, pero un grave accidente sufrido antes de los 25 años le provocó la pérdida del olfato. La experiencia la acercó a la danza, la cocina y el teatro. En 2016 comenzó a estudiar actuación, actividad que terminó convirtiéndose en su profesión.

“Kaori”, aroma e identidad

Kaori, el nombre japonés que le dieron sus abuelos, significa “aroma”. Tras perder el olfato, transformó esa paradoja en el nombre de su proyecto gastronómico. Para ella, “Débora” y “Kaori” representan sus identidades argentina y japonesa.

En lugar de rechazar esa contradicción, la convirtió en un nuevo comienzo y llamó “Kaori” a su proyecto gastronómico.

Comenzó invitando a amigos a comer en su casa. Más adelante preparó viandas, organizó encuentros y ofreció talleres de cocina. El onigiri, bolita o triángulo de arroz , una comida tradicional de los hogares japoneses, se convirtió en uno de los platos representativos de su propuesta y cuenta con el apoyo total del padre Alejandro Nishimoto.

Una competencia bajo reglas y en paz

El rostro de Débora Nishimoto aparece ahora en una campaña difundida durante uno de los acontecimientos deportivos más observados del mundo.

La Copa Mundial reúne a países diferentes en una competencia intensa, pero sometida a reglas comunes. Hay rivalidad, esfuerzo, ganadores y perdedores, pero la confrontación se desarrolla con una pelota y no con armas. El adversario no debe ser destruido: es un rival cuyo esfuerzo hace posible el partido.

La autora de esta nota, Embajadora de Hiroshima por la Paz, interpretó la difusión de este comercial desde una perspectiva simbólica. No sabemos si Bank of America conocía la historia familiar de Débora al elegirla para la campaña. Sin embargo, resulta significativo que una actriz nikkei, nieta de sobrevivientes de Hiroshima, aparezca en las pantallas de una celebración mundial basada en la competencia pacífica.

Sus abuelos sobrevivieron a la destrucción y reconstruyeron su vida en Argentina. Décadas más tarde, su nieta llegó desde Buenos Aires a Netflix que circula no solamente al Japón sino en forma global para los amantes de las narraciones audiovisuales y, finalmente, a las pantallas deportivas del Mundial.

Tal vez su sonrisa, sin pronunciar ningún discurso, puede entenderse como un pequeño mensaje de supervivencia, continuidad de la vida y paz.

Desde el cielo, su abuelo japonés, que amó tanto Argentina, seguramente estará alentando a la selección argentina y a su nieta Débora, otra representante del país.

“Algún día quiero llevar a Japón a la Copa del Mundo”.

Ese era el sueño de Tsubasa Ōzora en 1981, cuando para la mayoría de los japoneses el Mundial todavía era una realidad lejana, casi propia de un manga. Después, aquellas viñetas pasaron al anime, ganaron movimiento, música y emoción, y llegaron a millones de chicos en distintos países.

Japón debutó en una Copa del Mundo en 1998. Desde 2002 logró llegar varias veces a octavos de final, la instancia de los últimos 16 equipos, pero todavía no pudo avanzar a cuartos de final, donde esperan los ocho mejores. Ese sigue siendo uno de los grandes muros deportivos del Samurai Blue.

En 2026, con un Mundial ampliado, Japón avanzó a la ronda de 32, la instancia previa a los octavos de final. El empate ante Países Bajos, la victoria frente a Túnez y el empate contra Suecia lo llevaron al segundo lugar del Grupo F. Ahora enfrentará a Brasil.

El dato tiene peso deportivo por sí mismo. Brasil no es un rival cualquiera: es una de las grandes referencias históricas del fútbol mundial. Pero para quienes crecieron con Captain Tsubasa, conocido en América Latina como Supercampeones, el cruce tiene también un eco cultural inevitable. En Captain Tsubasa: World Youth, Japón se mide en etapas decisivas con rivales como Suecia, Países Bajos y Brasil.

No se trata de decir que el manga predijo el Mundial. El fútbol real no se escribe con guion. Pero la coincidencia permite mirar este presente desde una memoria compartida. Japón empató con Países Bajos. Luego empató con Suecia. Ahora llega Brasil. Para quienes crecieron con Tsubasa, Wakabayashi, Misaki y Hyūga, la secuencia parece abrir una puerta entre el manga y la cancha.

Un sueño que ya se mueve en la realidad

La historia de Captain Tsubasa nació de un sueño que en los años ochenta parecía lejano: ver a Japón competir en la Copa del Mundo y, algún día, aspirar a ganarla.

Tsubasa Ōzora —cuyo nombre puede leerse casi como “alas en el gran cielo”— repetía dos ideas que quedaron grabadas en generaciones de lectores: “la pelota es mi amiga” y “quiero llevar a Japón al Mundial”. Una frase hablaba del vínculo íntimo con el juego; la otra, de una meta colectiva que entonces sonaba casi imposible.

Hoy ese sueño ya no pertenece sólo al papel. Japón está en el Mundial, compite, avanza y se mide con potencias históricas. Sin embargo, el camino no está terminado. Todavía quedan rivales enormes por superar. Brasil representa precisamente eso: el peso de la tradición, la técnica, la historia y el desafío máximo.

Por eso este partido tiene una carga especial. No es solamente una eliminatoria más. Es una imagen que une décadas de imaginación, trabajo y transformación futbolera.

Shizuoka, el reino del fútbol japonés

Pero el sueño no empezó en cualquier lugar. En la historia, Tsubasa nace en Tokio y se muda a Nankatsu, una ciudad imaginaria de la prefectura de Shizuoka. Allí la pelota parece sonar en todas partes. Hay chicos jugando, escuelas con equipos fuertes, rivales intensos y una cultura futbolera que ya existía antes de que Tsubasa se convirtiera en campeón.

Ese detalle no es menor. Shizuoka ha sido considerada durante décadas una de las grandes tierras del fútbol japonés, casi una “república del fútbol” dentro de Japón. Antes de la J.League, antes de que el fútbol japonés tuviera una liga profesional consolidada, Shizuoka ya ocupaba un lugar importante en la formación de jugadores, equipos escolares y cultura futbolera.

No es casual que Yōichi Takahashi haya ubicado allí la infancia deportiva de Tsubasa. La elección de Shizuoka no solo le dio escenario al manga: también reflejó una realidad del fútbol japonés anterior a la profesionalización.

El actual entrenador de Japón, Hajime Moriyasu, también permite trazar una conexión simbólica con esa geografía. La Federación Japonesa de Fútbol lo presenta oficialmente como ligado a Nagasaki, ciudad donde creció y se formó futbolísticamente. Sin embargo, Moriyasu nació en Kakegawa, Shizuoka, por la tierra natal de su madre. Esa doble pertenencia —nacimiento en una tierra profundamente futbolera y formación en Nagasaki— permite leer su figura como parte de una historia japonesa más amplia, donde el deporte, la memoria, la disciplina y la perseverancia se cruzan.

El fútbol japonés en los años ochenta

En los años ochenta, el fútbol todavía no era el deporte principal en Japón. El béisbol tenía una presencia mucho más fuerte en la vida popular. También estaban el sumo, el voleibol y muchas otras disciplinas.

