Primera parte

¿Qué le gustaba dibujar cuando era niña?

Hace un tiempo mi padre me mostró un librito casero del tamaño de una caja de fósforos que le había regalado de niña, se llamaba “Librito de paisajes dibujados”, contenía unos pequeños dibujos pintados con marcadores. Creo que me gustaba dibujar eso, paisajes, animales.

¿Por qué decidió estudiar dibujo y qué sueño tenía al transitar ese camino en la universidad?

Estudié dibujo en la Universidad Nacional de La Plata, luego de probar diferentes disciplinas de las artes plásticas, decidí por el dibujo que es lo que siempre me gusto. Mi sueño, anhelo, intención fue trabajar del dibujo en alguno de sus campos. Mientras estudiaba aprendí animación tradicional en estudios independientes de La Plata y luego trabajé un tiempo en una empresa de videojuegos, al terminar mis estudios decidí orientarme hacia la ilustración editorial.

¿Podría describir la experiencia en Okinawa?, ¿qué aprendió?

En el año 2016 fui becada por el Centro Okinawense en la Argentina, para estudiar Artes Tradicionales en la Universidad de Arte de la Prefectura de Okinawa. Durante un año tuve la posibilidad de asistir a clases con grandes maestros de Bingata (teñido textil), Orimono (tejido), Yakimono (cerámica), Urushi (laqueado) y estudiar el idioma japonés. Esta beca para descendientes, me dio la posibilidad de conocer la tierra donde nacieron mis abuelos maternos y conectar con los familiares que viven allí.

En sus dibujos plasma las tradiciones de Okinawa, ¿qué es lo que le interesa transmitir?, ¿el folclore tradicional?

A través del dibujo busco conectar con mis raíces okinawenses y aprender de la cultura, me interesan las artes tradicionales, su música y danza.

En “Luna de Otoño”¹, una abuela y su nieto celebran tsukimi². Los dibujos recrean elementos, recuerdos y costumbres del Japón que cobran vida en la Argentina: el kimono y las geta³ de la abuela y la bombacha de gaucho y las alpargatas del niño, la llegada de la abuela de Akio y la extensa llanura, el árbol de arce del jardín de la casa colonial y el abuelo que plantó su semilla, momijigari⁴: la caída de las hojas, lo efímero y el cambio de estación, la ofrenda a la luna y la leyenda del conejo que machaca mochi⁵, etc. ¿Qué sintió al dibujarlas?, ¿alguna de estas escenas trajo a su memoria una costumbre del otoño japonés junto a sus abuelos okinawenses?

Al ilustrar “Luna de otoño” me base en el sentimiento nikkei, en los descendientes de japoneses y sus diferentes generaciones. La abuela introduce al niño en las tradiciones culturales y filosóficas, conectan los dos en un momento íntimo de celebración. En mi caso no tuve la oportunidad de conocer a mis abuelos okinawenses, pero si a una de las hermanas menores de mi abuelo, la tía Miyosan, quien cumplió 100 años este año. A través de ella conocí historias familiares, comidas tradicionales, como el pepino Goya que lo plantaba en su huerta y canciones infantiles.

En “Amigo Oso no puede dormir”⁶, crea un reino animal acogedor que le da la bienvenida al invierno: Mamá conejo anudando la bufanda de su hijito, una pareja de ardillas almacenando castañas, Oso preparándose para invernar y dormir plácidamente, pero… ¿Cómo crea este reino? Los colores son suaves y de tonos pasteles, los dibujos son delicados y difuminados, las escenas enternecedoras que se completan con una oración… ¿Por qué su “Amigo Oso no puede dormir”?, ¿no tiene amigos?, ¿no tiene con quien jugar?, ¿el cariño lo cambia todo?

Este libro es un proyecto que trabajé durante varios años, nació en el 2015 en un taller de proyectos editoriales, los años posteriores poco a poco lo fui trabajando, realizando los diseños de personajes, pruebas de estilo, creación de maqueta y bocetos; hasta que lo terminamos de trabajar junto a Eloise Alemany, directora de Periplo ediciones, donde fue publicado el libro. Siempre me gustaron las historias de animales en el bosque, libros como “Peter Rabbit” de Beatrix Potter o “El viento en los sauces” de Kenneth Grahame fueron una gran influencia. Me divierte dibujar los animales humanizados con sus trajes y casitas.

Segunda Parte

En “Del bosque florido: una vida en recetas”⁷, los recuerdos de una familia cobran vida a través de los dibujos. Me pareció enternecedor el dibujo de la familia comiendo sukiyaki⁸ en un restaurant del barrio de Balvanera. Los adornos japoneses en la pared, los zapatos al pie del escalón, el padre sirviéndose ¿fideos? en un cuenco, la madre sonriéndole a su hija.

Del bosque florido, es un libro muy especial, ya que fue el primer libro que ilustré sólo con acuarelas. Las historias de Agustina Rabaini, tienen un tinte nikkei (descendiente de japoneses) con el cual encuentro afinidad por mi propia historia familiar. Realmente disfrute ilustrar las diferentes historias y las recetas de Silvia Morizono.

Nankichi Niimi fue un cuentista infantil considerado el Hans Christian Andersen del Japón. Una vez, una persona que admiro por su escritura, me mostró un librito de cuentos que era de su padre japonés, que contaba la historia del “Zorrito Gon”. ¿Tiene un cuentista infantil japonés al que admire?, ¿y un ilustrador japonés?

Admiro a Chihiro Iwasaki, sus libros son bellísimos. Las historias simples y sus ilustraciones son hermosas, las escenas de infancias entre flores y plantas, la soltura del dibujo y su pincelada, la transparencia y frescura de la acuarela. Conocí su obra cuando estudiaba en Okinawa, en una librería de usados. Su obra y los bocetos de Hayao Miyazaki son los que me inspiraron en el uso de las acuarelas para ilustrar.

En “A comprar guantes”『手袋を買いに』de Nankichi Niimi⁹, el niño zorrito va a comprar guantes para que no se le congelen las manos. Esa simple acción, en el mundo de hoy donde abundan los objetos materiales y que todo está al alcance de la mano, me hizo acordar algo. Cuando era niña, miraba “La familia Ingalls”. En la serie aparecía la tienda de ramos generales: “Oleson`s Mercantile” donde se vendía de todo: telas, golosinas, harina, canastos de mimbre, sortijas de compromiso, ollas, etc. La simpleza de ir a comprar guantes del niño zorro, me hizo acordar a la sencillez de esta tienda. ¿Qué le parece el cuento “A comprar guantes”?

Conocí la obra de Nankichi Niimi por del proyecto “A comprar guantes” de la editorial También el caracol. A través de una historia tierna, Nankichi cuestiona el comportamiento de los humanos. Cuando la editora y traductora Mariana Alonso, me propuso ilustrar esta historia fue una gran alegría, ya que hace tiempo quería trabajar con ellos, sus libros de la colección Bosque de Bambú son una joya. Junto a Mariana decidimos situar la historia en un pueblo parecido al de Nankichi y lo dibujé en una de las escenas, quizá la más significativa.

Uno de sus dibujos, una especie de gatito, parecería ser que aparece en toda su obra (como el hanko¹⁰ de su nombre), ¿en qué se inspiró al crearlo?, ¿podría ser como un animalito con el cual se identifica?

El gatito surgió en Okinawa. Durante mi estadía solía ir a dibujar a templos y parques de la ciudad de Naha, con acuarelas pinté esos escenarios que quería atesorar. El gatito fue el personaje que descubría esos nuevos lugares, me acompañó en todo el viaje y se convirtió en un personaje recurrente, además estaba relacionado con mi gatito de esa época, Quique, al que extrañaba.

Usted vive en el sur de la Argentina ¿siente que esa región le regala nuevas fuentes de inspiración y paisajes naturales a sus dibujos?

Los paisajes de la zona me inspiran, los bosques, la montaña, los ríos y lagos. Disfruto mucho dibujar la naturaleza, busco transmitir lo que siento al caminar por estos lugares.

Ya se acerca Navidad, ¿de qué manera sus dibujos recreados en cuentos despiertan la ilusión de un niño?

Cuando se acerca una niña, niño y me cuenta que le gustan mis dibujos, los personajes, me genera gran alegría e inspiración para continuar trabajando en este oficio. Ojalá mis dibujos despierten la curiosidad para abrir un libro y leer su historia.

Y así, con esta historia, parecida a un libro de cuentos, pudimos conocer el universo de Flor Kaneshiro. ¡Feliz Navidad! Y que Papá Noel llegue a cada hogar con una sonrisa y dulces sueños…

Breve Biografía de Flor Kaneshiro

Nacida en La Plata en 1983. Nikkei, 3°generación descendientes de okinawenses. Actualmente vive en San Martín de los Andes.

Licenciada en Artes Plásticas con orientación en Dibujo, Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata, amplió sus estudios en la Universidad de Artes de la Prefectura de Okinawa, Japón, a través de una beca otorgada por el Gobierno de Okinawa y el Centro Okinawense de Argentina.

Ilustró libros para editoriales como Periplo, Hwarang, Pastel de Luna, Brandylane Publishers, Grupo Planeta, Palabras Aladas, Santos Locos Poesía, Abresueños, Mame Editions, entre otras. Realizó colaboraciones con PlayStation Latinoamérica, Revista Ohlalá!, Taragüi, Juegos Maldon.
Posee dos libros como autora integral (historia e ilustraciones), “El llamado” Editorial Eduvim 2020 y “Amigo Oso no puede dormir” Periplo Ediciones 2025.
Expuso sus trabajos en Librería Junkudo Okinawa 2017, “Nuevas miradas del Japón” Embajada del Japón Argentina 2017, “3º Salón de Arte Joven Nikkei” Centro Peruano Japones Perú 2019, “Finding Okinawa” Asociación Okinawense California, Estados Unidos 2019, festival “Los Angeles Asian Pacific Film Festival”, California, Estados Unidos 2020, “Fushigina Kimonchi” muestra individual, Jardín Japonés, Argentina 2023.

Por María Florencia Zaia
Imágenes: María Florencia Zaia, Flor Kaneshiro

Sobre María Florencia Zaia

Nació en Luján, Provincia de Buenos Aires en 1976. Es Licenciada en Relaciones Internacionales. En sus comienzos (2006), se vinculó con Japón por trabajo y estudio. Colaboró con el diario “La Plata Hochi”. Estudia japonés desde hace doce años. Siempre tuvo interés por la cultura japonesa y sus valores virtuosos (Bushido). Gusta de su literatura, algunos de sus autores predilectos son Natsume Soseki y Yoko Ogawa.

