Es un gran anime, muy fresco, pero no es solo una película: La cuestión de la competencia no es ganar o perder, sino…

#100M arrancó en los cines argentinos el 11 de diciembre.

Una historia que corre más allá de la pantalla

100 metros es, más que una historia, un vistazo fugaz a una vida que parece continuar incluso fuera de la pantalla, pero que aun así logra interpelar a cualquier espectador. Conocemos a los personajes únicamente a través de su relación con las carreras, aunque todo lo que atraviesan podría aplicarse sin esfuerzo a la vida cotidiana: sentir que tu valor depende de tus capacidades, aprender a convivir con la ansiedad o enfrentar sin garantías la posibilidad de fallar. Como las propias carreras, la narración avanza en escenas breves, veloces e impredecibles, casi vertiginosas. Los personajes transmiten la sensación de tener una existencia más amplia que lo que la película alcanza a mostrar. Al final, lo que se cuenta no es la evolución deportiva del protagonista, sino cómo ese camino transforma su vida y la de quienes lo rodean.

El manga de Uoto: juventud con profundidad inusual

El título original en japonés, Hyakuemu, combina hyaku (100) y emu (M, de “metros”). Se refiere a la prueba de los 100 metros llanos, y nace del manga de Uoto, un artista joven —decir “novato” ya le queda chico— que comenzó esta obra a los 17 años. Su sensibilidad recuerda a la lectura de grandes textos como “El origen de la obra de arte”, de Martin Heidegger, indaga en la realidad y la verdad cuestionando los conceptos establecidos y los prejuicios que condicionan nuestra comprensión del mundo. Es un mangaka con un instinto particular, casi inquietante, de profundidad.

La mirada del Director Iwaisawa: rotoscopía que emociona

A este instinto se sumó el director Kenji Iwaisawa, un talento con una concentración admirable y especialista en rotoscopia. Gracias a eso, escenas como la del protagonista bajo la lluvia —casi en blanco y negro emocional— o ese plano posterior a la cara llorosa, superan la técnica del dibujo animado tradicional: incorporan gestos y matices tomados directamente de actores reales. También aparecen líneas inestables cuando los personajes exteriorizan sentimientos intensos de inseguridad respecto de su propia identidad. Es anime, sí, pero por momentos se mueve más allá, entrando en un lenguaje cinematográfico propio.

Amistad, rivalidad, el deseo de superarse y aún más…

La película sigue a dos corredores unidos por una amistad de su infancia que, con los años, se vuelve rivalidad: Togashi, talento innato e imbatible; y Komiya, torpe, novato, pero decidido a ganar cueste lo que cueste. Surgen otros personajes y otras rivalidades, todos con peso genuino.

Lo fascinante es que la trama no se encierra en la pista. La carrera funciona como un espejo donde se reflejan temas universales: el miedo a fallar, la presión de creer que tu valor depende de tu rendimiento, la ansiedad, la voluntad de cambiar la realidad con tus propias manos.

En el avant-première del 9 de diciembre en el Cinemark de Abasto, muchos jóvenes salieron con sentimientos encontrados. A varios los dejó asombrados que una película les despertara repentinamente interés por el atletismo, al punto de salir a correr al día siguiente.

Otras escenas quedaron grabadas por su realidad cruda: esa sensación de que, por más esfuerzo que pongas, a veces todo termina en pérdida tras pérdida. Recordarlo ahí, en plena sala oscura, hizo pensar a más de uno. Y las palabras “podés cambiar la realidad” resonaron fuerte al ver cómo los personajes lograban lo improbable solo por intentarlo, reuniendo valor y empuje para no quedarse quietos.

La palabra “gachi ガチ”: cuando el esfuerzo es verdadero

Hay expresiones japonesas que vale la pena destacar. Una es ガチ gachi: se usa de forma ligera entre jóvenes, como “en serio”, “de verdad”, “a pleno”. Pero su origen es mucho más contundente: proviene del sonido gachin del golpe de cabezas en el sumo, símbolo de lucha auténtica, sin arreglos, sin concesiones. Es decir: algo hecho con total seriedad. En esta película, gachi aparece con todo su peso original. Ojalá puedan escucharla directamente en japonés con todas las emociones de Kidoairaku 喜怒哀楽: sentir también es parte de correr.

El film resuena con esta palabra japonesa que reúne alegría, ira, tristeza y disfrute: las cuatro emociones que nos hacen humanos.

La traducción de los subtítulos es excelente, y varias frases merecen ser anotadas:
• 僕は明日生きるために死んでいました。
“Estuve muerto para poder vivir mañana.”
• 走ることで現実を変えられる。
“Al correr podemos cambiar la realidad.”
• 不安は対処すべきではない。
“La preocupación… no siempre debe combatirse.”

Música que impulsa: Official Hige Dandism y la fuerza de seguir

Otro punto imprescindible es la musicalidad de la película y el efecto sonoro en el cine. La canción Rashisa「らしさ」de Official Hige Dandism (Official髭男dism) , https://www.youtube.com/watch?v=CWZ0lTUs5Mk utilizada en momentos clave, habla de seguir esforzándose a pesar de todo: incluso cuando sentimos que perdemos una y otra vez, siempre es posible seguir soñando. Mantener ese fuego competitivo —ese que todos llevamos guardado— ardiendo hasta superar la tristeza o la falta de talento, sin resignarse, avanzando paso a paso, para poder decir con alegría: qué felicidad seguir vivos.