Japón siempre utilizó el deporte como una forma de educar el cuerpo, fortalecer la mente, aprender orden, respeto y perseverancia. El fútbol fue entrando en ese mapa, primero como disciplina de minorías y luego como sueño colectivo.

Por eso Captain Tsubasa fue importante. No solo mostró partidos. Dibujó una meta. Le dio forma concreta a una posibilidad que todavía no estaba instalada en la mente de la mayoría: que Japón pudiera competir con las grandes potencias del fútbol.

El manga no construyó el fútbol japonés por sí solo. Sería exagerado decirlo. Pero sí ayudó a crear una imagen de futuro. Y a veces, antes de construir una realidad, primero hay que poder imaginarla.

Supercampeones en el mundo hispanohablante

En América Latina, la serie se conoció como Supercampeones. El título en plural no es un detalle menor. No hablaba de un solo campeón ni de un destino individual. Hablaba de muchos chicos que, desde distintos países, imaginaron el fútbol como una forma de crecer, competir y soñar.

Tsubasa nació en Japón, pero el sueño no quedó encerrado en Japón. Viajó a España, Argentina, México, Brasil y a buena parte del mundo futbolero. Muchos chicos latinoamericanos se inspiraron en este manga y anime: Iniesta dijo que si por eso fue a jugar a la tierra nipona. Messi no fue una excepción y cuando era niño en los 90 se sentaba a disfrutar de los enfrentamientos entre Oliver Atom y Steve Hyuga. En realidad, como se tradujo en 50 idiomas, qué niño de hoy en día está fuera de esa influencia.

Por eso Supercampeones no fue solamente el sueño japonés de llegar a la Copa del Mundo. También fue el sueño de todos los chicos que alguna vez patearon una pelota creyendo que el partido más importante todavía estaba por venir.

Pero el crecimiento del fútbol japonés no se explica solo por el manga y el anime. Hubo trabajo, estructura, clubes, entrenadores, dirigentes y jugadores extranjeros que ayudaron en momentos decisivos.

Antes de la liga profesional: Fernando Moner y los puentes con Argentina

Uno de esos casos fue Fernando Moner. Su trayectoria es importante porque llegó a Japón antes de la consolidación de la liga profesional.

Moner, nacido en Mercedes, provincia de Buenos Aires, jugó en San Lorenzo y luego pasó al fútbol japonés cuando todavía existían los antiguos clubes de empresa. Entre 1988 y 1991 jugó en All Nippon Airways, equipo ligado a la compañía aérea ANA. Más tarde pasó por Atlético Madrid y regresó a Japón en 1993, cuando su antiguo club ya competía como Yokohama Flügels, uno de los equipos fundadores de la J.League.

Moner fue parte de esa transición. Conoció el fútbol japonés antes y después de la profesionalización. No llegó a una liga ya consolidada. Llegó a un fútbol que estaba armando sus bases.

En Yokohama Flügels ganó la Copa del Emperador de 1993 y también se hizo conocido fuera de la cancha. Aprendió el idioma, se adaptó al país y más tarde trabajó como puente entre Argentina y Japón, incluso desde el periodismo y la televisión.

Años después, al observar un entrenamiento de la selección japonesa Sub-20 en el predio de la AFA, antes de un amistoso en 2017, Moner resumió una idea que hoy vuelve a tener fuerza. El fútbol, decía, tiene que nacer del corazón. En el mundo todos pueden trabajar la técnica y la táctica, pero en los momentos críticos siempre aparece algo más profundo.

Los japoneses siempre fueron buenos técnicamente, pero durante mucho tiempo les costó trasladar esa capacidad a situaciones distintas, frente a rivales físicamente superiores o más acostumbrados a la presión internacional. Con persistencia, podían superarlo.

“El fútbol es divertido. Tienen que divertirse desde el corazón”, señaló entonces.

Nueve años después, esa frase parece menos una opinión y más una advertencia cumplida.

Los brasileños que hicieron de Japón su país futbolero

También hubo futbolistas nacidos en Brasil que hicieron de Japón su país futbolero.

Ruy Ramos llegó desde Brasil, jugó en Yomiuri, se naturalizó japonés y fue parte de la selección japonesa. George Yonashiro, de origen japonés, y Wagner Lopes, también naturalizado japonés, forman parte de esa historia de los años ochenta y noventa.

Ellos fueron más que refuerzos. Fueron puentes. Aportaron técnica, experiencia y una relación distinta con la pelota.

Japón ya tenía disciplina, entrenamiento y sentido colectivo. Con el tiempo fue sumando lectura de juego, confianza, creatividad y resolución en situaciones de presión. Ese proceso no ocurrió de un día para otro. Fue una construcción larga, a veces silenciosa, como tantas cosas japonesas: primero se pule la base, después se muestra el resultado.

El nacimiento de la J.League en 1993

La creación de la J.League en 1993 fue otro paso central. La liga profesional permitió ordenar el crecimiento, ampliar la base regional y formar jugadores con una competencia más exigente.

En esa etapa también tuvieron un papel importante varias figuras extranjeras. Zico, en Kashima Antlers, fue una presencia decisiva. No solo por su calidad como jugador, sino por lo que transmitió como referencia. En la primera temporada de la J.League marcó el primer hat-trick de la historia de la liga. Años más tarde, entre 2002 y 2006, fue entrenador de la selección japonesa.

Su aporte dejó una idea clara: Japón debía aprender a compensar diferencias físicas, trabajar mejor la preparación del cuerpo y desarrollar una toma de decisiones más estable, serena y equilibrada.

El argentino Ramón Díaz, en Yokohama Marinos, también dejó una marca fuerte. Venía del país de Maradona y mostró en Japón otra forma de entender el área, el gol y la picardía ofensiva. Fue goleador de la primera temporada de la J.League en 1993. Para los japoneses, ver de cerca a jugadores de esa jerarquía no fue solamente un espectáculo. Fue una escuela.

Esa escuela ayudó a construir el salto posterior: los jugadores japoneses en el mundo.

Los jugadores japoneses en el mundo

Ese salto es una de las grandes diferencias entre el Japón de Tsubasa, nacido hace ya más de cuatro décadas, y el Japón actual.

Hoy muchos futbolistas japoneses compiten en Europa. Hay japoneses en Inglaterra, Alemania, Italia, España, Francia, Bélgica, Países Bajos y otros mercados. Antes, enfrentar a rivales europeos era una experiencia excepcional. Hoy, varios futbolistas japoneses viven ese ritmo cada semana.

El caso de Kazu Miura ayuda a entender el cambio. Siendo adolescente viajó solo a Brasil para hacerse futbolista. En una época en que salir al exterior era mucho más difícil, Kazu cruzó el mapa antes de que el fútbol japonés tuviera el desarrollo actual. Su carrera abrió una puerta.

Años después, Naohiro Takahara llegó a Boca Juniors. Fue en 2001. Su paso fue breve, pero tuvo valor simbólico: un delantero japonés con la camiseta de Boca no era algo habitual. Desde entonces han pasado casi 25 años. Esa distancia muestra cuánto cambió el fútbol japonés en una generación.

Hoy, los jugadores japoneses en el exterior ya no son rarezas. Son parte del paisaje del fútbol internacional. Y esa normalidad es, en sí misma, una victoria cultural.

La hinchada japonesa de hoy

También cambió la hinchada japonesa.