Referencias

¹ Cintia Roberts y Flor Kaneshiro, “Luna de Otoño”, en Lápiz Ediciones, 2025.
² Tsukimi: contemplación de la luna de mediados de otoño. Celebración donde se ofrenda a la luna dulces como el Tsukimi dango, alimentos de estación, té, sake. Se decora con gramillas de Susuki.
³ Geta: Calzado de madera, abierto que sujeta al pie con una tira de tela que separa el dedo gordo de los demás. Debajo de su base tiene uno o dos dientes (tacos).
⁴ Momijigari: salir al campo o a las montañas para contemplar la coloración de las hojas. “Gari” significa cazar y/o recolectar y este término surgió en el período de Heian (794-1185), cuando los nobles salían a la montaña para cazar animales salvajes, recolectar frutos silvestres, etc. “Ir a cazar y/o recolectar” podría ser similar a ir a las montañas para contemplar la coloración de las hojas del momiji, o la floración de los cerezos, eso fue lo que creyeron los nobles de aquella época.
⁵ Mochi: Bola de arroz glutinoso cuya elaboración implica machacar la masa caliente de harina de arroz en un mortero.
⁶ Flor Kaneshiro, “Amigo Oso no puede dormir”, Periplo Ediciones, 2025.
⁷ Agustina Rabaini, Silvia Morizono, Flor Kaneshiro, “Del bosque florido: una vida en recetas”, Periplo ediciones, 2018.
⁸ “Sukiyaki: tradicional plato de olla japonés con carne, vegetales y fideos”, en “Del bosque florido: una vida en recetas”, Periplo ediciones, 2018.
⁹ Nankichi Niimi, “A comprar guantes”『手袋を買いに』, traducción de Mariana Alonso e ilustraciones de Flor
¹⁰ Kaneshiro, editorial También el Caracol, abril de 2025. Hanko: sello. 

En cuanto a los fines de la Asociación, el instructor nos contó que: “Más que nada es mantener la música –koten- significa clásica. Es una música que tiene cuatro siglos de existencia. Que miembros de Nomura Ryu que eran profesores, se juntaron para poder hacer esta agrupación.  Música que se tocaba en épocas en que Okinawa, que ahora es una prefectura o provincia de  Japón, pero antes era un país independiente, que se llamaba Ryukyu. Y bueno, de esa época es  esa música. Entonces, quedó toda una cuestión costumbrista de mantener esa música que hace  cuatro siglos que se toca. El objetivo, básicamente, es a través de la poesía, las imágenes – imaginándose cómo vivían antes los okinawenses-, uno termina teniendo cierto contacto con esas raíces okinawenses, es decir, nosotros que somos argentinos, que nacimos acá, que no tuvimos la posibilidad de vivir allá, es un modo de conocer nuestras raíces. Yo creo que eso es lo fundamental de esta música. La verdad es que habla de muchas cuestiones humanas, y muchas  cosas que pasaban en ese momento, que se reflejan en esa poesía. Y bueno, esa es la parte  interesante de esta música como a su vez tocarla, no?. No es fácil tocarla, en realidad, porque son ritmos lentos, muy pausados, y eso, un poco dificulta el tocarlo bien. Pero hay mucha  práctica detrás de todo esto”.

— ¿Cuáles son los valores que puede identificar en el camino de aprendizaje de este instrumento?  

El instructor Miyagi nos dijo que los valores del virtuosismo para tocar son el tiempo y el grado de práctica que tenga la persona interesada. Básicamente es un instrumento que es muy típico de Okinawa. De hecho es mucha la gente que lo toca. No solo de nuestro estilo, sino que hay otros grupos de estilos musicales que tiene que ver con el folclore de esa isla. Y resaltó que: “Si se puede decir valores yo creo que es recuerdo de nuestros padres, nuestros abuelos, tíos que  justamente, cuando nosotros éramos chicos ellos tocaban, ¿no?. Y bueno, eso, un poco nos  retrotrae; es como un homenaje muy respetuoso hacia todas esas personas, en el caso nuestro, acá en Argentina, estando fuera de Okinawa, que es el lugar donde nació esta música”.  

— ¿Cuáles son los valores que puede identificar entre los miembros de la Asociación?  

El Sr. Daniel Miyagi dijo que creía que era el gusto por este estilo. “Es un estilo particular, de música lento. Hay toda una cuestión de lentitud al hacerlo, al ejecutar esta música, que calma.  Yo creo que es un valor, que hoy en día nosotros estamos en esta vorágine urbana, que es un  punto importante: la música que nos calma”. 

— ¿Qué sentimientos se transmiten o se expresan cuando se toca el instrumento?  

El instructor nos dijo que: “De acuerdo a la letra, hay de todo tipo. Una se adecua a la poesía  que tiene esa música. Lo cual significa tener que entender eso, que no es ni siquiera japonés, es un dialecto de Okinawa, lo cual es un poco dificultoso para nosotros que no lo entendemos, pero, justamente, investigando, hay todo un trabajo de investigación de parte nuestra de poder entender cada palabra. Y de ahí, ir sacando el sentimiento para poder expresarlo mientras lo cantamos y lo tocamos”.  

— El Presidente ya es mayor. ¿Qué le dejaron todas esas personas que hoy, de alguna manera, les están legando las funciones a los más jóvenes?  

El Sr. Daniel Miyagi destacó que eso es invalorable: “Es gracias a ellos que estamos. Ya de por sí eso, es el valor mayor de todos. O sea, nos han inculcado esta música, nos han instruido en  esta música y bueno, hay que sacarse el sombrero ante eso. Y cuando lo vas haciendo, te vas  dando cuenta que tiene que ver con nuestros propios parientes, amigos o familiares  okinawenses. Yo creo que los mayores han hecho un trabajo excepcional, manteniendo durante  sesenta y cinco años esto. Y bueno, ahora, ya están mayores y entienden que esto lo tienen que  legar a los más jóvenes y ese es el proceso que ahora estamos transitando”.  

El mensaje final: “Que se queden tranquilos nuestros mayores, que estamos haciendo las cosas para mantener esta música a través de las generaciones, acá, en la Argentina. Que era la mayor preocupación de ellos ¿Qué será de esta música cuando nosotros nos vayamos?”. 

El cierre de este encuentro colmó de colorido el salón del Centro Okinawense en la Argentina (COA), cuando todos los presentes se sumaron con el baile y las palmas. Parte de un sueño cumplido, según las palabras de la Sra. Bruna Mariko Oshiro, Directora de Nomura Ryu filial Brasil. 

Agradecimiento por el camino recorrido (III) –final- 

“Desde sus inicios, Nomura Ryu ha sido mucho más que una escuela de música; ha sido un hogar, un punto de encuentro para todos aquellos que, ya sea por herencia o por afinidad, sienten el llamado de las raíces okinawenses. A través de la enseñanza dedicada del sanshin ese instrumento tan icónico y con tanta historia, han logrado transmitir no solo melodías, sino también el espíritu, la resiliencia y la profunda belleza de nuestra cultura ancestral. Cada nota que emana de sus instrumentos lleva consigo el eco de las islas, la sabiduría de generaciones y la calidez de un pueblo que ha sabido mantener viva su identidad a pesar de la distancia”.¹

Por María Florencia Zaia
Imágenes: Florencia Iwaoka, Florencia Zaia

Sobre María Florencia Zaia

Nació en Luján, Provincia de Buenos Aires en 1976. Es Licenciada en Relaciones Internacionales. En sus comienzos (2006), se vinculó con Japón por trabajo y estudio. Colaboró con el diario “La Plata Hochi”. Estudia japonés desde hace doce años. Siempre tuvo interés por la cultura japonesa y sus valores virtuosos (Bushido). Gusta de su literatura, algunos de sus autores predilectos son Natsume Soseki y Yoko Ogawa.

Referencias

¹ Palabras de salutación, Sr. Guillermo Sesoko, Presidente del “Centro Okinawense en la Argentina”  (COA), en revista del Programa conmemorativo del “65° Aniversario de Nomura Ryu en la Argentina”, (pág. 10).

Siendo director de cintas como Tokyo.Sora (2002) en la que seguimos a seis mujeres y sus vidas dentro de la Tokio de principio de siglo, Su-ki-da (2005), o cómo va transformándose el vínculo primeramente amoroso entre dos personas desde la juventud hasta la adultez, y Petal Dance (2013), donde dos amigas, junto con una chica que apenas conocen, viajan a ver a una compañera que acaba de intentar suicidarse. Sus películas son una vía para entender cómo funcionan las artes japonesas dentro del alma de alguien que las cuida y externaliza con tanta sabiduría y maestría, pero también una reflexión sobre la alienación, el vacío y cómo construir después del dolor.

Desde Alternativa Nikkei pudimos contactarlo por mail, y accedió a brindarnos una pequeña entrevista escrita. En la misma descubrimos sus influencias y perspectivas, su encuentro con Argentina, sus reflexiones sobre sus obras y una mirada de cara al futuro. El director estaba realmente emocionado por poder llegar a un público en el otro lado del mundo, por ello esperamos que este intercambio sirva para que más gente pueda animarse a descubrir su cine. Quizás un cine oculto, pero con matices de una idiosincrasia japonesa fascinante.

Sin más, los dejamos con la entrevista:

Desde ya muchas gracias por su tiempo e interés por acercarse a la audiencia argentina: ¿Conocía previamente algo sobre el país? ¿Qué siente al ver que su cine es capaz de llegar e interpelar las sensibilidades existentes en la otra punta del mundo, con otras culturas y realidades?

Lo primero que me vino a la mente fue el sonido del bandoneón. Dos personas bailando el tango, moviéndose al ritmo de la música. Un hombre mirando las Cataratas del Iguazú. Estas son la música y los paisajes de Argentina representados en la película Happy Together dirigida por Wong Kar-wai.
Desde el momento en que hice mi primera película, pensé que con subtítulos podría llegar a personas de todo el mundo. Escuchar que la película que hice ha tocado las sensibilidades de personas al otro lado del mundo me ha dado un renovado sentido de alegría al hacer cine.

Abarcando un ámbito más personal sobre su formación como cineasta: ¿Qué influencias autorales lo llevaron a querer realizar películas? ¿Hay alguna cinta o director que lo haya marcado particularmente?