Ojalá puedan dejarse atravesar por la película y sentirse, aunque sea por un momento, viviendo algo gachi, algo que uno pueda tomar en serio y dedicar de verdad a su propia vida. Es una película oportuna para cerrar el año, para empezar otro con buen porvenir, y para jóvenes, no tan jóvenes y familias enteras.

¿Están listos?

Que tengan un gran y feliz año nuevo: mi deseo de gachi.
Tomoko Aikawa

Nota: Los ideogramas kanji de la remera de Togashi, 鰯弐陸（iwashi ni riku）, provienen del club de atletismo (rikujō) de la secundaria Iwashi daini. Iwashi significa “sardina” y ni (弐) es el “número dos”, por lo que alude a la Secundaria Iwashi Nº2, a la que pertenece el equipo.

FICHA TÉCNICA
Título Original: ひゃくえむ。(Hyakuemu)
País: Japón
Idioma: Subtitulado y doblado al español
Duración: 108 minutos
Género: Animación
Año: 2025
Dirección: Kenji Iwaisawa
Reparto: Tori Matsuzaka (Togashi), Shota Sometani (Komiya)
Trailer: https://youtu.be/6UCFyQHRKUw

Sinopsis: Togashi, estrella del atletismo sobre todo en los 100 metros planos, conoce al estudiante Komiya quien tiene mucha determinación para correr pero falta de técnica. Pasarán los años y sus destinos se cruzarán nuevamente, esta vez como rivales en la pista.

Pueden ir a verla en CineMark Palermo, Malvinas, Tortugas, Palmares, Hoyts Abasto, DOT, UNICENTER, Quilmes, Moreno.

Por Tomoko Aikawa
Imágenes: Cinetopia

Sobre Tomoko Aikawa

Tomoko Aikawa es Licenciada en Estudios Latinoamericanos y Lingüística hispánica y es Especialista en Gestión Logística, Calidad, y Comercio Internacional con orientación en alimentos. Además, es intérprete, traductora, profesora de japonés y español. También es periodista y corresponsal de medios japoneses. Oriunda de Hiroshima. Es Embajadora de Hiroshima por la paz. Es Asesora Internacional de la Red de Alcaldes por la Paz (http://www.mayorsforpeace.org), dirigida por el Intendente de Hiroshima mediante la Fundación Sadako https://www.facebook.com/fundacionsadako/

Es la traductora de «La herencia de la Madre» de la editora Adriana Hidalgo y «Luz y oscuridad: una continuación» (Zoku Meian, 1990). Se trata de la primera novela de esta autora japonesa que permanecía inédita en español, y en la que imaginó un final para la obra de mismo nombre «Meian» (Luz y Oscuridad) que dejó inconclusa con su muerte Natsume Sōseki.

Lo invisible, entonces, no se compone solamente del mundo espiritual y del imaginario que lo rodea, sino que parte de la idea del nombre arrancado y de la memoria. Esta última, oculta en pequeñas sensaciones, construye el vínculo de Chihiro con Haku y, a pesar de que ella no lo entienda del todo hasta el final, reafirma quién va a ser de ahora en más. La madurez se engendra en la memoria, porque esta nos une con los demás, y también liga nuestra identidad porque está sujeta al nombre que llevamos y que engloba lo que somos. Tanto Sen como Chihiro son partes que, separadas por algunos kanjis, conforman el alma de quien porta esos nombres. No habría Sen sin Chihiro, pero al final, tampoco podría haber Chihiro sin Sen. Es doloroso, pero hablamos de un desprender para obtener, y más que nada, de un revalorizar el nombre para existir.

Ahora, es interesante notar cómo este eje temático sobre la construcción de lo identitario a través de lo invisible tiene un eco en un drama realista como lo es The Approach of Autumn (1960) de Mikio Naruse. Aquí conocemos la historia de Hideo, un niño que se muda del campo a Tokyō con su madre para vivir en la casa de sus tíos. Pronto ella se irá a trabajar y vivir en una posada, para luego escaparse con un cliente, dejando a su hijo solo en la ciudad. Allí su única compañía será Junko, una niña que le tomará cariño porque se verá reflejada en él, ya que también se siente sola y tiene una situación familiar disfuncional (la madre es la amante de un empresario del interior de Japón).

En esta cinta lo invisible se traslada en lo sutil, en las emociones no expresadas, en las uniones que se construyen en la soledad. Al igual que el vínculo entre Chihiro y Haku, aquí Hideo y Junko se reconocen en los gestos (de amabilidad y cercanía) y encuentran un sentido que los acerca a sí mismos a través de lo invisible. Lejos de una fantasía mitológica, Naruse configura el mundo adulto como un espacio hostil, de reglas definidas y repleto de disrupciones, al igual que Miyazaki en su película. En The Approach of Autumn vemos cómo la sociedad japonesa es atravesada por la posguerra y el advenimiento de la modernidad y del abandono de las tradiciones. Mientras que en El Viaje de Chihiro se plantea una situación similar luego de la crisis económica de los 90, en la que se han perdido ciertos valores, y ni siquiera los adultos pueden hacerse cargo del mundo que edificaron y que se les ha ido de las manos.