Los chicos japoneses que miraban Supercampeones en los años ochenta y noventa hoy son adultos. Algunos se hicieron jugadores. Otros se hicieron entrenadores, periodistas, dirigentes o hinchas. Otros son asalariados, emprendedores, profesionales de distintas áreas. No se quedaron solo en Japón y algunos viven allí en las ciudades donde se disputan los partidos del mundial. Algunos incluso ya tienen nietos y están por jubilarse ó ya jubilados.

Por eso muchos viajan solos, con amigos o con sus familias para seguir a Japón en un Mundial. Ese también es un cambio cultural.

La tecnología redujo la distancia. Viajar es más fácil, comparar precios es más sencillo y la información está al alcance de la mano. Muchos hinchas japoneses organizan sus estadías con precisión: alquilan casas, coordinan autos, calculan traslados y buscan hacer el viaje más llevadero y económico. La pasión también se planifica; en eso Japón sigue siendo Japón.

Hoy un chico japonés puede ver partidos europeos en tiempo real, seguir a sus ídolos por redes sociales, jugar simuladores y analizar datos. Para Tsubasa, Wakabayashi y Misaki, ese mundo habría parecido un viaje al futuro: realidad aumentada, transmisiones instantáneas, experiencias virtuales. Casi como abrir la puerta mágica de Doraemon y aparecer en una cancha de Europa o en un estadio mundialista.

El mapa físico sigue existiendo, pero la información lo atraviesa. Japón ya no mira el fútbol mundial desde lejos. Lo ve, lo estudia, lo juega y lo comparte todos los días. Las redes sociales ayudan a organizar encuentros colectivos para ver los partidos, tanto en empresas como en escuelas y universidades.

El fútbol ocupa hoy un espacio social que en los años ochenta era mucho más pequeño.

Los cambios de la sociedad japonesa y el nuevo cuerpo futbolero

Tampoco se puede eludir el cambio drástico que vivió la sociedad japonesa en estas décadas.

La alimentación incorporó más carne que en generaciones anteriores. En comparación con los años ochenta, el consumo de proteínas animales creció doble, acompañado por la liberalización de importaciones, la expansión de cadenas de gyūdon, hamburgueserías y locales de pollo frito. El cuerpo social japonés también cambió.

La vivienda se volvió más occidental en muchos hogares, con menos predominio del tatami, menos costumbre de sentarse arrodillados y más presencia de sillas, camas y pisos de madera. Aun así, no se abandonaron costumbres centrales, como entrar a la casa descalzo o con pantuflas.

No se puede explicar el fútbol japonés solo por estos cambios. Pero sí se puede decir que el país que transformó su fútbol también atravesó cambios en sus hábitos, en su cuerpo social y en su relación con el exterior.

El fútbol creció en un Japón que también se estaba transformando.

En ese proceso, el fútbol ganó espacio en el mapa mental japonés. El béisbol sigue siendo fuerte. El sumo mantiene su lugar histórico y sigue formando parte de la cultura. Pero el fútbol ya no es una curiosidad. Tiene idioma propio, memoria propia y una presencia clara en la vida japonesa.

“Vamos, Nippon”: un idioma futbolero propio

Ese idioma futbolero también recibió influencias externas.

En las tribunas aparece el “Vamos, Nippon”, una mezcla directa entre el nombre japonés del país y una palabra central del fútbol argentino y latinoamericano. Japón no copió una cultura futbolera. La adaptó. Tomó elementos de Sudamérica, de Europa y de su propia tradición para construir una identidad.

Las expresiones siguen siendo en japonés, pero los gestos para festejar un gol, agradecer a la tribuna o celebrar colectivamente ya forman parte de una cultura futbolera propia.

Japón se hizo conocido en el mundo por sus hinchas que limpian la tribuna después de los partidos. Ese gesto es valioso, pero sería injusto reducir su presencia mundialista a eso. Japón ya no está en el Mundial solo para dejar una imagen simpática de educación y orden.

Está para competir.

Por eso el partido contra Brasil no es solo una ronda de 32. Es una imagen histórica. Brasil fue maestro, modelo y rival imaginado. En el manga, Brasil representaba el horizonte. Y ese sueño dibujado se hace realidad: Brasil es ahora el próximo obstáculo en el camino de Japón en el Mundial 2026.

El desafío es enorme. Brasil tiene una tradición futbolera inmensa, una relación natural con la pelota y una historia mundialista que pesa incluso antes de que empiece el partido. Pero justamente por eso el cruce tiene valor.

Japón ya no llega como visitante tímido al gran escenario. Llega con una generación formada, con jugadores acostumbrados a competir en Europa, con una liga nacional consolidada y con una memoria cultural que empuja desde atrás.

Hubo una época en la que, si alguien decía “Japón puede llegar al Mundial”, la respuesta inmediata era: “Imposible”. Bastaba mencionarlo para que sonara a fantasía de manga.

Por eso resulta notable que hoy la pregunta sea otra: “¿Puede Japón ganarle a Brasil en un Mundial?”.

Que esa discusión exista en serio ya muestra cuánto cambió la historia.

¿Dónde estaría Tsubasa hoy?

¿Dónde estaría Tsubasa hoy si hubiera crecido junto con sus lectores?

Quizá no estaría solo corriendo detrás de la pelota ni dirigiendo un equipo. Tal vez estaría pensando en el futuro del fútbol japonés desde la JFA. O, quién sabe, algún día desde la FIFA, defendiendo la idea de que la pelota puede unir países, generaciones y culturas, superando diferencias en nombre de la amistad, la competencia limpia y la paz.

Suena a manga, sí. Pero muchas cosas que hoy son reales empezaron sonando así, dibujadas a mano.

El sueño no quedó en el papel.

El empate ante Suecia, la clasificación y el cruce con Brasil vuelven a unir el Mundial real con el recuerdo juvenil de Supercampeones. El manga pasó al anime, las viñetas cobraron movimiento y millones de chicos aprendieron que una pelota podía ser mucho más que una pelota.

No porque la historia haya mostrado el resultado, sino porque ayudó a imaginar una dirección.

Esa tal vez sea la enseñanza más fuerte de Tsubasa: los sueños grandes no llegan de golpe. Primero se dibujan. Después se entrenan. Luego se organizan. Y si una generación no alcanza la meta, la siguiente sigue corriendo.

Japón sigue detrás de esa pelota.

Y la pelota, como decía Tsubasa, sigue siendo una amiga.

Vamos, Nippon.
Gambare, Nippon.
Y gambare también para todos los Supercampeones.

Del empate ante Países Bajos al golpe ante Túnez

Japón llegaba con confianza después del empate 2-2 ante Países Bajos, disputado el 14 de junio. Frente a un rival de gran jerarquía, casi un muro alto neerlandés, el Samurai Blue había logrado levantarse dos veces y sumar un punto valioso. El partido ante Túnez servía para confirmar que aquel resultado no había sido casualidad.

Y Japón lo confirmó con autoridad.

Daichi Kamada abrió el marcador en los primeros minutos. Luego, Ayase Ueda convirtió dos goles y Junya Ito completó la goleada. Sin Takefusa Kubo, su número 10, Japón mostró que su fuerza no depende de una sola figura, sino de un grupo sólido y bien afianzado.

Kubo había sufrido un pequeño esguince en la rodilla izquierda durante el partido ante Países Bajos y permaneció en Estados Unidos para continuar su rehabilitación, sin viajar a Monterrey.