Creo que comenzó con El Padrino y El Gran Escape que vi en la televisión cuando estaba en la escuela primaria. Comencé a trabajar en una productora de publicidad (dirigiendo comerciales de televisión) a los 27 años, y veía películas de manera voraz para aprender a dirigir. Las películas que me influenciaron en ese momento fueron Paisaje en la niebla de Theo Angelopoulos, Faces de John Cassavetes y Un día de verano de Edward Yang. Las películas que tuvieron un gran impacto en mí fueron las películas independientes hechas por autores. También quería hacer películas en un ambiente donde pudiera hacer cine como autor. Después de comenzar a hacer películas, me impresionó profundamente La historia del último crisantemo de Kenji Mizoguchi. Esta película resolvió la difícil tarea de cómo retratar la verdad de las personas en un nivel muy alto. Y fue hecha en 1939.

Metiéndonos un poco más de lleno en su filmografía, es inevitable hablar de Tokyo.Sora (2002). Aquí hace uso del urbanismo para plantear una estética que convierte a la ciudad en un personaje más. Los sueños y la cotidianidad de estas mujeres que la habitan chocan con la inminente soledad alienante, convirtiendo sus deseos de vinculación e individualidad en una realidad de desconexión y búsqueda de cierta identidad. Para usted ¿Hay esperanza en medio de ese vacío? ¿Son, a lo mejor, esas pequeñeces del día a día y su belleza la que nos salvarán de esa despersonalización cuando la masificación nos asfixie del todo?

Empecé a vivir solo en Tokio desde que entré a la universidad. Sentí que el único trabajo al que podría dedicar mi vida era en Tokio. Abandoné la universidad y, tras varios giros, terminé trabajando como director comercial. En Tokyo.Sora, quería retratar la dolorosa realidad de alguien que vive solo en Tokio, con la esperanza de lograr algo. Decidí retratar esa realidad como «la historia de seis chicas viviendo solas en Tokio». Creo que elegí a una mujer como protagonista porque fue una mujer la que señaló algo importante en mi vida. Una persona solitaria que vive con la flexible fortaleza de una mujer y una debilidad que la hace temblar en la dura realidad de Tokio. Sentí que, al conectarse con otra persona, esa persona solitaria podría alcanzar un rayo de esperanza.

La idea de seis mujeres luchando por encontrar su lugar en el mundo es realmente evocadora, su cámara nos hace cómplices de una manera muy humana, sentimos lo que ellas sienten y nos volvemos parte de sus luchas por salir adelante. Director Ishikawa ¿Cómo nace la historia de la película? Y más que nada ¿Cuál es su intencionalidad respecto a los planos, los colores fríos y la música ambiental y tenue al momento de crear su sello cinematográfico?

Escribí las ideas fragmentarias que se me ocurrían en un cuaderno. Eran sobre qué tipo de chica era, qué pasaría y cómo se sentiría con lo que estaba sucediendo. Organicé mis pensamientos escribiendo en un cuaderno solo las cosas con las que pudiera relacionar sus sentimientos. Si el sentido de vida de cada persona es como un punto, entonces el momento en que esos puntos se conectan para formar una línea también es uno de los sentimientos de vivir en la ciudad de Tokio. Escribí en mi cuaderno hasta que pude imaginar cada punto como un punto de contacto, lo que llevó a varias líneas que los conectaban. Eso se convirtió en la historia que quería retratar.
¿Qué es lo que solo esta película puede retratar? Pensé que podría ser algo como «un vago sentimiento de ansiedad sin un futuro claro». Para que todos los actores sintieran eso, elegí no escribirlo en el guion. Esto es para «no mostrar el futuro» a los actores. Ellos se encuentran y hablan con alguien sin saber la historia que les ha sucedido, y sienten emociones que solo pueden sentirse en ese momento. Me dediqué a crear un ambiente de rodaje que preservara eso. Cuando se encuentran con alguien por primera vez en la película, se encuentran con esa persona por primera vez mientras las cámaras están grabando. Las palabras que deben decirse en esa escena se les entregan solo justo antes de filmar. Al hacerlo, se crean las emociones de escuchar esas palabras por primera vez. Quería cuidar esas cosas, por lo que creé un ambiente así.

Creo que los colores fríos son los colores del cielo, las nubes y las calles de la ciudad de Odate, en la prefectura de Akita, en la región de Tohoku, donde pasé mis años más sensibles (de 12 a 14 años). Quería dejar esos colores en la película, así que ajusté los colores en la postproducción. Hay un término en fotografía llamado «temperatura del color», y esto puede ser lo que yo pienso como la «temperatura del color de la soledad». Fue una época en la que sentí la riqueza de conectar con las personas y el dolor de la separación. Creo que por eso elegí ese color. La música añade profundidad y dimensión a las emociones representadas en la escena. Puede delinear más claramente las emociones que se transmiten al espectador. Hice que la compositora Yoko Kanno viera el metraje editado sin efectos, y ella sugirió: «Si estas seis mujeres son como quieres contar ¿Tal vez la música sea como atarlas con un hilo delgado?» Pensé que eso era hermoso.

Creo que es imposible tener una lectura más profunda sobre Petal Dance (2013) sin antes comprender un poco de su esencia atmosférica y no verbal. Existe algo muy sutil y poético a lo largo de todo el film que nos remite a un minimalismo cercano al que maquetaba Yasujirō Ozu en su cine, allí como aquí son los gestos y los diálogos cortos los que componen una identidad que acompaña a sus protagonistas. Por ello le consulto: ¿Cómo se crea un mundo tan íntimo, implícito y complejo que retrate y reflexione sobre la realidad de una manera tan humana y visible? ¿Son las personas, de algún modo y como dice uno de los personajes, como ese viento que existe en su invisibilidad y moldea su entorno?

Esta película, mi tercera, se construyó en torno al título «Petal Dance». En Japón, las flores de cerezo son las más populares, pero nadie puede ver las flores caídas. Sin embargo, la vista de los pétalos dispersos en la carretera bailando en el viento es hermosa. Es una belleza que aligera un poco la tristeza. Esperaba que esa belleza fugaz fuera transmitida a los espectadores. Escribí un guion para esa historia. Hice que los actores leyeran el guion y luego olvidaran sus líneas. Luego, justo antes de filmar, les di una carta en la que escribí sobre lo que quería que sintieran en esa escena, y algunos fragmentos de las palabras que quería que transmitieran. Si era una escena con cuatro personas, escribí una carta diferente para cada persona. Ellos leyeron las cartas y trajeron sus propios sentimientos a la escena, y luego filmamos la escena. Las palabras que la otra persona decía se escuchaban por primera vez ahí, por lo que la reacción y las emociones a esas palabras venían de un lugar cercano al núcleo de la humanidad de la persona. Creí en eso y lo dejé a la sensibilidad de los actores. Creo que porque las palabras transmitían el sentimiento hacia la otra persona, aunque fueran breves, lograron tocar el corazón. Pensé que esta era una forma de preservar la delicada amabilidad que tienen las personas, así que lo hice de esa manera.

Yendo más hacia la temática de la película, me gustaría consultarle sobre su interés en abordar una cuestión tan delicada como el suicidio de una forma tan plena y autoconsciente. Japón es uno de los países con una de las tasas de suicidios más altas del mundo, sin embargo, pocas veces el tópico es abordado centrándose en sus vestigios, de qué manera afecta a los vínculos cercanos y cómo se afronta el devenir cuando el hecho no sucede ¿Cuál es su visión sobre esta realidad social que pone en evidencia a determinadas estructuras arraigadas sobre presiones y expectativas? De algún modo, la cinta funciona como una especie de limbo en el que los sentimientos alrededor de esto afloran y se entienden en el silencio ¿Cree que la sociedad japonesa precisa darle visibilidad a estas cuestiones, que quizás son un poco más tabú, para que las personas dejen de ser vistas como estadísticas y comiencen a ser entendidas como seres sintientes?

Realmente no puedo explicar por qué elegí el tema del suicidio.
«Tal vez ella saltó al mar por su propia voluntad,» «Por eso voy a verla,» «Puede que no pueda hacer nada. No tendré nada inteligente que decir, pero de todas maneras iré a verla.» Quería hacer una road movie sobre personas que eligieron actuar de esta manera. Pensé que retratar a esas personas sería un viaje para descubrir qué es la verdadera amabilidad. Pensé que, al retratar sus luchas página tras página, tal vez podría obtener una respuesta vaga sobre por qué elegí un tema tan delicado.

El suicidio es un tema social tan serio en Japón que rara vez se discute, pero lo vemos en el espacio especial de un cine, donde compartimos el mismo tiempo en una pantalla grande. Creo que este es un desafío que la forma de expresión del cine debe asumir. También creo que, al elegir un desafío, debe ser retratado de manera delicada y cuidadosa.

Por otro lado, en dos de sus cintas y en un cortometraje las protagonistas son mujeres. Sus personajes son complejos y acompañan la narrativa simbólica de la película de una manera sumamente interesante. En ese sentido, para usted ¿Explorar y visibilizar las realidades y las voces de estas mujeres es también darle una identidad que muchas veces la sociedad japonesa les ha negado? ¿Cómo cree que es la realidad de la mujer en Japón? ¿Algo ha cambiado con el tiempo?

Desde que era niño, sentí que podía decir mis verdaderos sentimientos a mis amigas. Incluso si no podía decirles lo que realmente sentía (por ejemplo, «Te amo»). Cuando estoy con una mujer, el tiempo que pasamos juntos se siente más valioso. Lo siento aún más ahora que he crecido y empecé a beber alcohol. Creo que la razón por la que las protagonistas de mis trabajos audiovisuales (CMs, películas) son mujeres es por estas experiencias. En cuanto a las dificultades de la vida, creo que las mujeres son más propensas a enfrentarlas que los hombres. Respeto y admiro a las mujeres que continúan caminando hacia adelante con una actitud resuelta a pesar de esto. Esta es la imagen de la mujer que quiero retratar de manera positiva. La realidad de las mujeres japonesas está cambiando constantemente. Creo que las películas deberían dejar algo como la verdad de un tiempo determinado sobre esa realidad cambiante.

Siguiendo un poco la línea de la pregunta anterior, ha trabajado con grandes actrices como Aoi Miyazaki o Sakura Andō y con la compositora Yoko Kanno ¿Cuál fue su experiencia trabajando con ellas? ¿Tiene, quizás, alguna anécdota para contar?

Ellas me animan. Pueden retratar la expresividad del cine de manera profunda y elevada. Su forma de vivir es brillante y genial. A veces, cada una de sus elecciones decide la dirección que debe tomar la película. Siento que estoy haciendo mi película junto con esas mujeres. Siento un gran significado en poder dejar sus expresiones en forma de película.
No creo que sea correcto contar cada anécdota aquí, lo siento, pero hay muchas cosas que prefiero guardar para mí mismo.