Para Miyazaki, es la juventud la única que puede lograr esa conexión con lo espiritual, mientras que para Naruse es la única que puede vincularse con lo humano. Quizás la visión de Miyazaki sea un poco más esperanzadora, ya que para Chihiro se abre un mundo de nuevas oportunidades con ese aprendizaje. En cambio, para Naruse, el futuro parece envuelto en un halo de nostalgia, y se resumen en la frase que le dicen a Hideo al final, cuando busca a Junko y ella ya se mudó: “Aquí ya no queda nadie”.

Por otro lado, la idea del “viaje” como tránsito hacia la madurez se ve reflejada en ambas cintas, también configurando la identidad en lo invisible. En Chihiro es el viaje metáforico por el mundo espiritual pero también el viaje literal que la protagonista efectúa hacia la casa de la bruja Zeniba. En ese sentido en The Approach of Autumn el viaje metafórico es el verano en sí, y todas las cosas que suceden, y finaliza con la llegada del otoño. Pero el viaje literal lo vemos cuando Hideo y Junko se escapan solos para conocer el mar.

Así, ambas historias finalizan con una sensación de añoranza, con ambos personajes mirando el mundo que los hizo crecer, sabiendo que hay partes de sí mismos que quedaron allí y no volverán. Para Hideo la gran ciudad sigue siendo un lugar vacío y solitario, pero al igual que para Chihiro ese lugar simboliza el dolor de crecer y de dejar detrás la infancia. Tal vez, una melancolía de cara a la adultez.

Por Fran Parisi
Imágenes: Mubi, IMDb

Sobre Fran Parisi                                                             

Nacido en 1997. Actualmente se encuentra estudiando la Tecnicatura Superior en Lengua y Cultura Japonesa en el Instituto Nichia Gakuin. Amante del cine asiático, y en particular del cine japonés, al cuál se acercó mediante las películas de Naomi Kawase y Yasujirō Ozu. Su interés por Japón nace desde pequeño gracias al anime y el manga, lo que sumado a su gusto por la lectura y escritura lo llevaron a querer escribir sobre ello. Algunos de sus directores japoneses preferidos son Kinuyo Tanaka, Hiroshi Shimizu y Naoko Ogigami.

– No, es mejor olvidar. De los viejos tiempos todos los recuerdos que necesitas son los que puedes contar con una mano.

Este diálogo, extraído de un intercambio que tiene la protagonista de Moving (1993) de Shinji Sōmai, encapsula la idea del olvido como un medio a través del cual se reconvierte lo esencial, haciendo del recuerdo un acto de memoria, y brindándole un sentido más profundo y respetuoso. Es quizás, bajo un lente más cultural, una valorización de la transitoriedad. Una muy propia del imaginario japonés, que rescata del pasado una comprensión ancestral de aquello que conforma nuestro presente. De hecho, si partimos desde este punto, hay cierta reminiscencia entre el mundo conceptual y sensorial en el que está atrapada la heroína de Sōmai y el de Chihiro de El Viaje de Chihiro (2001) de Hayao Miyazaki.

“Nada de lo que sucede se olvida jamás, aunque tú no puedas recordarlo.” Le dice la bruja Zeniba a la niña. Lo cual, con un rápido desglose, nos posiciona semánticamente bastante cerca de esta dualidad entre lo efímero y lo trascendental que percibíamos en el primer diálogo. Aunque en este caso, Miyazaki también añade una capa más de profundidad: la del crecimiento y la madurez. No es sólo importante recordar lo que somos y lo que fuimos mediante el cambio que acarrea el olvido, sino que hacerlo es también parte de crecer.

En Moving, la niña emprende un viaje de aceptación debido al inminente divorcio de sus padres, el cual culmina en un clímax onírico en el que aprende a dejar atrás esa idealización del pasado para asumir su nuevo presente. Mientras que en El Viaje de Chihiro ese traspaso hacia la adultez se ve representado por la pérdida de sus padres, quienes fueron convertidos en cerdos, y finaliza también con un reencuentro con ellos, pero desde otra perspectiva interna. En ambos casos las realidades que se crearon a través de los recuerdos y las vivencias acompañan a nuestras protagonistas, pero es sólo en el olvido (en esa lógica sutil del dejar ir) en el que pueden posicionar sus corazones y mirar con decisión de cara a un futuro que las espera y que aprendieron a construir.

Reseña por Fran Parisi @azylath

Imagen: HK Cine Fan

Iwai es una de las grandes mentes del cine japonés moderno, ha marcado una época y un estilo desde que comenzara a hacer películas, allá por la década de los 90. Con Alternatina Nikkei tuvimos la posibilidad de realizarle una pequeña entrevista de manera escrita intercambiando mails. Y desde ya agradecemos la amabilidad y buena predisposición del equipo de Shunji Iwai y del director mismo, y creemos que ha quedado una lectura interesante y enriquecedora.

Sin más para agregar, los dejamos con la entrevista:

Antes que nada quería agradecerle por su tiempo, y consultarle sobre sus influencias autorales: ¿Hay alguna película, serie o libro que haya inspirado al joven Shunji Iwai para embarcarse en el mundo audiovisual?

Hay muchas. Películas japonesas, manga y anime, así como películas extranjeras y dramas televisivos. Desde mis años de jardín de infantes, me han encantado las animaciones de Toei Animation, donde trabajaba Hayao Miyazaki.