Moriyasu ya conocía a Renard

En la previa también había un dato táctico importante. Túnez llegaba con nuevo director técnico: el francés Hervé Renard. Moriyasu ya lo conocía por haberlo enfrentado cuando Renard dirigía a Arabia Saudita en las eliminatorias rumbo a Qatar.

Ese antecedente ayudaba a entender el planteo japonés. Japón debía estar preparado para un rival físico, intenso y con necesidad de ganar. Pero el Samurai Blue leyó bien el partido, defendió con orden y golpeó con precisión.

También llamó la atención, como suele ocurrir, la imagen de Moriyasu tomando apuntes durante el encuentro. En redes, algunos lo compararon con Death Note, como si cada anotación escondiera una lectura táctica del rival. Más allá del humor, Japón mostró planificación y paciencia.

Una hinchada que cruzó lluvia, frontera e idiomas

La historia japonesa en Monterrey no estuvo solo en la cancha. En X circularon testimonios, fotos y videos de hinchas japoneses que relataron las dificultades para llegar desde Dallas, donde Japón había jugado su primer partido.

Algunos organizaron el viaje entre amigos, alquilaron casas y autos para compartir gastos. Otros, según esas publicaciones, sufrieron vuelos suspendidos por el clima. Algunos llegaron en micro, cruzando la frontera entre Estados Unidos y México, en trayectos de casi 15 horas. Otros volaron la misma mañana del partido. La lluvia, los truenos y las complicaciones en Monterrey hicieron aún más difícil la llegada.

Aun así, muchos estuvieron presentes y llenaron de camisetas japonesas las calles de la ciudad mexicana.

México también alentó a Japón

La fiesta no fue solamente japonesa. Muchos mexicanos acompañaron al Samurai Blue y terminaron formando parte de la hinchada. También los voluntarios mexicanos se sumaron al festejo por el gran triunfo de Japón.

Comenta Betty, una mexicana de Monterrey:

“Como soy amante de la cultura japonesa, disfruté mucho el partido y la convivencia de los japoneses. Me impresionó ver a la porra de Japón alentando al equipo. Yo me senté debajo de ellos y toda la banda alentaron al equipo sin parar. Me gustó ver que la pasión del fútbol también se vive en Japón!!!”

El estadio en el que jugó Japón es el de Rayados, el Club de Fútbol Monterrey. Betty y su papá son hinchas de Rayados. Asegura que la mayoría de los espectadores de los rayados y los mexicanos de otros estados apoyaba a Japón y que la vibra se sintió maravillosa.

Betty, gran amiga de los japoneses, que aprende japonés desde hace un par de años, también pudo entablar algunas conversaciones con ellos. Además, contó:

“La gente mexicana que no tenía una playera del equipo de Japón y que quería apoyar a la selección japonesa, usaba algo relacionado a Japón. Algunos iban vestidos de Mario bros, otros llevaban a Pikachu, otros llevaban camisas de animé.”

Y concluyó:

“Estuvo muy divertido”

El fútbol como idioma compartido

En la previa y en el estadio se escucharon cantos de aliento, festejos con ritmo futbolero argentino y gestos que en redes muchos asociaron con celebraciones propias de los jugadores y la hinchada argentina.

El grito era japonés, pero algunos movimientos y formas de celebrar parecían salidos de una tribuna sudamericana. Algunos decían haber aprendido esos cantos de hinchas argentinos que viajaron a Japón. Otros, de japoneses que alguna vez pasaron por Argentina. De cualquier forma, la imagen fue clara: el Mundial volvió a demostrar que el fútbol también es un idioma compartido.

Un sol japonés con camiseta azul

La goleada tuvo además un marco histórico: Túnez-Japón fue el partido número 1000 en la historia de los Mundiales. Y para Japón, la fiesta terminó de la mejor manera: con cuatro goles, una actuación colectiva sólida y una hinchada emocionada.

Después de la lluvia, siempre sale el sol. En medio de la tormenta y las inundaciones que afectaron a Monterrey, terminó saliendo el sol: un sol japonés con camiseta azul.

Después de empatar ante el muro neerlandés y golear a Túnez con autoridad, el Samurai Blue dejó claro que no llegó al Mundial para mirar de lejos. Llegó para competir.

Como había dicho Moriyasu en la conferencia de prensa previa, Japón quería luchar junto a sus hinchas y junto a los amigos de Japón en todo el mundo : 共闘 kyotou El entrenador había señalado que el equipo lleva ese apoyo en el corazón cada vez que sale a la cancha y que ganar en un Mundial nunca es fácil.

Pero esta vez Japón golpeó con firmeza, defendió con orden, atacó con velocidad y dejó claro que su katana sigue afilada.

¡Vamos, Japón!  Gambare Nippon! 

P.D. Próximo partido: Japón vs. Suecia, el 25 de junio a las 20:00, hora argentina. 

Vestida de blanco, con una presencia serena y firme, la violinista japonesa Akiko Suwanai apareció sobre el escenario del Teatro Colón como si una grulla hubiera descendido silenciosamente en pleno corazón de Buenos Aires. La imagen no era exagerada: había en su figura una mezcla de elegancia, concentración y dignidad que parecía condensar, en un solo gesto, la memoria de 140 años de historia japonesa en la Argentina.

El pasado 5 de junio, a las 17 horas, se realizó en el Teatro Colón el Concierto conmemorativo de la amistad entre Argentina y Japón, en homenaje a los 140 años del inicio de la inmigración japonesa a la Argentina. La presentación contó con la participación de la reconocida violinista Akiko Suwanai y del pianista nikkei canadiense Ryo Yanagitani, con el auspicio de la Embajada del Japón en la Argentina, la Universidad de Tokio y TAO Productions.

La sala reunió a miembros de la colectividad japonesa y nikkei, representantes institucionales, amigos de Japón y numerosos argentinos amantes de la música. También se vivió una escena muy propia de Buenos Aires: los reencuentros no se celebraban tanto con reverencias, sino con abrazos. Esa mezcla de respeto japonés y calidez argentina dio al concierto un clima especial, íntimo y a la vez solemne.

La ocasión tenía un profundo significado histórico. Se considera que el primer japonés establecido en la Argentina fue Kinzō Makino, oriundo de la península de Miura, en Kanagawa, quien llegó a Buenos Aires en 1886 a bordo de un barco británico y luego se radicó en Córdoba. Allí formó una familia con una mujer argentina y terminó sus días en esta tierra. En 2026 se cumplen 140 años de aquella llegada, considerada el punto de partida de la presencia japonesa en el país.

Años después, en 1900, Yoshio Shinya, de Karatsu, prefectura de Saga, llegó a la Argentina a bordo de la fragata escuela Sarmiento y es recordado como uno de los primeros inmigrantes japoneses formales. Sobre esa memoria de pioneros, viajes, arraigo y construcción comunitaria se levantó el concierto del Colón.

El programa propuso un recorrido intenso y compacto por distintos mundos musicales: la Sonata para violín y piano n.º 3 en Mi bemol mayor, op. 12 n.º 3, de Ludwig van Beethoven; la Sonata para violín y piano en la mayor, de César Franck; y la Introducción y Tarantella, op. 43, de Pablo de Sarasate. De la claridad clásica al romanticismo tardío, y de allí al virtuosismo de raíz española, el repertorio ofreció un verdadero viaje por paisajes sonoros diversos.

