La sala se llenó de fans, aplausos, emoción y muchas umamusume —o “señoritas caballitas”, para decirlo con cariño— reunidas para vivir una experiencia que fue mucho más que ver una película. En 2026, año del Caballo de Fuego en el horóscopo oriental, la llegada de esta historia a los cines pareció tener una coincidencia perfecta. Casualidad o destino, las carreras llegaron en el momento justo.

La película, que se estrena en Latinoamérica el 14 de mayo, tuvo una previa cargada de entusiasmo. No era simplemente “vamos al cine”. Era más bien: vamos a alentar, sufrir, emocionarnos y celebrar cada carrera como si estuviéramos en la recta final de un Gran Premio.

Hubo aplausos durante las escenas más intensas, comentarios cómplices entre fans, reencuentros de chicas que no se veían desde la sesión del Hipódromo o desde la última JJ, y una presencia notable de cosplayers que llevaron fuera de la pantalla a las queridas chicas-caballo.

Porque en el mundo de Umamusume, correr no es solo correr. Es entrenar, caerse, levantarse, competir, cantar y perseguir un sueño con la determinación de quien no piensa aflojar ni en la última curva.

La historia sigue a Jungle Pocket, una joven umamusume que entrena para convertirse en la mejor corredora y competir en la exigente serie Classic Triple Crown, tres carreras que solo pueden disputarse una vez en la vida. Pero el camino no será sencillo: frente a ella aparecen rivales de enorme talento como Agnes Tachyon, una figura casi imposible de vencer, además de Manhattan Cafe y Dantsu Flame, cada una con su propia ambición, estilo y fuerza emocional.

Lo interesante es que varios de esos personajes también estaban presentes entre el público, gracias a las fans disfrazadas con orejas, colas, uniformes y detalles muy cuidados. El resultado fue una mezcla perfecta entre cine, evento otaku, encuentro de comunidad y pequeña fiesta ecuestre-pop.

Japón inventó muchas cosas raras y maravillosas; esta vez nos regaló chicas-caballo que hacen llorar al público en una sala de cine. Y funciona.

La franquicia UMAMUSUME: PRETTY DERBY, nacida del exitoso videojuego de Cygames, combina carreras de alta velocidad, estética idol, entrenamiento deportivo, rivalidades intensas y conciertos después de la victoria. Es una fórmula que, explicada en frío, puede sonar imposible; pero basta verla en pantalla para entender por qué genera tanta pasión.

La película se destaca por sus secuencias de carrera espectaculares, una animación de alto nivel y un ritmo emocional que conecta tanto con quienes ya conocen la saga como con quienes se acercan por primera vez. Algunos fans llegaron preparados: habían jugado al videojuego o seguido las series anteriores. Eso se notaba en la sala, donde cada aparición, cada gesto y cada carrera eran recibidos con emoción.

Ver a Pocket correr en pantalla grande es otra cosa. Se siente la velocidad, se vive la tensión y se comparte la experiencia con una comunidad que no mira en silencio: acompaña, alienta y celebra.

En resumen: 10/10. No la pierdan. Y quién sabe: tal vez también encuentren a una umamusume sentada al lado de su butaca.

Quien escribe ha asistido a varias avant-premières, pero esta tuvo algo único. Además de la energía fan, hubo un detalle especialmente lindo: algunas chicas se emocionaron al conocer a una “japonesa de verdad” por primera vez y contaron que estudiaban japonés y desean ir a Japón para aprender el diseño de indumentaria. Muchas incluso cantaban en japonés con muy buena dicción y mucho sentimiento.

Fue una muestra preciosa de cómo el anime también crea puentes culturales. A veces, una película no sólo reúne espectadores: también abre conversaciones, despierta vocaciones y une mundos que parecían lejanos.
La hayas visto antes o sea tu primer contacto con este universo, UMAMUSUME: PRETTY DERBY – The Beginning of a New Era es una experiencia totalmente recomendable.

Nunca tantas umas reunidas en un cine tuvieron tanto sentido.

Ficha técnica
Título: UMAMUSUME: PRETTY DERBY – The Beginning of a New Era
Título original: Umamusume Puritî Dâbî: Shinjidai no Tobira
País: Japón
Género: Anime / deporte / drama
Duración: 107 minutos
Dirección: Ken Yamamoto
Voces: Yuri Fujimoto como Jungle Pocket; Sumire Uesaka como Agnes Tachyon
Versión: Subtitulada al español
Estreno en Latinoamérica: 14 de mayo
Preventa: Disponible
youtube.com/watch?v=MKfgE-Z8ddQ&feature=youtu.be

La energía de la sala también quedó registrada en varios videos y fotos compartidos por los fans.
https://www.instagram.com/p/DYPx0hExwe4/?hl=es
https://www.instagram.com/p/DYPuccnuxQ9/
https://www.instagram.com/p/DYO7mLFSeP_/
https://www.instagram.com/p/DYPKaxLuUtq/?hl=es

Desde el teatro del siglo XVIII hasta la narrativa del Japón moderno, la muerte no solo aparece como final trágico, sino como una decisión cargada de sentido estético, moral y cultural. El shinjū 心中 -el doble suicidio por amor- y el seppuku 切腹 -el suicidio ritual asociado al honor- funcionan como dos caras de una misma pregunta: ¿por qué morir puede ser, también, una forma de afirmar la vida?