En cuanto a su filmografía, una cinta indispensable es sin duda “Love Letter”. Algo que me fascina de este film es cómo logra tomar la cuestión de la pérdida y transformarla en una experiencia sanadora a través de la nostalgia y de los recuerdos ¿Cómo surge este enfoque tan luminoso y a su vez cubierto por ese halo del primer amor? ¿Qué tanto hay de la historia personal de Shunji Iwai en la creación de esta obra?

No tuve las mismas experiencias que la historia, específicamente. Sin embargo, creo que esta obra no podría haberse creado sin las diversas experiencias que viví como estudiante.

Picnic (1996)

En lo personal siempre me resultó original e intrigante la idea del muro como el anclaje por el que transitan los personajes de Picnic, una línea que divide la fantasía de la realidad y que conecta varios mundos entre sí. Sobre todo el relato sobrevuela una mirada profunda sobre las enfermedades mentales y el vacío de vivir sin un propósito en una sociedad que le da la espalda a estas problemáticas. Quería preguntarle ¿Cómo se idea la metáfora del muro? Y por otro lado ¿De qué manera nace el interés por abordar y crear personajes atravesados por estas realidades?

Japón es un país pacífico, pero siento que lo damos por sentado y estamos algo insensibilizados ante ello. En los años 90, hubo un momento en el que sentí que Japón era como un gran hospital y me pregunté qué pasaría si saliera de ese mundo. Eso se convirtió en la idea para esta historia.

All About Lily Chou-Chou (2001)

Hay algo muy interesante en “All About Lily Chou-Chou” que es la exploración de la identidad. Desde un costado comunicacional, y sobre todo abrazando la idea de la globalización sumida en una especie de sueño digital ¿Qué inquietudes le llevaron a reflexionar sobre el peso del internet en la soledad o en las situaciones límite? ¿Cree que de algún modo ese auge de la red, en el mundo de hace 20 años atrás que plantea la película, canalizó una idea de escapismo ya existente en la sociedad japonesa?

Para comenzar, los seres humanos no están satisfechos solo con su entorno inmediato, sino que anhelan información de un mundo completamente diferente. Esta tendencia existió mucho antes de la era de Internet. Por ejemplo, ver partidos de béisbol y fútbol sintiendo felicidad/tristeza e involucrándose emocionalmente con los jugadores, y ver películas/noticias y leer periódicos. Pasamos gran parte de nuestro tiempo en nuestras vidas diarias fascinados por eventos que ocurren en un mundo con el que no nos relacionamos. He tenido el deseo de retratar estos contrastes en las películas desde que estaba en mis veinte años.

Centrándonos un poco más en el aspecto técnico, si hay algo en lo que destaca también “All About Lily Chou-Chou” es en su estética. Lo acompañó en este y en varios de sus proyectos el director de fotografía y operador de cámara Noboru Shinoda, quien ya había colaborado con otros grandes directores como Shinji Sōmai o Isao Yukisada, entre otros ¿Cómo fue trabajar con él? ¿Cómo se crea un mundo audiovisual que transmita de una manera tan sutil y poética problemáticas tangibles y muchas veces tan crudas alrededor de la juventud?

Noboru Shinoda estaba profundamente versado en tipos de película y revelado. También conocía mucho sobre cámaras y lentes y era muy exigente con los filtros. Aunque le encantaban las grúas y los jibs, nunca quiso usar un trípode. No creo que haya tomado una sola foto con un trípode en todo el trabajo que hicimos juntos. En fotografía, le encantaba Hasselblad y me enseñó lo grandioso que era el filme de formato medio. Fue mi mentor en tecnología de cámaras.

A Bride for Rip Van Winkle (2016)

Hay cierta esencia teatral o ficcional en nuestro mundo moderno, casi por inercia nos desenvolvemos de una manera u otra dependiendo del contexto y de las presiones sociales. Dentro de ese marco, una sociedad como la japonesa somete muchas veces esa impostación propia de estos tiempos en una norma fundacional. En “A Bride for Rip Van Winkle” esos arquetipos son expuestos de una manera crítica, sobre todo planteando una vinculación entre las apariencias y el rol de la mujer a través de una lógica patriarcal ¿Cuál es, a su entender, la búsqueda que debe de hacer la juventud para romper un poco con esa rigidez imperante del tradicionalismo? ¿Cree que habrá un punto en el que se pueda despegar de las apariencias y conectar las realidades emocionales de cada uno con los demás de una manera sincera?

Personalmente, no creo que la esencia de la naturaleza humana cambie mucho, aunque puede haber un cambio en las tendencias de los tiempos. Si la esencia cambiara, deberíamos sentir que la Biblia o las Fábulas de Esopo son solo valores antiguos. Los viejos valores pueden ser actualizados por los nuevos, pero entonces podríamos sufrir nuevamente con esos nuevos valores. Es el karma de la humanidad.Nanami y Mashiro son dos mujeres que se empoderan a través de un sistema que las busca categorizar y volver piezas de utilidad para los hombres, quebrando de este modo los mandatos sociales y deconstruyéndolos con sus actos ¿Qué tan importante es para usted transmitir y visibilizar mediante el cine las pequeñas y grandes luchas de estas mujeres?