Akiko Suwanai, ganadora en 1990 del Concurso Internacional Chaikovski y reconocida por haber sido la vencedora más joven en la historia de ese certamen, no necesitó apoyarse en su prestigio. Su interpretación habló por sí misma. Cada frase revelaba disciplina, profundidad y una presencia artística capaz de cruzar fronteras.

Algunos asistentes la describieron como “virtuosa y prolija”, una expresión sencilla pero precisa: virtuosismo sin exceso, técnica sin ostentación, elegancia sin frialdad. Al finalizar cada obra, Suwanai levantaba el arco con firmeza. El gesto parecía señalar el cierre de la pieza, pero también algo más: una afirmación silenciosa, una manera de decir que aquella música, interpretada tan lejos de Japón, también pertenecía a esta historia compartida entre dos países.

El público respondió con entusiasmo. El diario Clarín señaló con cierta ironía que muchos asistentes no parecían habituados a los códigos tradicionales de la música clásica, ya que los aplausos surgían incluso entre movimientos. Sin embargo, más que desconocimiento, esos aplausos expresaban emoción, cercanía y gratitud. En una sala como el Colón, a una hora poco habitual para un concierto, esa respuesta espontánea fue también parte del encanto de la tarde.

El bis fue Schön Rosmarin, de Fritz Kreisler, una pieza breve, luminosa y refinada que cerró la presentación con delicadeza. Antes de interpretarla, Ryo Yanagitani dirigió unas palabras en español al público y expresó su honor por tocar en uno de los teatros más importantes del mundo. La sala respondió con un aplauso cargado de afecto y respeto.

Terminada la función, los comentarios continuaron en los pasillos. La señora Goya, cuyo hijo Ignacio ingresó recientemente como fagotista en la orquesta, destacó la calidad técnica de la interpretación. También expresó que la música lo había transportado, como en un viaje por la historia, hacia recuerdos de una infancia situada en los años cuarenta. La música, una vez más, no solo cruzaba fronteras: también atravesaba el tiempo.

La actuación de Ryo Yanagitani también despertó comentarios. Para algunos, el piano pudo parecer discreto frente al protagonismo del violín. Sin embargo, Celia Sekiguchi, vinculada al canto coral, observó con acierto que Yanagitani “nunca sobresalió, sino que acompañaba”. Su presencia no fue débil, sino profundamente atenta. Con una mirada intensa, siguió cada respiración de Suwanai y sostuvo la arquitectura musical con precisión.

La cantante de ópera María Savastano, también con trayectoria en Japón, agregó que esa integración era posible porque el acompañamiento resultaba “muy prolijo y sin fisuras”. No se trataba de competir, sino de construir juntos. En efecto, la belleza del concierto estuvo en esa confianza: el violín y el piano no corrían uno contra el otro, sino que avanzaban en una misma dirección.

En varios momentos, el violín parecía multiplicarse: a veces sonaba con la fuerza de un instrumento de percusión, otras con la claridad de un teclado, y otras con una voz casi humana. “Cada instrumento cantaba solo”, comentó alguien al salir. La frase resume bien la experiencia: cada instrumento tenía voz propia, pero ambos formaban parte de una misma conversación.

Para Suwanai, esta fue su tercera presentación en el Teatro Colón. Ya había actuado allí hace dos décadas junto a la Filarmónica del teatro, pero esta fue su primera vez en formato de recital con piano en esa sala. Para Yanagitani, en cambio, fue su primera visita a Buenos Aires. Canadiense de origen nikkei y radicado en Washington, que tiene amigos argentinos y que siente cercanía con el país. Esos vínculos personales también dieron al encuentro una dimensión humana más amplia.

El 5 de junio, la grulla que descendió sobre el Teatro Colón dejó una huella de música, memoria y encuentro, superando las diferencias culturales e idiomáticas. A 140 años del primer arribo japonés a la Argentina, este concierto volvió a unir lo que la historia había comenzado a trazar.

Felicitamos a Akiko Suwanai, Ryo Yanagitani, las instituciones organizadoras y auspiciantes, y a todas las personas que hicieron posible esta velada. También recordamos que la historia de la colectividad japonesa en la Argentina fue construida por muchas personas, conocidas y desconocidas, que con esfuerzo, sensibilidad y gratitud tendieron puentes entre Japón y la Argentina.

Fotos:  Juanjo Bruzza (Prensa Teatro Colón), Tomoko Aikawa

La sala se llenó de fans, aplausos, emoción y muchas umamusume —o “señoritas caballitas”, para decirlo con cariño— reunidas para vivir una experiencia que fue mucho más que ver una película. En 2026, año del Caballo de Fuego en el horóscopo oriental, la llegada de esta historia a los cines pareció tener una coincidencia perfecta. Casualidad o destino, las carreras llegaron en el momento justo.

La película, que se estrena en Latinoamérica el 14 de mayo, tuvo una previa cargada de entusiasmo. No era simplemente “vamos al cine”. Era más bien: vamos a alentar, sufrir, emocionarnos y celebrar cada carrera como si estuviéramos en la recta final de un Gran Premio.

Hubo aplausos durante las escenas más intensas, comentarios cómplices entre fans, reencuentros de chicas que no se veían desde la sesión del Hipódromo o desde la última JJ, y una presencia notable de cosplayers que llevaron fuera de la pantalla a las queridas chicas-caballo.

Porque en el mundo de Umamusume, correr no es solo correr. Es entrenar, caerse, levantarse, competir, cantar y perseguir un sueño con la determinación de quien no piensa aflojar ni en la última curva.

La historia sigue a Jungle Pocket, una joven umamusume que entrena para convertirse en la mejor corredora y competir en la exigente serie Classic Triple Crown, tres carreras que solo pueden disputarse una vez en la vida. Pero el camino no será sencillo: frente a ella aparecen rivales de enorme talento como Agnes Tachyon, una figura casi imposible de vencer, además de Manhattan Cafe y Dantsu Flame, cada una con su propia ambición, estilo y fuerza emocional.

Lo interesante es que varios de esos personajes también estaban presentes entre el público, gracias a las fans disfrazadas con orejas, colas, uniformes y detalles muy cuidados. El resultado fue una mezcla perfecta entre cine, evento otaku, encuentro de comunidad y pequeña fiesta ecuestre-pop.

Japón inventó muchas cosas raras y maravillosas; esta vez nos regaló chicas-caballo que hacen llorar al público en una sala de cine. Y funciona.

La franquicia UMAMUSUME: PRETTY DERBY, nacida del exitoso videojuego de Cygames, combina carreras de alta velocidad, estética idol, entrenamiento deportivo, rivalidades intensas y conciertos después de la victoria. Es una fórmula que, explicada en frío, puede sonar imposible; pero basta verla en pantalla para entender por qué genera tanta pasión.

La película se destaca por sus secuencias de carrera espectaculares, una animación de alto nivel y un ritmo emocional que conecta tanto con quienes ya conocen la saga como con quienes se acercan por primera vez. Algunos fans llegaron preparados: habían jugado al videojuego o seguido las series anteriores. Eso se notaba en la sala, donde cada aparición, cada gesto y cada carrera eran recibidos con emoción.