Este recorrido va desde el dramaturgo Chikamatsu Monzaemon hasta el controvertido escritor Yukio Mishima, dos autores separados por siglos, pero unidos por una misma obsesión: la estética de la muerte.

Morir por amor: la tragedia en el Japón del período Edo

A comienzos del siglo XVIII, en pleno período Edo, Japón vivía una etapa de estabilidad política y florecimiento cultural. En ese contexto, Chikamatsu Monzaemon escribió una de las obras más impactantes del teatro japonés: Los amantes suicidas de Sonezaki.

La historia, basada en hechos reales, narra el destino de Tokubei, un joven comerciante, y Ohatsu, una cortesana. Ambos están enamorados, pero su relación es imposible. Las presiones sociales, las deudas y la deshonra los empujan hacia una decisión irreversible: morir juntos.

El conflicto central no es solo romántico. Responde a una tensión profundamente japonesa: el choque entre el giri 義理 (deber social) y el ninjō 人情 (sentimientos personales). En una sociedad donde el honor y la obligación están por encima del individuo, amar puede convertirse en un acto de rebeldía.

El suicidio, entonces, aparece como una salida. No solo para estar juntos en la muerte, sino para escapar de una vida donde ese amor no tiene lugar.

La obra tuvo tal impacto que generó un fenómeno inquietante: parejas reales comenzaron a imitar a los personajes. El teatro dejó de ser representación para convertirse en inspiración directa de la tragedia. Tanto fue así que, en 1723, estas historias fueron prohibidas.

Del amor al honor: la transformación en el Japón moderno

Más de dos siglos después, la mirada sobre la muerte cambia radicalmente.

En Patriotismo, de Yukio Mishima, el doble suicidio ya no responde a un amor prohibido. El teniente Takeyama y su esposa Reiko no enfrentan obstáculos para estar juntos. Su relación es plena, intensa, incluso ideal.

Sin embargo, el conflicto aparece en otro plano: la lealtad.

La historia se sitúa tras el fallido golpe militar del 26 de febrero de 1936. El teniente recibe la orden de actuar contra compañeros rebeldes. Incapaz de traicionar sus convicciones y su idea del honor, decide quitarse la vida mediante seppuku. Su esposa, fiel a su rol, lo sigue.

Aquí, la muerte ya no es una fuga romántica. Es un acto político y simbólico.

Mishima lleva esta idea al extremo no solo en la ficción, sino en su propia vida. En 1970, tras un intento fallido de incitar a las Fuerzas de Autodefensa a restaurar el poder imperial, el autor se suicidó mediante seppuku. Su obra y su muerte quedaron, así, inseparablemente unidas.

Dos formas de morir, una misma estética

Aunque las historias de Chikamatsu y Mishima parecen opuestas, comparten un núcleo común: la muerte como acto significativo.

En el Japón del período Edo, el suicidio por amor surge como respuesta a una sociedad que no permite la libertad individual. En el Japón del siglo XX, el suicidio ritual responde a la pérdida de valores tradicionales y a la búsqueda de un ideal de honor.

En ambos casos, morir no es simplemente desaparecer. Es una forma de resolver un conflicto que la vida no puede.

Cuando la ficción se vuelve realidad

El shinjū y el seppuku no son solo recursos literarios. Han sido prácticas reales, profundamente arraigadas en la historia japonesa. La literatura, lejos de inventarlas, las refleja, las amplifica y, en algunos casos, las legitima.

Estas historias incomodan, fascinan y generan preguntas que siguen vigentes:
¿hasta qué punto una sociedad puede condicionar la vida individual?
¿Dónde termina el amor y empieza la obligación?
¿Puede la muerte ser, alguna vez, una elección estética?

Tal vez por eso, estas narraciones siguen resonando siglos después. Porque, en el fondo, hablan de algo universal: el intento humano de encontrar sentido, incluso en el final.

Podés leer el artículo académico relacionado acá → https://bit.ly/4d07jn3

ChaO es la conjunción de todo su trayecto personal y una oda colorida, trascendentalmente surrealista y bella en partes iguales, que hace énfasis en la experimentación visual y en una animación expresiva y con una ambientación saturada y caótica.