En un mundo que se considera correcto, Nanami ha perdido su camino, y en un mundo que se considera incorrecto, Nanami ha recuperado su confianza. Quería crear una película en la que el mundo pareciera estar al revés.

Para finalizar, me gustaría conocer un poco sobre su mirada respecto al cine japonés moderno: ¿Cómo cree que cambió desde el momento en el que comenzó a crear películas? ¿Hay algún director o film que recomiende o le guste mucho?

Cuando rodé “Love Letter”, era una época en que las películas extranjeras eran más populares y las películas de mi propio país no tanto. Comparado con eso, creo que ahora vivimos en un tiempo mejor. Kon Ichikawa y Jun Ichikawa… ya han fallecido, pero eran mis directores de cine favoritos cuando era joven. Hay muchos más, pero tal vez te lo cuente en otra ocasión. ¡Jaja!

Entrevista: Fran Parisi @azylath

Photo by Dalong Yang @dalongdalong

Imágenes en la nota: Captura y MUBI

La Mesa Redonda «El manga y yo: experiencia de traducción del japonés al español» (EOTL) tendrá lugar de forma presencial. Es una actividad gratuita con inscripción previa y cupos limitados. Puedes completar tu inscripción en el siguiente enlace:

https://forms.gle/SuuZA7wkKoLtLdSa6

Estará moderada por Tomoko Aikawa, traductora, intérprete y profesora de idioma japonés, quien lleva dedicados 33 años a la difusión de la lengua y la cultura japonesa en Argentina, además de impartir clases de idioma japonés del Lenguas Vivas desde hace 31 años.

El orador invitado es Agustín Dobal, egresado del traductorado en Científico-técnica de inglés del Instituto de Enseñanza Superior en Lenguas Vivas «Juan Ramón Fernández» en 2023.

Según el traductor, «Actualmente trabajo como traductor de manga para la Editorial Ivrea. Además, soy Traductor Científico-Técnico de inglés y tengo la certificación N1 del Japanese Language Proficiency Test (JLPT). En la charla, hablaré sobre mi trayectoria en este campo, lo gratificante que resulta la traducción editorial de manga y los desafíos que enfrentamos, desde problemas específicos del género hasta cuestiones técnicas del equipo de trabajo así como las proyecciones a futuro.»

La pasión de Agustín por la traducción y la cultura japonesa se remonta a sus primeros años, cuando comenzó a descubrir el mundo del manga, siendo la versión en español de Dragon Ball en 2008, cuyo autor es Akira Toriyama, recién fallecido en marzo de 2024.  Hoy tiene obras traducidas Rent-A-Girlfriend, Gokinjo Monogatari y Fushigi Yuugi. Como es egresado del traductorado del Lenguas Vivas, adquirió las habilidades lingüísticas y técnicas necesarias, por lo que las aplica como traductor especializado en manga, historietas de origen japonés.

Este encuentro se enmarca en el programa de la novena edición de la Escuela de Otoño de Traducción Literaria (EOTL), un proyecto institucional del IES en Lenguas Vivas «J.R. Fernández» que propone talleres de traducción de inglés, portugués y francés destinados a participantes previamente seleccionados, y que en sus nueve años de trayectoria se ha consolidado como una iniciativa de formación para traductores en el ámbito literario. Este año, tiene el idioma japonés como invitado especial en colaboración del sector de cursos de japonés de la actividad de extensión nivel superior del Lenguas Vivas, que está también abierto a la comunidad en forma gratuita para mayor de 18 años.

Es una de las actividades de la EOTL abiertas a toda la comunidad.como a los estudiantes del Lenguas Vivas como al público en general, sin requerir conocimientos previos de japonés y se dictará en español.

El evento también cuenta con el respaldo de diversas instituciones como el Instituto Camoes, la Fundación del Libro, y la Asociación Argentina de Traductores e Intérpretes (AATI), y especialmente esta actividad está auspiciada por el Centro Cultural e Informativo de la Embajada de Japón en Argentina.

Para su referencia, el cronograma incluye presentaciones sobre el curso de japonés y otros 7 idiomas ofrecidos por AENS, que cumple 32 años gracias a la donación de dos laboratorios de idiomas y un centro de edición de parte del gobierno japonés, y el Lenguas Vivas que cumple 120 años, la primera institución educativa pública del país orientada a la formación docente en lenguas extranjeras.

Este evento busca fomentar la traducción literaria y promover el interés por la cultura japonesa en Argentina, a su vez, constituir el género y el ámbito profesional para el futuro de  jóvenes aspirantes.

La cita es en Carlos Pellegrini 1515, C.A.B.A., en el Instituto de Enseñanza Superior de Lenguas Vivas «Juan Ramón Fernández»del Gobierno de la ciudad de Buenos Aires.

Organizan:

@eotl_2024

@idiomasaens

@ieslv_juanramonfernandez

En el marco del curso de japonés, de AENS

https://www.facebook.com/CursoDeJaponesLenguasVivas

AENS

Tomoko Aikawa, homenaje a Akira Toriyama, el pasado 10 de marzo, 2024

Su novela japonesa traducida al español “La herencia de la Madre” de Minae Mizumura

https://www.adrianahidalgo.com/libro/la-herencia-de-la-madre-minae-mizumura/

(Agustín Dobal en el lugar favorito Jardín Japonés de Buenos Aires)

Dragon Ball de la editorial Ivrea.