Ver a Pocket correr en pantalla grande es otra cosa. Se siente la velocidad, se vive la tensión y se comparte la experiencia con una comunidad que no mira en silencio: acompaña, alienta y celebra.

En resumen: 10/10. No la pierdan. Y quién sabe: tal vez también encuentren a una umamusume sentada al lado de su butaca.

Quien escribe ha asistido a varias avant-premières, pero esta tuvo algo único. Además de la energía fan, hubo un detalle especialmente lindo: algunas chicas se emocionaron al conocer a una “japonesa de verdad” por primera vez y contaron que estudiaban japonés y desean ir a Japón para aprender el diseño de indumentaria. Muchas incluso cantaban en japonés con muy buena dicción y mucho sentimiento.

Fue una muestra preciosa de cómo el anime también crea puentes culturales. A veces, una película no sólo reúne espectadores: también abre conversaciones, despierta vocaciones y une mundos que parecían lejanos.
La hayas visto antes o sea tu primer contacto con este universo, UMAMUSUME: PRETTY DERBY – The Beginning of a New Era es una experiencia totalmente recomendable.

Nunca tantas umas reunidas en un cine tuvieron tanto sentido.

Ficha técnica
Título: UMAMUSUME: PRETTY DERBY – The Beginning of a New Era
Título original: Umamusume Puritî Dâbî: Shinjidai no Tobira
País: Japón
Género: Anime / deporte / drama
Duración: 107 minutos
Dirección: Ken Yamamoto
Voces: Yuri Fujimoto como Jungle Pocket; Sumire Uesaka como Agnes Tachyon
Versión: Subtitulada al español
Estreno en Latinoamérica: 14 de mayo
Preventa: Disponible
youtube.com/watch?v=MKfgE-Z8ddQ&feature=youtu.be

La energía de la sala también quedó registrada en varios videos y fotos compartidos por los fans.
https://www.instagram.com/p/DYPx0hExwe4/?hl=es
https://www.instagram.com/p/DYPuccnuxQ9/
https://www.instagram.com/p/DYO7mLFSeP_/
https://www.instagram.com/p/DYPKaxLuUtq/?hl=es

La sensación es inmediata: esto ya lo vi. Y sí, es un claro homenaje a Rear Window de Alfred Hitchcock. Pero si aquel era un thriller sobre mirar para descubrir un crimen, aquí la mirada se dirige hacia otro misterio más íntimo:
¿quiénes somos cuando cumplimos un rol?

Esta no es una película de “quién lo hizo”. Tampoco es un viaje turístico por Japón. Es, más bien, una película sobre un viaje de búsqueda personal.

El marco como destino: vivir dentro de un rol

Ese plano de las ventanas vuelve una y otra vez. Cada personaje ocupa un marco y desempeña algo: madre, hijo, padre, empleado, actor, anciano, extranjero. Incluso quien vive solo está cumpliendo un papel.

La pregunta incómoda aparece pronto:
¿esos roles son auténticos o simples interpretaciones?
¿Somos lo que hacemos… o apenas personajes bien entrenados?

La clave llega con un inesperado flashback visual: el Chōjū-jinbutsu-giga, los célebres rollos ilustrados del Japón entre el siglo 12 y 13, donde animales caricaturizados como humanos representan distintas castas sociales. Una sátira sin palabras, cargada de verdad, y que muchos consideran uno de los orígenes del manga.

El mensaje es claro: desde hace siglos, Japón reflexiona sobre la vida como representación, sobre el delicado equilibrio entre convivir, cumplir funciones y, aun así, seguir siendo uno mismo.

Japón cotidiano, no sólo postal

Aunque la acción transcurre en Tokio, Rental Family evita el Japón de folleto turístico. Sí, aparecen el neón de Shinjuku y el cruce de Shibuya visto desde el cielo. Pero también vemos barrios comunes junto a la línea Odakyū o la JR, estaciones casi vacías en Nagasaki entre Isahaya y Amakusa, paisajes silenciosos de Amakusa y Shimabara, y casas con luces de cuerdita, de esas que todavía existen.

La película recorre además rituales profundamente japoneses, como bodas y funerales, donde la forma y el gesto —como marco ritual— ordenan la vida más que la expresión individual. En contraste, aparecen escenas de celebración y juego: desde las instalaciones inmersivas de teamLab hasta el Festival del Bakeneko de Kagurazaka.

Entre rito y fiesta, Rental Family muestra la amplitud y complejidad de la experiencia japonesa sin necesidad de explicar: basta con mirarla.
La cámara no busca lo “exótico”, sino lo vivido. Japón como espacio humano, no como escenario.

Ritos, umbrales y puertas

La película avanza también a través de puertas, entendidas como marcos simbólicos:
la puerta de una casa, la entrada a una escuela (el temido ojuken), el umbral de una boda, el templo en un funeral, y finalmente… el torii de un santuario Jinja.

El anciano actor Kikuo, interpretado por Akira Emoto, conduce al protagonista hasta ese límite. Cuando Philip pregunta qué hay más allá, la respuesta no es una explicación, sino una invitación amable:

Waruikoto wa iwanaikara (traducción literaria: No te voy a decirle nada malo)—“Confíe en mí”.

No es una orden. Es una forma profundamente japonesa de recomendar algo sin imponerlo. El subtítulo en español acierta de lleno. Cruzar el torii, dar palmadas para anunciar la presencia de uno ante unos ocho millones de dioses japoneses, que tal vez está en una roca gigante, un árbol milenario, o en el aire, quizás, rezar y mirar hacia adentro. No hay una revelación espectacular; hay descubrimiento.

Un extranjero que cree entender… pero no del todo

Philip, interpretado por Brendan Fraser, es un actor estadounidense que lleva siete años viviendo en Japón. Habla japonés, trabaja, se mueve con naturalidad. Y aun así, algo se le escapa.

Tada, el dueño de la empresa de rental family, alquiler de personas, interpretado por Takehiro Hira, se lo dice sin rodeos:
“Aunque vivas cien años acá, hay cosas que no vas a entender”.

Philip es contratado para interpretar a un padre, un novio, un periodista, un amigo para jugar videojuegos. Claro, es actor. Pero poco a poco su propio perfil se diluye: el rol se come a la persona. Cumple un rol dentro de otro rol.
Y, paradójicamente, es dentro de ese sistema tan rígido donde empieza a percibir la humanidad más profunda de quienes lo rodean.

Todos actuamos : y eso no es algo malo

La película no acusa a Japón de frialdad, aunque el negocio de “alquilar personas” pueda parecerlo. Al contrario: muestra una sociedad que también sufre profundamente la soledad.

Muchos eligen no salir del marco, pero lo habitan con compromiso y responsabilidad. Ser correcto, cumplir, hacer bien el papel asignado.
Eso también es una forma de ética y disciplina, y se encarna de manera sutil en Mia, la “hija” de Philip, interpretada por Shannon Mahina Gorman, una actriz que, al igual que su personaje, es hija de padre irlandés y madre japonesa. En ese contexto, la rental family deja de ser algo “raro” para convertirse en un espejo:
todos necesitamos ser necesarios para alguien,
aunque sea por contrato,
aunque sea por un rato.

Cerezos y el comienzo de algo nuevo

El clímax no llega con una gran confesión, sino con algo más japonés: los cerezos en flor. Cuando el sakura estalla, también lo hace la posibilidad de un vínculo que excede los marcos. ¿Es algo tan efímero como la floración, o se renueva con el paso del tiempo? Allí comienza un intercambio genuino, sin guión previo.