En cuanto al cine japonés moderno: ¿Qué opinión le merece? ¿Tiene algún film o autor que lo haya sorprendido recientemente?

Siento que hay algunas películas japonesas que tienen una grandeza que perdurará durante mucho tiempo. Sentí que «Wheel of Fortune and Fantasy» de Ryusuke Hamaguchi y «All the Long Nights» de Sho Miyake representaron un paso hacia adelante sobre lo que el cine japonés moderno tiene para ofrecer.

Por último, quisiera preguntarle sobre su próxima película: ¿Tiene algún proyecto en mente del que tal vez podamos saber pronto?

Actualmente estoy preparándome para hacer mi próxima película. Pasará un tiempo antes de que pueda revelar los detalles, pero estoy haciendo preparativos para entregar una buena película. Espero que algún día llegue a la gente de Argentina. Por favor, esperen por ella.

Por Fran Parisi
Imágenes: Tower Records

Sobre Fran Parisi                                                             

Nacido en 1997. Actualmente se encuentra estudiando la Tecnicatura Superior en Lengua y Cultura Japonesa en el Instituto Nichia Gakuin. Amante del cine asiático, y en particular del cine japonés, al cuál se acercó mediante las películas de Naomi Kawase y Yasujirō Ozu. Su interés por Japón nace desde pequeño gracias al anime y el manga, lo que sumado a su gusto por la lectura y escritura lo llevaron a querer escribir sobre ello. Algunos de sus directores japoneses preferidos son Kinuyo Tanaka, Hiroshi Shimizu y Naoko Ogigami.

Con Alternativa Nikkei, y gracias a la buena predisposición de la Embajada del Japón en Argentina y de la misma directora, pudimos realizarle una pequeña entrevista. Mediante la cual nos dio su mirada sobre la realidad del rol de la mujer en la industria cinematográfica japonesa, su experiencia en Argentina y su valorización de los trabajos dirigidos por la dupla Mariano Cohn – Gastón Duprat, y en la que también ahondó en sus cintas “Under The Open Sky” (2020) y “Dear Doctor” (2009) y en su experiencia trabajando con actores de la talla de Kōji Yakusho y Meiko Kaji.
Realmente creemos que ha quedado un intercambio interesante, realzando la importancia de ámbitos en los que se pueda difundir y acercar el imaginario fílmico japonés, llegando a nuevas audiencias y brindando voces a autoras que han dejado su sello con su arte, con sus perspectivas y con sus pasiones.
Sin más que decir, los dejamos con la entrevista completa.

Antes que nada, quería agradecerle por su tiempo y darle la bienvenida a Argentina ¿Qué sensaciones tiene por visitar el país? ¿Tuvo tiempo de recorrer y conocer un poco?
Esta ha sido mi primera visita y solo fueron 4 días, pero disfruté muchísimo de mi estadía.
Me emocionó profundamente pasear por las playas de Mar del Plata y comer deliciosos mariscos, carnes y beber ricos vinos. Lo que más me sorprendió fue poder ver de cerca una bandada de lobos marinos. Fue realmente impactante.
La gente de Argentina es amable y cálida, y aunque he asistido a festivales de cine en todo el mundo, es posible que nunca me hayan recibido tan bien al punto de hacerme sentir como si estuviera en mi casa.
Creo que el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata tiene una larga historia y es un festival de cine extremadamente valioso que brinda a la población local la oportunidad de ver muchas películas y cultiva a los cinéfilos más exigentes. Me alegré de que el mismo se desarrollara en un teatro hermoso y de larga data, y fue impresionante ver a tantas personas entre amigos, jóvenes y mayores, reunidos allí para verlo.
Me conmovió darme cuenta de que las películas no son sólo para jóvenes ni tampoco sólo para personas mayores.

Personalmente creo que es muy valioso y enriquecedor que más gente de este lado del mundo pueda conocer más profundamente sus obras y su visión artística. ¿Qué significa para usted que un festival de cine como el de Mar del Plata la tenga en cuenta profesionalmente y desee acercar su cine a nuevas audiencias?
No hay muchas oportunidades de proyectar mis películas en América Latina. Aunque los japoneses tienen afinidad por el fútbol y la música sudamericana, no creo que haya mucho intercambio en el campo del cine. Difícilmente podía imaginarme cómo reaccionaría el pueblo argentino, que se siente distante de mí en muchos aspectos, ante el drama japonés y los temas que en él se discuten.
Sin embargo, cuando yo misma vi películas argentinas en el pasado y fui testigo del drama humano representado en ellas, tuve la experiencia de pensar: «Sorprendentemente no hay diferencias». Las obras de mis directores favoritos Gastón Duprat y Mariano Cohn son ejemplos destacados. Siento una cercanía hacia todas las líneas de diálogo y los movimientos emocionales de los personajes, y siempre siento una sana envidia, deseando poder escribir guiones como este. Creo que las películas pueden achicar rápidamente las diferencias y la distancia entre los países, y también pueden servir como una oportunidad para el diálogo entre personas de diferentes nacionalidades. Lo que más deseo es que mis películas ayuden a la gente a comprender Japón y les ayude a familiarizarse más con él.

Hablemos un poco más sobre Miwa Nishikawa: ¿Cómo nace la vocación por ser cineasta? ¿Cuáles influencias autorales diría que la inspiraron a inmiscuirse en el mundo audiovisual?
No creo que originalmente tuviera la vocación para ser directora de cine. Cuando era asistente de dirección me intimidaba la dureza y la dificultad de estar en el rodaje, y como solo era buena escribiendo, pensé en convertirme en guionista y dejar de filmar, pero el director Hirokazu Kore-eda me dijo “De ser posible intentá dirigir” alentándome a dirigir el primer guión que escribí e hice mi primera película, «Hebi Ichigo (Wild Berry)».
Desde entonces, mi estilo como directora ha sido crear una historia desde el principio y entenderla de pies a cabeza.
Sin embargo, dado que las películas son un esfuerzo colaborativo con otros, creo que lo divertido y la dificultad radica en el proceso de experimentar cada obra y hacerla parte de tu propia sangre y carne. Aún hay muchas cosas que no entiendo y que me resultan difíciles.
Las principales razones por las que quise dedicarme al mundo del cine fueron las primeras películas de Takeshi Kitano, «The Family Game» de Yoshimitsu Morita y » The Graceful Brute» del director Yuzo Kawashima.
Muchas películas japonesas son de bajo presupuesto y de pequeña escala, pero estas películas japonesas me dieron coraje y me di cuenta de que incluso si la escala del trabajo es pequeña, todavía es posible hacer una película que tenga suficiente impacto.

Comenzó su carrera trabajando con Hirokazu Koreeda, con quien posee un vínculo cercano. Quería preguntarle: ¿Qué experiencia se llevó de esos primeros años colaborando con él?

El director Kore-eda escribía el guión a mano, yo lo tipeaba en mi computadora y así aprendí mucho al poder ver el proceso detallado de finalización y revisión del guión. El director Kore-eda es como un mentor para mí, siempre ha sido franco conmigo y me ha tratado como a una igual. Que la originalidad es importante cuando se trata de la expresión cinematográfica; que aunque la historia sea pequeña, el tema siempre refleja una época y una sociedad; y que hay que divertirse haciendo películas, estas ideas forman parte del estilo básico del director Kore-eda y creo haber tomado influencia de esta visión suya.

Under the Open Sky (2020)

Yendo un poco más a su filmografía, en “Under the Open Sky” abarca de una manera profunda y sensible tópicos como la redención y las segundas oportunidades a través de los ojos de una persona que ha conocido sólo cierto tipo de realidad acogedora, una capaz de suplir ciertas carencias emocionales como un sostén familiar y de identidad. A su entender: ¿Qué parte de ese rechazo social, al que se ve sumido en muchos momentos el protagonista, se condice con cierta lógica estructural por invisibilizar la posibilidad de un cambio de rumbo luego de la criminalidad o la vida en prisión? ¿Ve en Japón a un país que busca aislar burocrática y socialmente estas posibilidades de nuevos inicios?
Creo que preguntas tales sobre cómo perciben la sociedad y los ciudadanos a las personas con antecedentes penales y cómo ayudarlas en su rehabilitación son cuestiones difíciles de abordar para cualquier país.
Japón es un país con una tasa de criminalidad relativamente baja y muchas personas tienen un fuerte espíritu respetuoso de la ley y viven sus vidas poniendo énfasis en observar la disciplina.
Sin embargo, por ser un país seguro y disciplinado, también se puede decir que existe un fuerte sentimiento de antipatía y rechazo hacia quienes infringen las reglas.
Creo que hay pocas oportunidades para que los niños y el público en general se tomen el tiempo para pensar detenidamente sobre la rehabilitación de los ex presos.
Creo que mucha gente no quiere atacar abiertamente a ex prisioneros, pero tampoco quiere en lo posible involucrarse con ellos.
Una sociedad que enfatiza «vivir sin problemas» y «vivir sin causar problemas» rechaza el conflicto con los demás, el compartir y la coexistencia con otros que son diferentes. Personalmente siento que vivir en aislamiento, aislados no sólo de delincuentes, sino también de ancianos, niños y personas con discapacidades, hace que los corazones y las vidas de las personas se estrechen, se debiliten y se rompan fácilmente.

Retomando un poco la pregunta anterior, de algún modo son los pequeños actos de personas separadas que creen en Mikami los que logran que él pueda dar pasos firmes hacia una nueva estabilidad: ¿Cree que, más allá del contexto del film, es en esa cercanía de la gente común sobre la que puede construirse una sociedad un poco más amable y tolerante?
Es cierto que apoyaron incondicionalmente el nuevo comienzo de Mikami, pero también se puede decir que sus consejos sobre la «armonía» mataron la «verdadera humanidad» de Mikami.
No se puede decir que consejos tales como no enojarse, hacer la vista gorda y adaptarse a la irracionalidad y la crueldad de la sociedad hagan felices a las personas o a la sociedad en el verdadero sentido de la palabra.
Sin embargo, aparte de eso, las conexiones con las personas (y no sólo con una persona, sino con varias) son un salvavidas que evita que las personas se rindan y tomen acciones descuidadas incluso cuando se enfrentan a situaciones difíciles.
Durante el proceso de entrevista, conocí a ex prisioneros que habían asesinado a alguien y varios me contaron: «Ahora que tengo conexiones con personas que me apoyan en mi vida, no volveré a cometer lo mismo».
Los humanos son criaturas que dependen de las conexiones con los demás y creo que la confianza que los demás depositan en ellos les hace valorar sus propias vidas.