Aoki reinterpreta el cuento clásico de La sirenita de Hans Christian Andersen, y lo vuelve un relato sobre la coexistencia multicultural en tiempos modernos (y retrofuturistas), mostrando la convivencia entre especies en una gran metrópolis hiperconectada, repleta de diversidad. 

El protagonista, Stephan se casará con la princesa de los tritones, una sirena alegre llamada ChaO, que traerá amor y equilibrio a su vida, sorteando juntos los choques culturales con empatía y aceptación. De este modo, su unión servirá mundialmente como un puente político entre especies, pero ¿Es realmente la convivencia suficiente para la fortaleza de un vínculo? ¿O tal vez es un punto de partida para redescubrirse mutuamente y crecer a través de las diferencias?

En ese sentido, lo interesante de la película es que no teme arriesgar al narrar una historia adulta, usando la estética y la fluidez de los fotogramas para envolver al espectador en un no parar de animación y detallismo. Se toma su tiempo para la pausa, y explota audiovisualmente cuando tiene que hacerlo, sin complejizar en exceso, pero dando un mensaje profundamente humano, logrando enternecer y conectar con todos sus personajes.

Agradecemos a @cinetopiaargentina por la invitación a la premiere del día martes 21 de abril en el Showcase de Belgrano, y por traer esta maravillosa película.

¡No duden en ir a verla al cine! Es una experiencia para vivirla en la pantalla grande.

Para entender el origen del pueblo ainu y posteriores representaciones cinematográficas es importante englobar una mirada transversal entre historia, sociedad y producción cultural. Entendiendo que todas ellas son necesarias para complejizar a los ainu dentro del contexto cambiante de este milenio. Por ello haremos un recorrido desde lo fáctico hasta llegar a la representación moderna de la cuestión ainu en el cine japonés, con cintas como Ainu Mosir.

En ese sentido, podemos ver que la cultura ainu actual se consolidó entre los siglos XII y XIII a partir de la interrelación entre la cultura Satsumon y la cultura Okhotsk. La primera, extendida desde el noreste de Honshu hasta el sur de Hokkaidō, presenta rasgos de una continuidad de la cultura Jōmon con influencias de las culturas Yayoi y Kofun. Por su parte, la segunda representaba una cultura costera y de cazadores-recolectores que se desarrolló en Sajalín y las islas Kuriles (ambas pertenecientes a la actual Rusia) y el noreste de Hokkaidō.

Kotan no kuchibue de Mikio Naruse (1959)

I-Omante -The Bear Ritual- イヨマンテ －熊おくり－ de Tadayoshi Himeda (1977)

Ahora bien, el vínculo del pueblo ainu con Japón (si bien ha tenido matices en un inicio) pasó de ser comercial a volverse conflictivo debido a una creciente explotación económica por parte de los llamados Wajin (japoneses), siendo una de las causas de tres levantamientos armados: en 1456 (Guerra de Koshamain), 1669 (Guerra de Shakushain) y 1789 (Rebelión de Kunashiri-Menashi). Sin embargo, no fue hasta la Restauración Meiji en 1868 donde el Estado japonés anexó unilateralmente el territorio ainu y le cambió el nombre a Hokkaidō. Esto hizo que la asimilación fuera de la mano de la creciente occidentalización japonesa y el mito de la homogeneidad como discurso político. De hecho, la invisibilización se ejerció de manera directa pero también simbólica, ya que estos territorios ocupados fueron declarados como terra nullius (tierra de nadie) y repartidos entre colonos japoneses. Así, la enajenación del Ainu Mosir se llevó a cabo, entre otras cosas a través de la prohibición de prácticas ainu como los tatuajes bucales en las mujeres, la lengua materna y sus nombres de origen. Además, el gobierno promulgó la Ley de Protección de los Antiguos Aborígenes de Hokkaidō en 1899, bajo la cual se buscó institucionalizar la desaparición identitaria ainu a través de un discurso que trataba a este pueblo como una “raza en extinción” e inferior.

En contraposición, parafraseando al sociólogo Yoshio Sugimoto en su libro “Una introducción a la sociedad japonesa”: “No fue hasta 1997 que se abolió esta ley y el parlamento japonés aprobó una nueva legislación para “promover la cultura ainu y difundir el conocimiento de sus tradiciones”, instando a la población japonesa a reconocer la existencia de la comunidad étnica ainu y la especificidad de su cultura dentro de Japón”. Más recientemente, en el 2008, el parlamento japonés también reconoció a los ainu como un pueblo indígena con su propia lengua, religión y cultura. La diversidad se verbalizó estatalmente, pero tras incontables años la reivindicación de lo ainu como pueblo indígena continúa a día de hoy con pequeñas luchas cotidianas en una sociedad que los ve, en parte, como un atractivo turístico y comercial. 