Una mirada visual y musical exquisita

La fotografía de Takuro Ishizaka —conocido por Sakuran y la saga Rurouni Kenshin— apuesta por encuadres cuadrados, casi obsesivos. Ventanas, marcos, puertas. Japón es visto como una sucesión de rectángulos que ordenan la vida. La música suma otra capa emocional: Jónsi, de Sigur Rós (Islandia), junto a Alex Somers (Estados Unidos), firman su primera banda sonora cinematográfica conjunta, bajo la dirección de HIKARI. Nacida en Osaka, formada y radicada profesionalmente en Estados Unidos, HIKARI encarna plenamente esa identidad japonesa transnacional que atraviesa la película, coescrita junto a Stephen Blahut. (Puede ver una obra 37 segundos en Netflix)

Para cerrar

Si amás Japón —o si creés que lo conocés— esta película te va a mostrar todo lo que todavía no sabías y espero esta nota ayude para describir más. 

Rental Family no explica Japón.
Lo muestra.  No lo juzga. Lo deja ser.

Y en ese gesto, invita a los espectadores —japonólogos, viajeros a Japón, estudiantes de japonés, nikkei o simplemente curiosos — a mirarse también a sí mismo.  Porque, al final, todos vivimos dentro de algún marco.
La diferencia está en si somos conscientes de ello… y qué hacemos con eso.

Estreno en Japón: febrero de 2026
Estreno América Latina : enero de 2026

Una película para ver con calma y dejar que haga su trabajo. Como Japón mismo.

Imágenes: Film Affiny y A Sala Llena

Es un gran anime, muy fresco, pero no es solo una película: La cuestión de la competencia no es ganar o perder, sino…

#100M arrancó en los cines argentinos el 11 de diciembre.

Una historia que corre más allá de la pantalla

100 metros es, más que una historia, un vistazo fugaz a una vida que parece continuar incluso fuera de la pantalla, pero que aun así logra interpelar a cualquier espectador. Conocemos a los personajes únicamente a través de su relación con las carreras, aunque todo lo que atraviesan podría aplicarse sin esfuerzo a la vida cotidiana: sentir que tu valor depende de tus capacidades, aprender a convivir con la ansiedad o enfrentar sin garantías la posibilidad de fallar. Como las propias carreras, la narración avanza en escenas breves, veloces e impredecibles, casi vertiginosas. Los personajes transmiten la sensación de tener una existencia más amplia que lo que la película alcanza a mostrar. Al final, lo que se cuenta no es la evolución deportiva del protagonista, sino cómo ese camino transforma su vida y la de quienes lo rodean.

El manga de Uoto: juventud con profundidad inusual

El título original en japonés, Hyakuemu, combina hyaku (100) y emu (M, de “metros”). Se refiere a la prueba de los 100 metros llanos, y nace del manga de Uoto, un artista joven —decir “novato” ya le queda chico— que comenzó esta obra a los 17 años. Su sensibilidad recuerda a la lectura de grandes textos como “El origen de la obra de arte”, de Martin Heidegger, indaga en la realidad y la verdad cuestionando los conceptos establecidos y los prejuicios que condicionan nuestra comprensión del mundo. Es un mangaka con un instinto particular, casi inquietante, de profundidad.

La mirada del Director Iwaisawa: rotoscopía que emociona

A este instinto se sumó el director Kenji Iwaisawa, un talento con una concentración admirable y especialista en rotoscopia. Gracias a eso, escenas como la del protagonista bajo la lluvia —casi en blanco y negro emocional— o ese plano posterior a la cara llorosa, superan la técnica del dibujo animado tradicional: incorporan gestos y matices tomados directamente de actores reales. También aparecen líneas inestables cuando los personajes exteriorizan sentimientos intensos de inseguridad respecto de su propia identidad. Es anime, sí, pero por momentos se mueve más allá, entrando en un lenguaje cinematográfico propio.

Amistad, rivalidad, el deseo de superarse y aún más…

La película sigue a dos corredores unidos por una amistad de su infancia que, con los años, se vuelve rivalidad: Togashi, talento innato e imbatible; y Komiya, torpe, novato, pero decidido a ganar cueste lo que cueste. Surgen otros personajes y otras rivalidades, todos con peso genuino.

Lo fascinante es que la trama no se encierra en la pista. La carrera funciona como un espejo donde se reflejan temas universales: el miedo a fallar, la presión de creer que tu valor depende de tu rendimiento, la ansiedad, la voluntad de cambiar la realidad con tus propias manos.

En el avant-première del 9 de diciembre en el Cinemark de Abasto, muchos jóvenes salieron con sentimientos encontrados. A varios los dejó asombrados que una película les despertara repentinamente interés por el atletismo, al punto de salir a correr al día siguiente.

Otras escenas quedaron grabadas por su realidad cruda: esa sensación de que, por más esfuerzo que pongas, a veces todo termina en pérdida tras pérdida. Recordarlo ahí, en plena sala oscura, hizo pensar a más de uno. Y las palabras “podés cambiar la realidad” resonaron fuerte al ver cómo los personajes lograban lo improbable solo por intentarlo, reuniendo valor y empuje para no quedarse quietos.

La palabra “gachi ガチ”: cuando el esfuerzo es verdadero

Hay expresiones japonesas que vale la pena destacar. Una es ガチ gachi: se usa de forma ligera entre jóvenes, como “en serio”, “de verdad”, “a pleno”. Pero su origen es mucho más contundente: proviene del sonido gachin del golpe de cabezas en el sumo, símbolo de lucha auténtica, sin arreglos, sin concesiones. Es decir: algo hecho con total seriedad. En esta película, gachi aparece con todo su peso original. Ojalá puedan escucharla directamente en japonés con todas las emociones de Kidoairaku 喜怒哀楽: sentir también es parte de correr.

El film resuena con esta palabra japonesa que reúne alegría, ira, tristeza y disfrute: las cuatro emociones que nos hacen humanos.

La traducción de los subtítulos es excelente, y varias frases merecen ser anotadas:
• 僕は明日生きるために死んでいました。
“Estuve muerto para poder vivir mañana.”
• 走ることで現実を変えられる。
“Al correr podemos cambiar la realidad.”
• 不安は対処すべきではない。
“La preocupación… no siempre debe combatirse.”

Música que impulsa: Official Hige Dandism y la fuerza de seguir

Otro punto imprescindible es la musicalidad de la película y el efecto sonoro en el cine. La canción Rashisa「らしさ」de Official Hige Dandism (Official髭男dism) , https://www.youtube.com/watch?v=CWZ0lTUs5Mk utilizada en momentos clave, habla de seguir esforzándose a pesar de todo: incluso cuando sentimos que perdemos una y otra vez, siempre es posible seguir soñando. Mantener ese fuego competitivo —ese que todos llevamos guardado— ardiendo hasta superar la tristeza o la falta de talento, sin resignarse, avanzando paso a paso, para poder decir con alegría: qué felicidad seguir vivos.

Ojalá puedan dejarse atravesar por la película y sentirse, aunque sea por un momento, viviendo algo gachi, algo que uno pueda tomar en serio y dedicar de verdad a su propia vida. Es una película oportuna para cerrar el año, para empezar otro con buen porvenir, y para jóvenes, no tan jóvenes y familias enteras.