Para esta cinta trabajó con grandes actores que han marcado la historia del cine japonés, como lo son Kōji Yakusho y Meiko Kaji: ¿Cuál fue su experiencia trabajando con ellos? ¿Hay algún momento puntual que recuerde de la filmación?
Yakusho es una persona amable y no se parece a Mikami en absoluto. Sin embargo, siempre se está preparando silenciosamente para su papel y es quien tiene el nivel de concentración más alto. Durante el trabajo, su concentración nunca se rompe. Creo que actuar junto con Yakusho, hace que mejore también la calidad de las actuaciones de los demás actores dentro de ese ritmo de filmación. Hubo muchas ocasiones durante la etapa de edición en las que me di cuenta de que incluso si había momentos en los que el desempeño de las demás personas no iba bien, Yakusho estaba ahí para compensarlo. Él es normalmente tranquilo y de modales apacibles, pero se convierte en Mikami cuando se para frente a la cámara. Todos los días simplemente capturábamos esa transformación con la cámara. Todo el personal y el elenco parecían divertirse al venir al rodaje.
Kaji es una actriz que tiene experiencia trabajando en estudios de cine de la época cuando se manejaban con un estricto sistema de dirección, por lo que fue impresionante que cuando nos conocimos, enfatizó: «Actuaré como el director quiere, así que siéntese libre de decirme lo que quiera.»
Es una actriz realmente informal y amigable que hizo que el personal y el rodaje se sintieran relajados.
Los trabajos de Kaji cuando era más joven son impresionantes por sus papeles impasibles, pero también siento que en esta película fue capaz de expresar su verdadero lado amable y sonriente.

Dear Doctor (2009)

Por otro lado, en “Dear Doctor” nos encontramos con una película que hace foco en la vida rural como un espacio en el que prevalece cierto humanismo cotidiano cada vez más inexistente en la gran ciudad moderna. Le quería consultar, antes que nada ¿Cómo nace la idea de la historia? ¿Qué la llevó a crear un personaje tan ambiguo y cálido a la vez como Osamu?
Un día, había un artículo en un periódico japonés que decía: » Un vecino que todas las semanas solía llevar a personas mayores desde una aldea remota con poco transporte público hacia y desde el hospital fue arrestado después de que se descubriera que estaba en el negocio de los taxis blancos (taxista sin licencia).’ Al principio, el hombre aparentemente les proporcionaba transporte gratis, pero los ancianos empezaron a darle una cierta cantidad de dinero, diciendo que lamentaban pedirle siempre tal favor.
Dejó de dar viajes acatando a una ley que dice que las personas sin licencia no pueden aceptar dinero para transportar personas en sus vehículos. Sin embargo, quedaba aún el problema de cómo irían al hospital los ancianos del pueblo.
A partir de ahí surgió el tema de la desaparición de un falso médico que atiende las necesidades de las personas mayores que viven en un pueblo remoto.
Lo que la gente y sus corazones desean y lo que la sociedad y el gobierno proporcionan correctamente no siempre coinciden.
La atención médica urbana de Japón tiene una amplia gama de opciones y muchas enfermedades ahora se pueden superar. Sin embargo, no se puede decir que la atención médica avanzada realmente haya hecho la vida de las personas más feliz. Debido a que el tema es serio, pensé que el personaje principal tenía que ser un personaje identificable y con mucha humanidad.

De algún modo, la gente del pueblo encontraba cierta armonía en esa interacción con el doctor, llegando al punto de sutil y directamente disfrutar de esa apariencia gentil y profesional a sabiendas de que era una farsa. Dentro de ese razonamiento ¿Siente que a veces importan más los sentimientos que nos unen como comunidad que la realidad racional en sí misma?
A veces lo siento así.
Un mundo lógicamente correcto no necesariamente trae felicidad a las personas.
La sociedad y la vida humana son difíciles porque la vida no mejora simplemente eliminando las cosas que estorban, son ineficientes o incorrectas.
Aunque la racionalidad es necesaria, también creo que conlleva el riesgo de secar silenciosamente nuestras vidas.

Para finalizar, me gustaría conocer un poco acerca de su punto de vista sobre el rol de la mujer en la industria cinematográfica japonesa: ¿Qué directoras le han marcado? ¿Y cuáles películas dirigidas por ellas recomendaría?
Para ser honesta, no crecí influenciada por directoras mujeres.
En el mundo tampoco había muchas, y hasta que fui estudiante, casi no había directoras de cine de ficción en Japón. En Japón, las directoras trabajaban casi exclusivamente en los campos de películas educativas y documentales, y existía la imagen de que si iban a trabajar como escritoras en el campo de la ficción, tendrían que ser guionistas.
Creo que era extremadamente raro que una mujer siguiera trabajando durante mucho tiempo incluso después de haber hecho una película de ficción.
De hecho, incluso antes de debutar como directora, había muchas cineastas talentosas y creo que ellas tuvieron varias pruebas, pero las películas de ficción comerciales era un bastión de los hombres y tampoco se percibía un aire de apoyo a las directoras por parte de la sociedad en su conjunto.
Por eso no pensé que fuera un trabajo para mujeres, y aunque lo hiciera, no pensé que sería un trabajo exitoso.
Entonces, después de lograr convertirme en directora, pensé: «en la que me metí» y pasé la mayor parte de mi vida haciendo del cine mi principal prioridad.
Pensé que si no hacía eso, perdería mi lugar, y supongo que se podría decir que ese fue el caso.
Sin embargo, desde la década de 2000, a medida que los equipos de filmación se volvieron más livianos y baratos, muchas personas han tenido más oportunidades de hacer películas sin tener que pasar por una larga carrera como profesionales, y hoy en día, muchas directoras crean películas utilizando sus propios métodos únicos y el número de personal técnico femenino también ha aumentado.
Creo que cada vez son más los jóvenes que se lanzan al cine sin dudarlo, sin tener el estereotipo de que la producción cinematográfica es algo que está en manos de los hombres.
Sin embargo, todavía no hay avances en la revisión de los presupuestos de producción, las horas de trabajo y los salarios de las películas comerciales profesionales, y es difícil para las mujeres talentosas continuar trabajando o regresar al trabajo incluso después de acontecimientos de la vida como el embarazo, el parto y la crianza de los hijos ya que aún no existe ningún mecanismo que les permita hacerlo.
Muchas mujeres se vieron obligadas a dejar el trabajo cinematográfico porque no podían encontrar un equilibrio en sus vidas, pero nadie discutía seriamente qué se podía hacer para detener este problema.
Incluso yo que no tengo hijos creo que fui una de esas personas que simplemente en silencio ignoraron el asunto.
Sin embargo, el hecho de hacer películas priorizando únicamente la eficiencia ha llegado a su límite.
Si mejoramos la situación aunque sea poco a poco y difundimos la conciencia de que es injusto trabajar en un lugar que no mejora sus condiciones, habrá más cineastas mujeres que podrán seguir haciendo este trabajo durante mucho tiempo y desarrollar sus carreras.
Si eso sucede, creo que los cineastas más jóvenes se verán influenciados por el trabajo de las directoras y se convertirán en nuevos líderes.

Como reflexión final: ¿Cuál es su visión del lugar que ocupa la mujer directora en el cine japonés moderno? ¿Cree que la industria evolucionó positivamente en ese sentido, estos últimos años?
Como mencioné anteriormente, un número significativo de directoras están presentando sus trabajos.
En la sociedad en su conjunto, creo que la gente ya no ve las cosas como «raras».
La otra cosa que queda por verse es si las directoras pueden producir obras que tengan el poder de ser reconocidas por mucha gente.
Sin embargo, independientemente de si son capaces de lograr grandes éxitos comerciales, también es cierto que las directoras tienen muchos puntos de vista diferentes a las películas que se han hecho en el pasado.
En todo el mundo, muchas creadoras están creando obras innovadoras que abordan temas y motivos a gran escala. También espero que las directoras de una generación más joven que yo sigan haciendo películas más agresivas, sin dejarse intimidar y sin encajar en el marco del cine japonés.

Entrevista: Fran Parisi @azylath
Imagen: gentileza Embajada del Japón en Argentina, IMDb, Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

Iwai es una de las grandes mentes del cine japonés moderno, ha marcado una época y un estilo desde que comenzara a hacer películas, allá por la década de los 90. Con Alternatina Nikkei tuvimos la posibilidad de realizarle una pequeña entrevista de manera escrita intercambiando mails. Y desde ya agradecemos la amabilidad y buena predisposición del equipo de Shunji Iwai y del director mismo, y creemos que ha quedado una lectura interesante y enriquecedora.

Sin más para agregar, los dejamos con la entrevista:

Antes que nada quería agradecerle por su tiempo, y consultarle sobre sus influencias autorales: ¿Hay alguna película, serie o libro que haya inspirado al joven Shunji Iwai para embarcarse en el mundo audiovisual?

Hay muchas. Películas japonesas, manga y anime, así como películas extranjeras y dramas televisivos. Desde mis años de jardín de infantes, me han encantado las animaciones de Toei Animation, donde trabajaba Hayao Miyazaki.

En cuanto a su filmografía, una cinta indispensable es sin duda “Love Letter”. Algo que me fascina de este film es cómo logra tomar la cuestión de la pérdida y transformarla en una experiencia sanadora a través de la nostalgia y de los recuerdos ¿Cómo surge este enfoque tan luminoso y a su vez cubierto por ese halo del primer amor? ¿Qué tanto hay de la historia personal de Shunji Iwai en la creación de esta obra?

No tuve las mismas experiencias que la historia, específicamente. Sin embargo, creo que esta obra no podría haberse creado sin las diversas experiencias que viví como estudiante.

Picnic (1996)

En lo personal siempre me resultó original e intrigante la idea del muro como el anclaje por el que transitan los personajes de Picnic, una línea que divide la fantasía de la realidad y que conecta varios mundos entre sí. Sobre todo el relato sobrevuela una mirada profunda sobre las enfermedades mentales y el vacío de vivir sin un propósito en una sociedad que le da la espalda a estas problemáticas. Quería preguntarle ¿Cómo se idea la metáfora del muro? Y por otro lado ¿De qué manera nace el interés por abordar y crear personajes atravesados por estas realidades?

Japón es un país pacífico, pero siento que lo damos por sentado y estamos algo insensibilizados ante ello. En los años 90, hubo un momento en el que sentí que Japón era como un gran hospital y me pregunté qué pasaría si saliera de ese mundo. Eso se convirtió en la idea para esta historia.