Promocional de la prefectura de Kumamoto sobre el Proyecto de Reconstrucción.

Pero la reconstrucción y el ejercicio de no olvidar esos eventos continúa hoy y en gran parte comenzó con una carta que le llegó a Kumamon, la mascota de la prefectura, de parte del famoso pirata Monkey D. Luffy para ofrecerle su ayuda.

Todo comenzó con esta carta de Oda para Kumamoto.  Luffy estatua en Kumamoto

¿Pero qué motivos tenía Luffy para conmoverse con esa tragedia?

A decir verdad, él es “oriundo de Kumamoto” por así decirlo, ya que su creador el mangaka Eiichirō Oda nació en esa ciudad en 1975.

Con aquella carta en nombre de su personaje, Oda se ponía disposición realizando luego una importante donación y concediendo la posibilidad de utilizar sus personajes para la reactivación turística y económica de su prefectura natal. Así se puso en marcha el plan “One Piece” dentro del Proyecto de Reconstrucción de Kumamoto.

Tal vez la intervención más importante es el tour inspirado en “Los Piratas de Sombrero de Paja”. La inauguración de la estatua de bronce de Luffy en el paseo frente al edificio prefectural de Kumamoto en noviembre de 2018 fue la primera de la saga hasta completar con los restantes miembros en julio de 2022. La idea es que cada personaje con sus poderes y habilidades pudiera ir al rescate de los lugares más afectados por el terremoto. Entonces Sanji fue a Mashiki-machi, Ussop a Aso-machi; Tony Tony Chopper a las cercanías del Parque Zoobotánico de Kumamoto; Brook a Ofuna-machi; Franky a Takamori-machi; Nami a Nishihara-mura; Robin a Minami Aso-machi; Roronoa Zoro a Ozu-machi y Jinbe a Uto-shi.

Actualmente ya cuentan con página web donde se informa de los eventos relacionados, de los progresos de la reconstrucción de cada área y hasta existe una app (no disponible desde Argentina) que te ayuda en el recorrido y con el que podés reunir sellos digitales de cada sitio.

¿Te gustaría ir a Kumamoto a hacer este “recorrido pirata”?

#kumamoto #onepiece #odaeiichiro #luffy

Nota e imágenes: Mónica Hashimoto

https://op-kumamoto.com/

https://kumamotojishin-museum.com/onepiece/

Mónica Hashimoto
Licenciada en Periodismo y Comunicaciones. Exeditora de Alternativa Nikkei. Colaboradora en otros medios nikkei y nacionales argentinos sobre cultura japonesa y ecología y medioambiente. Exbecaria del Ministerio de Asuntos Externos de Japón, del Ministerio de Cultura y Educación de Japón y de la prefectura de Kumamoto. Enseñanza de idiomas y traducciones.
IG: @monica.hashimoto

La iniciativa surgió como respuesta a la triste noticia que estremeció al mundo digital el 8 de marzo, siguiendo la tradición japonesa de respeto y luto a la familia. Aunque Toriyama nos dejó físicamente, su legado persiste en el vasto universo del anime y la cultura popular.

El comunicado oficial del productor Bird Studio, responsable de obras como Dragon Ball, confirmó el lamentable deceso del maestro a los 68 años, a causa de un hematoma subdural agudo. Además, reveló que Toriyama aún tenía varios proyectos en pleno proceso creativo al momento de su partida.

En el corazón del homenaje, el Obelisco se convirtió en el escenario de una «Genkidama» masiva, donde los fans, con los brazos en alto, emularon la emblemática técnica de la serie. Los cánticos de «¡Akira, Akira!» resonaron en el aire, creando un momento hermoso y transgeneracional, con varias instancias previas de Genkidama que contaron con la participación de aquellos que crecieron junto a Dragon Ball durante más de 30 años en Argentina, donde la serie comenzó a transmitirse en formato anime en la pantalla chica en español en los años 90, mientras que el manga se publicó por primera vez en 1984.

Dragon Ball ha dejado una huella imborrable en la infancia de diversas generaciones, convirtiéndose en una de las obras de manga más vendidas y expandiéndose a diversas formas de entretenimiento. Su impacto ha trascendido fronteras y ha ganado el amor de fans a nivel global.

Los épicos trabajos de Toriyama, tanto «Dr. Slump» como «Dragon Ball», publicados en Shonen Jump de la editorial Shueisha, tocaron los corazones de fanáticos en todo el mundo. El universo único que forjó continuará siendo amado durante mucho tiempo.

La convocatoria estaba programada para las 16 horas; sin embargo, cerca de las 19 horas, la cantidad de fieles aún no disminuía. Por el contrario, algunos se retiraron mientras otros llegaban, llenando constantemente la Plaza de la República Argentina en el Obelisco. Además, el evento transcurría de manera sorprendentemente pacífica y tranquila, evidenciando el profundo deseo de los fanáticos de que el maestro Toriyama descanse en paz.

Aquí comparto algunas anécdotas notables. En 2019, Pedro Abel Ferrer conmemoró el cumpleaños de su hijo Bautista con una celebración que abarcó todos los detalles emblemáticos de Dragon Ball, llegando al extremo de confeccionar el atuendo anaranjado distintivo de la serie durante dos días.