¿Están listos?

Que tengan un gran y feliz año nuevo: mi deseo de gachi.
Tomoko Aikawa

Nota: Los ideogramas kanji de la remera de Togashi, 鰯弐陸（iwashi ni riku）, provienen del club de atletismo (rikujō) de la secundaria Iwashi daini. Iwashi significa “sardina” y ni (弐) es el “número dos”, por lo que alude a la Secundaria Iwashi Nº2, a la que pertenece el equipo.

FICHA TÉCNICA
Título Original: ひゃくえむ。(Hyakuemu)
País: Japón
Idioma: Subtitulado y doblado al español
Duración: 108 minutos
Género: Animación
Año: 2025
Dirección: Kenji Iwaisawa
Reparto: Tori Matsuzaka (Togashi), Shota Sometani (Komiya)
Trailer: https://youtu.be/6UCFyQHRKUw

Sinopsis: Togashi, estrella del atletismo sobre todo en los 100 metros planos, conoce al estudiante Komiya quien tiene mucha determinación para correr pero falta de técnica. Pasarán los años y sus destinos se cruzarán nuevamente, esta vez como rivales en la pista.

Pueden ir a verla en CineMark Palermo, Malvinas, Tortugas, Palmares, Hoyts Abasto, DOT, UNICENTER, Quilmes, Moreno.

Imágenes: Cinetopia

Entre las 21 personas reconocidas con el título de «Persona de Mérito Cultural», destaca una mujer elegantemente vestida con un kimono de color verde claro. En japonés, este color se denomina como color de «nae», que significa «planta de semilla». Su nombre, Minae, refleja esta imagen: «belleza de planta de semilla».

En la fotografía tomada en el Palacio Imperial, a la derecha, y la segunda persona, es ella la que aparece vestida con un kimono de este color, aludiendo a su nombre y a su significado.

Una trayectoria literaria excepcional: Minae Mizumura

Minae Mizumura es autora de varias novelas, desde La novela real hasta su primera novela pero la última traducción al español, cuya traductora Tomoko Aikawa de la Editorial Adriana Hidalgo Luz y oscuridad, una continuación publicada por la editorial Adriana Hidalgo. En Japón, todas sus obras han sido premiadas, y en 2025 fue distinguida con el 35.º Premio Literario Murasaki Shikibu, la autora de la primera novela en Japón hace más de 1000 años, por su última obra El Embajador y Su Esposa (Taishi to sono tsuma), que aún no ha sido traducida al español.

El 4 de Noviembre, celebración en honor a las personas destacadas de la cultura en Japón.

El pasado 4 de noviembre, en Tokio, se celebró una ceremonia en el Hotel Okura para reconocer a los galardonados con el título de Personas de Mérito Cultural. Después de este evento, por la tarde, Sus Majestades el Emperador y la Emperatriz ofrecieron una recepción de té en el Palacio Imperial, invitando a los ocho galardonados con la Orden de la Cultura y a las 21 Personas de Mérito Cultural, en el otoño de 2025. También estuvieron presentes Sus Altezas el Príncipe Heredero y la Princesa Heredera Akishino, así como Sus Altezas Imperiales la Princesa Aiko y la Princesa Kako.

Entre ellos, Minae Mizumura recibió el título de «Bunkakorōsha», traducido como «Persona de Mérito Cultural». Este prestigioso honor, otorgado por el gobierno japonés, reconoce a individuos que han realizado contribuciones excepcionales al desarrollo de la cultura en Japón.

El reconocimiento subraya el impacto y la dedicación de Mizumura al mundo literario, destacando su capacidad para conectar con los lectores a través de sus obras. Su trabajo sigue la tradición de grandes autores como Natsume Sōseki y Jun’ichirō Tanizaki, ofreciendo una crítica precisa de la sociedad japonesa y el Japón de la posguerra.

Otras figuras destacadas de 2025: Masako Nozawa

Por otro lado, Masako Nozawa, la primera actriz de doblaje, conocida por la voz de Goku de Dragon Ball y Doraemon, y Keiko Takemiya, artista pionera de manga,como Persona de Mérito Cultural, también fueron reconocidas este año. De los nominados, seis son mujeres, igualando el récord del año anterior. Entre ellos, el Dr. Kitagawa, laureado con el Premio Nobel de Química 2025, también fue galardonado con este título.

La voz literaria de Mizumura

Según Minae, quien vivió en Estados Unidos desde los 12 años y completó sus estudios en literatura francesa y un doctorado, además de enseñar la literatura japonesa en universidades como Princeton, en total más de 20 años fuera del país, siente una satisfacción particular por este reconocimiento. Recuerda que pensaba que, al haber pasado tanto tiempo fuera de Japón, consideraba que su voz no formaba parte de la estructura del poder cultural japonés. “Por eso, en un sentido distinto, me siento más feliz que otros japoneses reconocidos”, comenta.

A los 30 y tantos años, comenzó a escribir novelas como una continuación de la obra inconclusa de Natsume Sōseki, debutando en el mundo literario. Aunque sus obras no fueron numerosas, todas han sido premiadas. Sus escritos abordan temas relacionados con el pasado y el futuro de la cultura japonesa, el idioma japonés y sus diversos registros. Tras la publicación de La herencia de la madre, 12 años después presentó El embajador y su esposa, una obra que examina la presencia de la cultura japonesa en el Japón moderno, desde el punto de vista de un norteamericano, amante de la cultura japonesa. 

Mizumura concluye: “Leer literatura siempre es sumergirse en un mundo de palabras y expresiones donde se puede imaginar lo que no se ve. Ese es el placer de la lectura: cada lector posee una imaginación única”. Su propósito es crear obras que trasciendan el tiempo, no como pasarelas efímeras, sino como legados destinados a ser leídos de generación en generación.

El Día de la Cultura y su significado

El 3 de noviembre, Día de la Cultura en Japón, nos recuerda la promulgación de la Constitución de la Paz. Gracias a ella, seguimos viviendo en libertad para crear, sentir y compartir arte y cultura. Celebremos este día, no solo para renovar nuestro compromiso con la paz, sino también para valorar la paz cotidiana que nos permite disfrutar la belleza del arte y la cultura japonesa.

Por Tomoko Aikawa

Sobre Tomoko Aikawa

Tomoko Aikawa es Licenciada en Estudios Latinoamericanos y Lingüística hispánica y es Especialista en Gestión Logística, Calidad, y Comercio Internacional con orientación en alimentos. Además, es intérprete, traductora, profesora de japonés y español. También es periodista y corresponsal de medios japoneses. Oriunda de Hiroshima. Es Embajadora de Hiroshima por la paz. Es Asesora Internacional de la Red de Alcaldes por la Paz (http://www.mayorsforpeace.org), dirigida por el Intendente de Hiroshima mediante la Fundación Sadako https://www.facebook.com/fundacionsadako/

Es la traductora de «La herencia de la Madre» de la editora Adriana Hidalgo y «Luz y oscuridad: una continuación» (Zoku Meian, 1990). Se trata de la primera novela de esta autora japonesa que permanecía inédita en español, y en la que imaginó un final para la obra de mismo nombre «Meian» (Luz y Oscuridad) que dejó inconclusa con su muerte Natsume Sōseki.