All About Lily Chou-Chou (2001)

Hay algo muy interesante en “All About Lily Chou-Chou” que es la exploración de la identidad. Desde un costado comunicacional, y sobre todo abrazando la idea de la globalización sumida en una especie de sueño digital ¿Qué inquietudes le llevaron a reflexionar sobre el peso del internet en la soledad o en las situaciones límite? ¿Cree que de algún modo ese auge de la red, en el mundo de hace 20 años atrás que plantea la película, canalizó una idea de escapismo ya existente en la sociedad japonesa?

Para comenzar, los seres humanos no están satisfechos solo con su entorno inmediato, sino que anhelan información de un mundo completamente diferente. Esta tendencia existió mucho antes de la era de Internet. Por ejemplo, ver partidos de béisbol y fútbol sintiendo felicidad/tristeza e involucrándose emocionalmente con los jugadores, y ver películas/noticias y leer periódicos. Pasamos gran parte de nuestro tiempo en nuestras vidas diarias fascinados por eventos que ocurren en un mundo con el que no nos relacionamos. He tenido el deseo de retratar estos contrastes en las películas desde que estaba en mis veinte años.

Centrándonos un poco más en el aspecto técnico, si hay algo en lo que destaca también “All About Lily Chou-Chou” es en su estética. Lo acompañó en este y en varios de sus proyectos el director de fotografía y operador de cámara Noboru Shinoda, quien ya había colaborado con otros grandes directores como Shinji Sōmai o Isao Yukisada, entre otros ¿Cómo fue trabajar con él? ¿Cómo se crea un mundo audiovisual que transmita de una manera tan sutil y poética problemáticas tangibles y muchas veces tan crudas alrededor de la juventud?

Noboru Shinoda estaba profundamente versado en tipos de película y revelado. También conocía mucho sobre cámaras y lentes y era muy exigente con los filtros. Aunque le encantaban las grúas y los jibs, nunca quiso usar un trípode. No creo que haya tomado una sola foto con un trípode en todo el trabajo que hicimos juntos. En fotografía, le encantaba Hasselblad y me enseñó lo grandioso que era el filme de formato medio. Fue mi mentor en tecnología de cámaras.

A Bride for Rip Van Winkle (2016)

Hay cierta esencia teatral o ficcional en nuestro mundo moderno, casi por inercia nos desenvolvemos de una manera u otra dependiendo del contexto y de las presiones sociales. Dentro de ese marco, una sociedad como la japonesa somete muchas veces esa impostación propia de estos tiempos en una norma fundacional. En “A Bride for Rip Van Winkle” esos arquetipos son expuestos de una manera crítica, sobre todo planteando una vinculación entre las apariencias y el rol de la mujer a través de una lógica patriarcal ¿Cuál es, a su entender, la búsqueda que debe de hacer la juventud para romper un poco con esa rigidez imperante del tradicionalismo? ¿Cree que habrá un punto en el que se pueda despegar de las apariencias y conectar las realidades emocionales de cada uno con los demás de una manera sincera?

Personalmente, no creo que la esencia de la naturaleza humana cambie mucho, aunque puede haber un cambio en las tendencias de los tiempos. Si la esencia cambiara, deberíamos sentir que la Biblia o las Fábulas de Esopo son solo valores antiguos. Los viejos valores pueden ser actualizados por los nuevos, pero entonces podríamos sufrir nuevamente con esos nuevos valores. Es el karma de la humanidad.Nanami y Mashiro son dos mujeres que se empoderan a través de un sistema que las busca categorizar y volver piezas de utilidad para los hombres, quebrando de este modo los mandatos sociales y deconstruyéndolos con sus actos ¿Qué tan importante es para usted transmitir y visibilizar mediante el cine las pequeñas y grandes luchas de estas mujeres?

En un mundo que se considera correcto, Nanami ha perdido su camino, y en un mundo que se considera incorrecto, Nanami ha recuperado su confianza. Quería crear una película en la que el mundo pareciera estar al revés.

Para finalizar, me gustaría conocer un poco sobre su mirada respecto al cine japonés moderno: ¿Cómo cree que cambió desde el momento en el que comenzó a crear películas? ¿Hay algún director o film que recomiende o le guste mucho?

Cuando rodé “Love Letter”, era una época en que las películas extranjeras eran más populares y las películas de mi propio país no tanto. Comparado con eso, creo que ahora vivimos en un tiempo mejor. Kon Ichikawa y Jun Ichikawa… ya han fallecido, pero eran mis directores de cine favoritos cuando era joven. Hay muchos más, pero tal vez te lo cuente en otra ocasión. ¡Jaja!

Entrevista: Fran Parisi @azylath

Photo by Dalong Yang @dalongdalong

Imágenes en la nota: Captura y MUBI

Detrás de varios restaurantes de Buenos Aires se encuentra Quique Yafuso, chef, sushiman, creador de experiencias gastronómicas. Cuando Quique idea un proyecto, lo hace contemplando sabores novedosos, degustados en un entorno que multiplique esa práctica. La carta, el local, el servicio, forman parte de un conjunto orquestado para proveer un plus en el acto cotidiano de comer. Es por eso que ha participado de distintas aperturas, porque el trabajo creativo es lo que le permite mantener una búsqueda constante de las posibilidades de la cocina.

¿Podés comentar sobre tus inicios en la gastronomía? ¿Cuál fue el motivo por el cual incursionaste en este rubro?

Mi primer trabajo en gastronomía fue en Morizono, un restaurante de cocina japonesa ubicado en el microcentro porteño. Esto fue en el año 1995, y yo entré trabajando como mozo, a la par que mantenía mi otro trabajo en una agencia publicitaria en Morón. Ahí conocí lo que es el mundo gastronómico, que si bien es muy absorbente, hubo algo que me gustó. No duré mucho tiempo ahí, pero al año mi hermana me propuso abrir un restaurante de comida japonesa. Ese fue el comienzo de Haiku, que ya lleva casi treinta años funcionando.

Fu King

Ese fue tu primer restaurante, pero tuviste varios a lo largo de todos estos años. ¿Cuáles recordás con más cariño?

Tuve varios locales, con propuestas diferentes. En el año 1999 quisimos abrir un Haiku en Pilar, pero por cuestiones de logística se hacía muy pesado viajar tanto de capital hasta allá. Finalmente ese proyecto se convirtió en Green Bamboo, el primer local de comida vietnamita en el país.

En el 2003 me asocié con mi novia y dos personas más, y abrimos Cavas y Cuevas, que fue el primer restaurante especializado en cavas, champagnes y espumantes en Argentina. Conceptualmente estaba muy bueno, pero duró solo un año. También arme El Quinto, un restaurante de comida asiática en general, que se gestó en 2015. Ahí experimentamos mucho con los sabores, más allá de la cocina japonesa tradicional. Lo diseñó Horacio Gallo, que está detrás de los locales más lindos de la ciudad.

Otro proyecto muy lindo fue Fuking, que lo hicimos como un bar con cocina asiática, más de platos callejeros. Al poco tiempo también fui socio fundador de Enero Costanera, un restaurante grande, pero nos agarró la pandemia y se hizo muy difícil mantener tantos frentes abiertos.

Enero Costanera

¿Cuáles fueron las experiencias más interesantes, atípicas, que fueron moldeando tu carrera?

En 2012 puse un Subway cerca de Haiku, que fue una experiencia atípica dentro del rubro para mi. Me ayudó a ver la gastronomía desde otro lugar, porque era un local más enfocado en el volumen, en la estandarización de los procesos. Pero creo que lo más disruptivo fue atravesar la pandemia, porque más allá de toda la cuestión de cubrir costos, y todo lo que conllevó ese periodo para el rubro, me volvió a conectar con la esencia de la gastronomía. La atención, el agasajo, el servicio, tiene que ver con el contacto directo con los clientes. En ese momento éramos dos personas en el restaurante, un motoquero y yo. Entre los dos hacíamos todo, porque éramos los únicos que teníamos permiso para circular por capital.

Otra experiencia muy buena fue haber dado clases de sushi en Mausi Sebess, que era de las escuelas más fuertes de cocina en ese momento.

Shimada Omakase

¿En qué sabores, platos, o conceptos estás indagando ahora?

En este momento estoy trabajando en una idea que tengo hace mucho tiempo, pero recién ahora se están dando las condiciones para llevarla a cabo. Quiero desarrollar, conceptualmente, una cocina nikkei de identidad argentina. Ya existe la cocina nikkei en otros países, como Perú, Brasil o México, que lograron fusionar con éxito lo japonés con lo local, pero no creo que en Argentina se haya logrado todavía.

Quique Yafuso es dueño de Haiku Sushi Bar, Shimada Omakase y Mondongo y Coliflor Cantina. En el mes de julio estará dando una clase magistral de sushi en el Centro Daiwa, Pasaje Albania 4507 (CABA)  @centro.daiwa

> Haiku Sushi. Franklin D. Roosevelt 1806 (CABA)

> Shimada Omakase. Franklin D. Roosevelt 1806 (CABA)

> Mondongo y Coliflor Cantina. Esquina Saraza, Del Barco Centenera 1698 (CABA)

Nota: Manuela Trejo Arakaki

Ph: Gentileza Quique Yafuso

A través del cristal se reflejan las siluetas de  Cristina y su esposo. Quizás, ella apoyando una caja con delicias de chocolate sobre un papel a lunares del color de unos rayos de oro que se asoman como un sol después de ochenta y ocho otoños. Sus manos lo envolverán con la misma perfección y mimo como si se tratara de un obento –vianda de comida- preparado para su hija. Su marido, tal vez, con una pinza en la mano, abrirá la vitrina donde yacen los tesoros de chocolate con leche, con whisky, rellenos con ciruelas, de chocolate blanco y los colocará como esmeraldas, rubíes y zafiros en una caja en forma de corazón.

La atmósfera de la tienda es como si uno retrocediera a la década de los setenta u ochenta: estanterías a la vista donde los bombones y sus sabores se muestran como el monte Fuji, en todo su esplendor, un día sin niebla. La decoración es austera pero muestra su elegancia con disimulo, un refinamiento que pareciera querer mantenerse oculto, y por eso conserva su encanto.

Cristina, como si abriera el arcón de los recuerdos, nos contó la historia de la bombonería  “El Crisantemo”, las dificultades y satisfacciones que como Matsuo Bashō encontró en el camino, los valores virtuosos transmitidos por sus antepasados y ella junto a su marido, a sus hijos, los clientes que a través del tiempo continúan visitando la tienda, los sabores de sus bombones y qué significado tiene ese bocadito de chocolate.