Posteriormente, contrajo matrimonio y organizó una ceremonia nupcial que incorporó minuciosamente elementos característicos de Dragon Ball. El ingreso a la sala de fiestas se llevó a cabo al ritmo del tema de apertura de Dragon Ball, «Mi corazón encantado» (Dandan suki ni naru en japonés).

En sus propias palabras, Pedro Abel Ferrer reflexionó sobre la influencia de Dragon Ball en su vida: «Dragon Ball nos ha brindado valiosas enseñanzas a lo largo de los años. En cada celebración, la serie ha estado presente».

Por su parte, Kuku compartió su experiencia diciendo: «Aunque estoy a punto de cumplir 30 años en menos de un mes, he estado familiarizado con Dragon Ball desde mi nacimiento. No tengo recuerdos de un mundo sin Dragon Ball; mi hermano mayor me introdujo en ella. Resulta curioso que, inicialmente, mi madre se oponía a que viera Dragon Ball por considerarla demasiado violenta. No obstante, la veíamos en secreto».

En la vida cotidiana de muchos, existen recuerdos que han sido obtenidos gracias a la obra maestra de Akira Toriyama, «Dragon Ball». «Fue emocionante conectar con personas de diferentes edades que crecieron con esta increíble obra», compartió uno de los muchos fanáticos cuyas vidas fueron influenciadas positivamente por las aventuras de Goku y sus amigos.

Los elogios hacia «Dragon Ball» son innumerables y van desde la capacidad para forjar amistades intergeneracionales hasta el impacto positivo en la construcción del carácter y personalidad. Comentarios como «Gracias a ‘Dragon Ball’, aprendí a ser una persona mejor», «La serie me enseñó lecciones valiosas de vida», y «En ‘Dragon Ball’ encontré esperanza en mi día a día», reflejan el agradecimiento de aquellos que han sido tocados por esta obra.

El fenómeno de «Dragon Ball» no se limita al doblaje al español, sino que se expande a través de diversas formas de medios, incluyendo series, películas y juegos, además del manga original publicado en la revista Shonen Jump. Sorprendentemente, algunos fanáticos argentinos, aunque no entiendan japonés, seguían la serie leyendo el manga en su idioma original o incluso aprendiendo japonés gracias a la obra.

El legado global de «Dragon Ball» es innegable, demostrando ser un fenómeno cultural que supera barreras idiomáticas y geográficas. Este legado sigue inspirando a nuevas generaciones, confirmando que la creación de Toriyama ha dejado una marca inolvidable en el corazón de millones en todo el mundo.

Ahora bien, la autora espera ubicar a los jóvenes fans de manga y anime que en los 90 se reunían por Dragon Ball  en Camelot, Paseo la Plaza. Allí realizó una de las primeras notas como periodista corresponsal de Buenos Aires de medios japoneses. Tiene ganas de hacerle una entrevista nuevamente después de unos 30 años.

Esta foto de la recepción de Pedro y Susana se asemeja completamente a la composición de la siguiente imagen con el diseño Dragon Ball.

（(25 de febrero de 2023, 19:30 – Nosotros, Susana y Pedro, nos casaremos. El lugar de la recepción será… Por favor, confirma tu asistencia).

Torta de casamiento

El 3 de diciembre de 2019, en la izquierda se llevó a cabo la fiesta de cumpleaños de Bautista, donde a la derecha se exhibieron numerosos artículos de merchandising. Los participantes recibieron regalos y hasta los vasos para las bebidas estaban decorados con el diseño de Dragon ball.

Hoy, 10 de marzo de 2024, la familia de Pedro (en el centro), Bautista (a la izquierda) y Susana (a la derecha) se ha destacado.

El 3 de diciembre de 2019, en la izquierda se llevó a cabo la fiesta de cumpleaños de Bautista, donde a la derecha se exhibieron numerosos artículos de merchandising. Los participantes recibieron regalos y hasta los vasos para las bebidas estaban decorados con el diseño de Dragon ball.

El diseñador gráfico Kuku, quien cumple 30 años este mes, participó vistiendo como Goku. La autora de esta nota llevaba una gran grulla de papel por la paz de Fundacion Sadako, deseando tranquilidad QEPD al maestro Toriyama.

La vista panorámica desde el «Buenos Aires Marriott Hotel» hacia los alrededores del Obelisco es impresionante,  alrededor de las 5:30 p.m. del 10 de marzo de 2024(https://www.marriott.com/es/hotels/buemb-buenos-aires-marriott/overview/).

Después de las 4 de la tarde, muchas personas, en su mayoría familias, se dirigían apresuradamente hacia la Plaza de la República.

Apareció un Vegeta en japonés se pronuncia «Beziita».

Efectivamente, los disfraces de los niños captaron la atención de todos.

Juan, de 34 años, comentó que compró la bata en Miami

Nota:  Tomoko Aikawa　相川知子

Criaturas marinas se reúnen desde cada rincón de la tierra mientras emiten luz. Enormes ballenas jorobadas desaparecen en el fondo del mar mientras cantan «canciones». El mar entero comienzo a moverse hacia el «festival». Un día, Ruka conoce a dos chicos, Umi, un niño misterioso que nada delante de sus ojos con los peces, brillante e inocente; y su hermano Sora, envuelto en misterio. Ellos guardan una conexión especial con el océano, al igual que ella.