1. ¿Podría contarnos brevemente la historia de la bombonería “El Crisantemo”?

La bombonería fue fundada por mi tío abuelo Iwao Fukushima en 1935 después de muchos años de trabajar en distintos rubros desde su llegada a Buenos Aires. Tiempo después como necesitaba ayuda con el negocio pidió que viniera su sobrino Daiko Fukushima quien con 17 años se vino solo de Kumamoto para trabajar con él.  Iwao se mantuvo soltero y Daiko se casó con Asano con quien tuvo 3 hijos María Cristina (yo), Jorge Guillermo (fallecido en 2007)  y Ana María.

2. ¿Cuáles fueron las dificultades y satisfacciones que se han encontrado en este largo camino?

Los primeros años del abuelo Iwao fueron muy difíciles como para todos los inmigrantes extranjeros, y creo que lo que más les costaba era el idioma, especialmente a los japoneses.

Trabajó muy duro y a través de los años fueron mejorando sus condiciones de trabajo.

Después pudo abrir una pequeña bombonería y mientras el atendía al público, mi papá Daiko hacía las entregas a domicilio con la bici sin conocer el idioma ni el nombre de las calles de Buenos Aires. Con el tiempo se volvió un experto.

Mi mamá Asano se casó con Daiko por poder, como hacían muchos japoneses en esa época y llegó a Buenos Aires después de un larguísimo viaje en barco junto a otras japonesas en su misma situación, donde hizo amigas para toda la vida.

Los tres trabajaron mucho en el nuevo local al que se pudieron mudar, en el domicilio actual,  12 horas diarias descansando los domingos.

Tanto trabajo dio sus frutos ya que pudimos tener una excelente educación, veranear en la costa y disfrutar más de la familia ajustando las horas laborables.

3. Cuando fui a comprar bombones noté ciertos valores virtuosos como la humildad y el respeto a la hora de atender, sencillez y elegancia austera del local, sabor refinado y exquisito de sus bombones, ¿Qué opinión le merece esto?

Me alegra mucho que hayas captado nuestra esencia como descendientes de japoneses, y esos mismos valores esperamos haber transmitido a nuestros hijos.

4. Los bombones se suelen regalar para celebraciones varias como cumpleaños, el “Día de la madre”, el “Día del padre”, etc. ¿Por qué es especial regalar bombones?

Me acuerdo cuando era joven atendía hombres que venían con un ramo de flores en una mano y complementaban con una caja de bombones. Y yo pensaba qué romántico!

Ahora se regala bombones por muchos motivos no solo en fechas especiales sino como agradecimiento, para levantarle el ánimo a un ser querido, para felicitarle por algún logro, para demostrarle a alguien que lo aprecias, siempre vas a hacer sonreir y alegrar el día a esa persona que los recibe.

5. ¿Cómo describiría al cliente que elige comprar en la bombonería “El Crisantemo”?

La gran mayoría de nuestros clientes son hij@s, niet@s e incluso bisniet@s de nuestros primeros clientes que mantienen la tradición de regalar bombones de El Crisantemo. Y muchos los llevan de viaje para sus hijos emigrados a Europa o Estados Unidos.

6. ¿Qué bombones hay y cuáles son los que más gustan?

Tenemos alrededor de 40 variedades de bombones de chocolate, 10 variedades de bombones de fruta glaseados y 10 variedades de fruta azucarados.

Los que más gustan por supuesto son los rellenos de dulce de leche, hay 7 variedades en este momento, en chocolate con leche, semiamargo y blanco, con dulce de leche solo, con cookies, con ciruela, con whisky. Otros preferidos son los rellenos de menta y las flores de chocolate, ideales para una atención pero la mayoría prefiere llevar surtidos cuando se trata de regalar. También los pueden elegir a su gusto cuando ya saben qué llevar o a quién les están regalando, ya vienen con una “lista de gustos” en la cabeza para esa persona especial.

7. Además, elaboran marróns glacés, ¿No es cierto?

Si, también tenemos marróns glacés no recuerdo bien desde cuándo pero recuerdo que mi papá los hacía y yo los envolvía desde chica. Los clientes me llaman por teléfono y me los encargan al menos una hora antes y se los tengo  listos cuando pasan. Como se conservan en frío así arreglamos con el cliente para que pueda llevarlos directamente a su heladera.

8. En el espacio físico de la bombonería se puede percibir una atmósfera retro o de “Tiempos del pasado”, no le parece? Creo que esto es característico del local y muy bonito; se puede sentir un pasado nostálgico.

Es verdad, la mayoría de los clientes perciben lo mismo, les trae recuerdos de cuando venían con la mamá o el papá, el abuelo o la abuela, suegr@s, lo que da pie a unas charlas muy interesantes y divertidas. Una clienta nos comentaba que hasta se acordó de cosas que había olvidado cuando la abuela solía traerla después del colegio para comprar bombones… esta señora ya tiene nietos así que fue hace  muuuchos años, fue divertido. A mi me encanta porque también recuerdo cosas o situaciones que casi tenía olvidadas. También les traen recuerdos l@s que perdieron a su pareja pero siguen su tradición de regalar bombones de acá  y recordar cuando venían juntos.

El ambiente retro como bien decís atrae también a los jóvenes,  estudiantes de diseño vienen cada tanto a sacar fotos y comentaron que les costó encontrar negocios antiguos que no hayan sido totalmente reformados.

La remodelación de nuestro local se hizo en la década del 70 y tratamos de mantener la misma atmósfera que la gente aprecia mucho porque no se ven muchos negocios que tengan tanta antigüedad.

9. En Japón es muy común que haya tiendas con más de 100 años de historia, se llaman 老舗店 –Shiniseten– y es sinónimo de orgullo generacional mantener un establecimiento familiar por mucho tiempo. Creo que esto también está relacionado con las virtudes de las que hablé en la pregunta tres. En este caso podrían ser el respeto, la confianza, el nombre a través del tiempo, sinónimo de calidad, etc.

Nuestro negocio tiene 88 años de antigüedad, empezó mi abuelo, siguieron mi papá con mi mamá, y ahora nosotros con mi marido Alfredo y mi hijo Federico, ojala lleguemos a los 100. Nos da mucho orgullo más que nada porque los clientes nos felicitan y nos alientan a seguir. Lo más importante para nosotros es generar confianza en el cliente atendiéndolo con respeto y ofreciéndole calidad para que ese cliente siempre vuelva.

10. ¿Podría definir usted qué es un bombón y que se siente a la hora de compartirlo y comerlo?

Es un trocito de chocolate que se puede rellenar con infinidad de gustos riquísimos o sea que en cuestión de bombones hay para todos los gustos. El que lleva bombones quiere agradecer, agasajar, festejar o simplemente compartir con amigos, también para cuando un@ mism@ está bajoneado, el chocolate levanta el ánimo!!

Muchas gracias Cristina y esposo !

Nota: M. Florencia Zaia
: Florencia Iwaoka @iwimotion

María Florencia Zaia: Nació en Luján, pcia. de Buenos Aires en 1976. Es Licenciada en Relaciones Internacionales. En sus comienzos (2006), se vinculó con Japón por trabajo y estudio. Colaboró con el diario “La Plata Hochi”. Estudió japonés por muchos años en el Instituto Privado Argentino-Japonés Nichia Gakuin. Siempre tuvo interés por la cultura japonesa y sus valores virtuosos (Bushido). Gusta de su literatura, algunos de sus autores predilectos son Natsume Soseki y Yoko Ogawa.

El sábado 25 de noviembre Ryukyukoku Matsuridaiko Argentina, cumplió veinticinco años y lo celebró con un espectáculo en el Teatro Nacional Sancor Seguros. Este evento contó con los siguientes auspiciantes: Centro Cultural e Informativo de la Embajada del Japón en la Argentina, Agencia de Cooperación Internacional del Japón (JICA), Centro Okinawense de la Argentina (COA), y como sponsor la Fundación Cultural Argentino-Japonesa –Jardín Japonés- en el marco del establecimiento del 125° Aniversario de las relaciones diplomáticas entre ambos países.

El evento fue enriquecedor en muchos aspectos. En la división del programa del espectáculo: “Toki no Nagare”, se detalla la evolución del grupo desde sus orígenes hasta la actualidad, y la participación de las otras agrupaciones invitadas. El sonido de los instrumentos, el colorido de los vestuarios y las banderas, las sonrisas, el disfrute no sólo del público, sino de los grupos, arriba del escenario, la energía de un todo.

Se entrevistó al Director de la filial de Buenos Aires de Ryukyukoku Matsuridaiko Argentina, Sr. Matías Asato y a continuación se detallan las respuestas.

1. ¿Si tuviera que hacer un balance de estos veinticinco años de existencia qué diría? 

Los veinticinco años fueron muy satisfactorios para el grupo. Cuando empezamos a organizar este evento tratamos de invitar a la mayoría de las personas que han pasado en algún momento por Matsuridaiko, llegamos a contar que más de quinientos jóvenes estuvieron en el grupo. Actualmente estamos teniendo entre cien y ciento veinte personas, de miembros activos actuales. Con lo cual, la historia de  Matsuridaiko es muy rica también por la cantidad de personas que han podido integrarlo. El aniversario fue la culminación, como para poder cerrar y poder celebrarlo en conjunto, desde los miembros fundadores, personas que estuvieron hace quince, veinte años, con los miembros actuales, así que todos juntos pudimos celebrarlo y la verdad es que fue una alegría.

2. ¿Podría enumerar los valores que usted cree que están presentes dentro del grupo? Con valores me refiero a  virtudes como compañerismo, trabajo en equipo, amistad sincera, etc. 

Primero el grupo, después el compañero, después yo. Te doy un ejemplo, nosotros siempre hacemos presentaciones, por ahí vamos a tocar en algún lugar y lo que siempre buscamos es que esa presentaciones que primero sea el grupo, después el compañero, y después yo ¿Por qué no yo primero? Porque si empezamos a practicar la individualidad en todo, van a decir «Hay, quiero tocar este tema», «Quiero tocar con este color uniforme y no con este otro», etc. todo lo que hacemos está en primer lugar el grupo.

En el caso de las prácticas, nosotros las hacemos los domingos de tres a siete de la tarde, entonces para que nosotros podamos arrancar a practicar a las tres de la tarde, hay alguien que tuvo que haber llegado primero, abrió el lugar donde ensayamos, sacado el equipo de audio, hay mucha gente que trabajó detrás para que nosotros podamos ensayar. Lo mismo cuando cerramos, guardamos los taikos, el equipo de audio; primero se guarda lo del grupo y después agarro mi mochila, y me cambio, etc.