Como si fuera guiada por ellos, Ruka entra en contacto con un mundo misterioso que nunca se había visto. Varios fenómenos comienzan a ocurrir en la tierra provocados por su encuentro y después de que un brillante meteorito del cielo nocturno cae en el mar, todas las criaturas del mar comienzan a trasladarse a Japón. Incluso aparece una enorme ballena jorobada y comienza a «cantar» contándoles a las criaturas marinas que «el festival» está cerca.

Sin embargo, hay dos personas que saben la relación que tienen Umi y Sora con este fenómeno paranormal: los oceanógrafos, Jim y Angler, que los protegen. ¿Podrán las personas con diferentes pensamientos resolver el misterio de la vida?, ¿de dónde vienen Umi y Sora?, ¿qué es «el festival»?
Esta es la historia de la vida que entró en contacto con Ruka.

Un nuevo largometraje de animación japonesa llega a Latinoamérica

De la mano de Daisuke Igarashi, un artista de manga nacido en Saitama, continúa atrayendo a los lectores con sus líneas únicas y expresiones de dibujo. Este primer largometraje «Espíritus del Mar» (publicado por Shogakukan IKKI COMIX) trata de un encuentro de verano de una «niña de 14 años» y «dos hermanos criados por Dugongs», basados en la reverencia por el mundo natural, una obra maestra que se sublima en entretenimiento con arte abrumador y desarrollo de historias misteriosas.

En el reparto principal se encuentran Mana Ashida, cuyo nombre se hizo presente en el drama de televisión «Mother», posteriormente con aparición en Hollywood y otras obras; Hiiro Ishibashi, quien continúa expandiendo su carrera activa como actor e intérprete en el doblaje japonés, quien dio vida al personaje principal Miguel en la película «Remember Me»; Seishū Uragami, quien cautiva la atención con esa hermosa voz en el drama de NHK Taiga «Sanada Maru» en el papel de Sanada Daisuke; y Morisaki Win, quien encontró el talento del director Steven Spielberg en «Ready Player One».

Todo el casting se ha realizado según la edad real de los actores en relación con los personajes de las obras. Estos actores son apoyados por otros actores talentosos que comparten su personalidad libremente como Goro Inagaki, Yu Aoi, Toru Watanabe, Min Tanaka y Sumiko Fuji.

Una vez más, Joe Hisaishi

La música es interpretada, no solo por un talento japonés sino también por el compositor mundialmente
reconocido del mundo de la música de cine: Joe Hisaishi. En sus obras se mezclan el clasicismo europeo y la tradición japonesa, el minimalismo y la música electrónica experimental, de manera armoniosa.​ Será su regreso luego de seis años desde que comenzó a trabajar en el largometraje de la animación «Se levanta el viento» y «El cuento de la princesa Kaguya» de Studio Ghibli.

Además, Kenshi Yonezu, que ha estado enamorado de la obra original durante mucho tiempo, escribió «Espíritus del Mar», el primer tema musical para esta película. Se puede decir que sus «sonidos» agregan color a un mundo de trabajo peligrosamente denso y profundo, los cuales son la otra cara de la película. Y así nace «una película de animación única», la cual cristaliza los diferentes talentos.

Fuente: Madness Entertainment

Para abrir la velada, se hicieron presentes el Embajador del Japón, Nakamae Takahiro, y el Director General de Acción Cultural de la Biblioteca Nacional, Ezequiel Martínez.

Laura Montero nos presentó a lo largo de la charla un conflicto para discutirlo en términos de cine: ¿si Estudio Ghibli cesa sus actividades, quién podría continuar su estilo de trabajo?  ¿Quién podría suceder a Hayao Miyazaki como la figura de cine de animación?

Laura Montero supo llevar la charla interactuando con el público y dejando sus experiencias personales como espectadora. En el transcurso de la misma nos damos cuenta que la industria del cine de animación ha crecido desde los animé clásicos, como los que vio quien escribe este artículo, por mencionar algunos, Akira y Ghost in the Shell.

En la charla pudimos conocer y recordar a los grandes directores y estudios que nos regalan historias de las más diversas y ricas en contenido.

“No hay que tratar de ser igual, hay que tratar de ser uno mismo”

Luego de presentar a los candidatos y exponer sus argumentos de por qué algunos están más cerca que otros de poder resolver este conflicto planteado anteriormente, un espectador se preguntó, “¿el puesto podría ser para un gaijin?”. Lo interesante fue lo que encabeza este artículo: Miyazaki y Takahata nunca intentaron parecerse a sus maestros o a Toei, de donde surgieron. Siempre buscaron ser ellos mismos y ese esfuerzo fue el que les dio el reconocimiento y ser el estudio que le abrió el mercado al cine de animación a todo el mundo y les valió tantos premios y menciones.

Para cerrar, estoy agradecido por estos eventos que invita a la gente interesada en Japón y sobre los que podemos apreciar el estado actual de una de las maravillas del “cool japan” contemporáneo.

Nota por Gabriel Conversano

Agradecimientos a la Embajada del Japón en Argentina.

 Sobre Gabriel Conversano

Estudiante de artes audiovisuales y autodidacta de comunicación, apasionado por la cultura japonesa. Entre sus intereses, se encuentran la historia y antropología, los medios audiovisuales y el entretenimiento audiovisual.