Yo creo que ese es el valor principal que ha tenido el grupo.

3. En cuanto al espectáculo ¿Podría explicar brevemente los distintos trajes coloridos que usan? Durante el espectáculo se pudo ver que cambiaban los trajes y los mismos eran de diferentes colores. 

El tema de los trajes tiene que ver principalmente con el instrumento que se toca. Hay casacas negras, azules, rojas y verdes y se combinan con hachimakis, obi o saji rojos, azules, negros con dorado, y fucsia.

4. Pudieron venir agrupaciones del Ryukyukoku Matsuridaiko de Brasil, Bolivia, Perú, México y de Estados Unidos, me imagino que eso los pudo muy contentos. 

Si, la verdad que nos alegró un montón recibir la visita de tantas filiales del exterior. Matsuridaiko, la central está en Okinawa y tiene ochenta filiales alrededor del mundo. Cada vez que hay algún aniversario o celebración especial, siempre se abren las puertas a otros grupos para que puedan acompañar. Así como nosotros también tuvimos la suerte de viajar a otros países, la mayoría, te diría. En esta oportunidad vinieron de Brasil, Bolivia, Perú, México y de Estados Unidos.

5. ¿Cuál será el próximo sueño del grupo? ¿Han ido a tocar a Japón? 

Siempre buscamos presentar eventos más grandes, o con distintas características en escena para mostrar. Quizás sea muy pronto para pensar en un próximo evento con esta magnitud, pero si está mi deseo personal para que miembros de Matsuridaiko Argentina puedan tener la oportunidad de viajar al exterior y compartir prácticas y eventos con muchas filiales.

En mi caso he podido estar en Okinawa en el año 2016, y estuve dos veces en los Estados Unidos, en la filial de Los Ángeles. Tener la experiencia de recibir miembros del exterior y que nosotros también podamos viajar, nos enriquece como filial Argentina.

6. ¿Qué opinión le merece el resultado del espectáculo del sábado 25 de noviembre? 

Muy contentos de haber recibido filiales del exterior. La repercusión que tuvo el espectáculo con la gente. Nosotros no esperábamos que en diez días se hayan agotado el cincuenta o sesenta por ciento de las localidades.

Estamos muy contentos, tantos al nivel del público, de las filiales que vinieron del exterior, fue una celebración completa.

María Florencia Zaia: Nació en Luján, pcia. de Buenos Aires en 1976. Es Licenciada en Relaciones Internacionales. En sus comienzos (2006), se vinculó con Japón por trabajo y estudio. Colaboró con el diario “La Plata Hochi”. Estudió japonés por muchos años en el Instituto Privado Argentino-Japonés Nichia Gakuin. Siempre tuvo interés por la cultura japonesa y sus valores virtuosos (Bushido). Gusta de su literatura, algunos de sus autores predilectos son Natsume Soseki y Yoko Ogawa.

En una alocución traducida por Verónica Penelas, la Dra. Kuroda se explayó sobre cuatro ejes:

Las consecuencias del rápido desarrollo en ciencia y tecnología; los urgentes problemas ambientales que enfrenta el planeta; ciencia y legislación; y capacitación de recursos humanos en ciencia y tecnología.

Para la Doctora el desarrollo tán rápido de la ciencia y la tecnología en estas últimas décadas crea «Luces y sombras» en el tejido de la sociedad que merecen nuestra atención y trabajo.

No sólo hablando de la ciencia dura, la que se estudia en laboratorios, sino también aquella que afecta directa y cotidianamente a las personas. Hace menos de 10 años el uso del GPS no estaba tan difundido y arraigado, por ejemplo.

Con críticas, luces, sombras, sospechas y reticencias la ciencia y la tecnología son la herramienta clave que tiene el Ser Humano para resolverlo todo.

Es por eso que la colaboración de la Comunidad Internacional es urgente para actuar de forma conjunta; entre ciencia, tecnología, sociedad y política, justamente, para resolver ciertas cuestiones como la desigualdad, hambre, enfermedades, pobreza, cualquier problema que necesite resolver el Ser Humano.

La Doctora Reiko Kuroda propone entonces, crear un standar científico entre Funcionarios políticos (Decition makers) y la ciudadanía. Para que ambos sepan y entiendan cúales son los límites de la ciencia y la tecnología que los afecta día a día, o que pueda afectarlos en un futuro.

Para eso, ella propone su programa de Entrenamiento de Intérpretes de Ciencia, que resume en la entrevista exclusiva que le hizo Alternativa Nikkei en este VIDEO.

Cobertura, entrevista y video por Octavio Sosa.

Agradecimientos a la Embajada del Japón en la Argentina.

Sobre Octavio Sosa Luna

Es Locutor de Radio y televisión, egresado del Instituto Superior de Enseñanza Radiofónica (ISER) y Productor integral de radio, egresado de ETER. Oriundo de Mar del Plata, comenzó a interesarse en la cultura japonesa a través del animé, entre otras cosas.

Este Butai se basa en la técnica japonesa del Kamishibai, que como Fernando comentó durante la entrevista, se trata de una técnica desarrollada aproximadamente en el siglo XVIII donde los monjes utilizaban pergaminos que combinaban imágenes con texto para contar historias a sus audiencias.

Lo novedoso de Teatros Hauska es que adoptan esta técnica pero utilizan variedad de herramientas integradas en el mismo teatro “portátil”.

“Son una herramienta educativa, pedagogía y didáctica con infinidad de propuestas para docentes, bibliotecarios, niños, familias y todo entusiasta de la narración, ya sea para disfrutar de un momento de imaginación y asombro o  para utilizar los cuentos y la narración como herramienta de trabajo”, comenta Fernando.

En esta entrevista de Alternativa Nikkei les acercamos más acerca del trabajo y creatividad de Teatros Hauska.

¿En qué se inspiró para desarrollar este emprendimiento?

Mi inspiración surgió cuando tuve la oportunidad de asistir a un mágico y hermoso espectáculo llamado “Lucia en Kamishibai” de la narradora Carmen Kohan. Fue un impacto muy lindo que tuvo su broche cuando en la escuela de mis hijos volví a encontrarme con otro butai.

A partir de ese momento decidí buscar información y luego realicé talleres de capacitación específica sobre el tema. En algún momento todos esos estímulos maduraron y me motivaron para hacer un diseño y prototipo de un butai con accesorios para integrar las técnicas antes mencionadas. Mi experiencia en carpintería me ayudó y así comencé.

Todos los comentarios e inquietudes que me fueron presentando dieron forma a la actual propuesta de Teatros para Cuentos Hauska.

¿Para qué se puede utilizar el Teatro para Cuentos?

 Para trabajar la lectura, la escritura, la oralidad y la escucha. También para integrar las artes plásticas en las ilustraciones y las manualidades en las técnicas de títeres y sombras.

¿Qué lo diferencia de otro medio para contar cuentos?  ¿Qué lo hace único?

Es un elemento único para lograr el kyokan, esa unión entre las tres partes que lo componen: narrador, obra y espectador.

“El Teatro para Cuentos es una ventana que conecta el mágico mundo de los cuentos con el mundo real” (Fernando Arbizu, de Teatros Hauska)

¿Lo pensó también para usar en los colegios?

 Sí, actualmente su uso es cada día más incorporado en la educación. Es una excelente herramienta pedagógica. De una forma muy agradable invita y motiva a escuchar y al mismo tiempo a realizar narraciones y lecturas.

En las escuelas se utiliza tanto en el ciclo inicial (1º a 3º grado) como en el segundo ciclo (de 4º a 7º grado). En los primeros grados, los niños disfrutan escuchando e imaginando a la voz de un narrador y su obra; y en los grados superiores invita a los chicos a preparar y realizar narraciones y lecturas para los más pequeños. Es muy integrador.

¿Cómo se relaciona con Japón?

 El origen del butai y del kamishibai es propio de Japón. Su desarrollo y crecimiento tuvo un momento muy importante en la década del 20. A la Argentina llegó directo desde Japón y su difusión comenzó, hace muchos años, desde La Fundación Cultural Argentino Japonesa con la Profesora en Letras Amalia Sato.

¿Cómo construís los teatros?

 Artesanalmente. Cuando realicé mi primer diseño, tuve una disyuntiva con el tema del tamaño de láminas  entre respetar las medidas originales (esto repercute en las medidas del butai) o facilitar el uso popular del butai utilizando los formatos de hojas A4 y A3.

El tamaño original de las hojas no es una medida tan difundida en argentina y eso dificultaría conseguir las hojas necesarias para que cada uno pueda hacer su propio cuento e ilustraciones.

Como el Teatro para Cuentos es una gran invitación a las artes plásticas, en dibujos y sombras, y manualidades en títeres, decidí hacerlos para hojas tamaño A4 (210 x 297 mm) y tamaño A3 (297 x 420 mm).

Como dije, la fabricación es artesanal y en el momento de la construcción me esfuerzo en lograr diseños y detalles amables al uso y a la vista, usando los mejores materiales que se consiguen en Argentina.

Los 3 ejes de Teatros Hauska

Como explicó Fernando, el emprendimiento de Teatros Hauska se basa en tres ejes:

Eje uno: El material físico del teatro y todos sus accesorios que sirven para ampliar su uso y presencia en el momento de narrar un cuento o historia.

Eje dos: El contenido propuesto del material a narrar es todo aquel que sirva para el crecimiento y desarrollo interno de todos los participantes, tanto narradores como del público presente; por su interés en esparcimiento como por participación en las aulas y bibliotecas de las escuelas.

También fomentamos la edición y diseño de contenido de autores independientes como editoriales que también tienen interés de abordar con sus obras estas técnicas y disciplinas.

Actualmente ya existe la primera colección de 4 cuentos en kamishibai registrada con el nombre de “Cuentos que pegan y despegan” de Ediciones Taka Taka, dedicada exclusivamente a cuentos en kamishibai. Son cuentos en prosa y poesía.  Además de esta colección tienen otros títulos publicados.

Eje tres: La capacitación en el uso del material físico como en el desarrollo de las distintas técnicas como narración, lectura, títeres, sombras, kamishibai, franelógrafos y pizarras.

Actualmente con el Narrador Gustavo Pintos (Khapu) estamos trabajando para brindar un curso de capacitación específico para docentes y bibliotecarios.

¡Agradecemos a Fernando Arbizu y Cecilia Venier por la entrevista!

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