Quizás hablar de la identidad no es entenderla, es reconocer que esta misma es cambiante y va de lo colectivo a lo individual. Del mismo modo que la representatividad es, en cuyo caso, un ejercicio de búsqueda social que resplandece muchas veces a través de la cultura.

Estas tensiones también encuentran eco en el cine, que no ha sido la excepción: el siglo XX fue un terreno fértil para el abordaje de la cuestión ainu. Antes de 1945, de hecho, primaba la exotización a través de documentales etnográficos, mientras que en la guerra la representación de los ainu pasó a ser la de “aliados” mediante la propaganda estatal. En la posguerra, muchos cineastas como Mikio Naruse con su película Kotan no kuchibue de 1959, buscaron representar la diversidad ainu como una minoría escondida frente al discurso oficial del nihonjinron (esencialismo japonés) y el “milagro económico” japonés. Pero quizás la labor más visible para mostrar la vida y tradiciones del pueblo ainu se dio en los años 70, gracias a los documentales dirigidos por Tadayoshi Himeda, entre los que destaca I-Omante -The Bear Ritual- イヨマンテ －熊おくり－ de 1977, que retrata la ceremonia ainu del Iomante. Aquí los ainu pasan a ser narradores, y su subjetividad descubre un mundo que se creía olvidado y a través del cual se recupera la dignidad y la memoria bajo la reivindicación de su identidad en la modernidad de la época. El registro fílmico no solamente fue necesario y profundamente humano al mostrar tangiblemente la diversidad de Japón, sino que sirvió como una fuente eterna para hacer prevalecer tradiciones ancestrales para las futuras generaciones ainu. La simple existencia de este material es, cuanto menos, una prueba de lo valioso y trascendental que resulta intentar entender la identidad y el valor que se precisa a veces para transmitirla con orgullo a pesar de los prejuicios y la adversidad social.

Por eso también es importante revalorizar y poner en discurso y reflexión obras de este siglo XXI que se han ocupado de mostrar la cuestión ainu con respeto y desde un lugar contemplativo y hasta reivindicador. El ejemplo más famoso tal vez sea el anime y manga de Golden Kamuy creado por Satoru Noda, obra en la que no solo se retrata fielmente al pueblo ainu a través de la protagonista Asirpa y su comunidad (kotan) mostrando el idioma y las tradiciones, sino que también entra en juego el ejército japonés a través del personaje de Sugimoto “el inmortal”, quien peleó en la guerra ruso-japonesa (1904-1905). La historia empieza justamente cuando Sugimoto decide buscar un oro perdido robado a los ainu, para poder cumplirle su último deseo a su compañero muerto, y es interesante ver cómo él sirve de unión entre lo ainu y lo japonés con mucho humanismo, respeto y a veces hasta ternura.

Por otro lado, más recientemente tuvimos la película Ainu Mosir del año 2020 y dirigida por Takeshi Fukunaga, que se centra en la vida de un niño de ascendencia ainu en Kushiro, una pequeña ciudad en un rincón del lago Akan. La cinta está actuada principalmente por población ainu y retrata la vida que llevan ligada a artesanía y al turismo en el Japón actual. La misma reflexiona sobre cómo este exotismo sigue existiendo todavía en los visitantes, que ven con extrañeza la identidad ainu, y prevalece en la pregunta de ¿Cómo se sostiene la identidad? ¿Es a través de prácticas tradicionales o mediante la exhibición turística?

▲ Asirpa y Sugimoto en Golden Kamuy.

Kanto, el niño protagonista, se cuestiona su lugar de pertenencia, entre un padre fallecido que revalorizaba la identidad ainu y una sociedad japonesa con la que convive diariamente. En ese conflicto también encontramos a Debo, un amigo del padre, que le enseña las tradiciones ainu de respeto y protección al entrar al bosque, o le cuenta de una cueva que esconde un portal al mundo de los muertos. También es él quien le pide que cuide de un oso bebé, sin Kanto saber que su objetivo final es realizar la ceremonia del Iomante, quizá la tradición más representativa ainu, que consistía en sacrificar un oso criado para devolver su alma al mundo de los dioses (kamuy mosir).

Aquí el director nos muestra cómo la identidad del niño fluctúa entre la mirada moral y los valores ancestrales, incluso dejándonos ver que el mismo Kanto encuentra un VHS con el documental de Himeda del año 1977 que mencionamos antes, y ve con sus ojos cómo era la ceremonia que planea Debo. Las imágenes rozan lo onírico al mostrarnos el Iomante, con el niño yendo a la cueva del bosque solo para reencontrarse con su padre, y con la comunidad ainu entre cantos originarios llevando a cabo la ceremonia, la cual se muestra sutilmente, pero con respeto por la identidad de ese pueblo. De hecho, los mismos miembros de la comunidad discuten de antemano si es correcto llevar a cabo la ceremonia, pero al final coinciden en su importancia y deciden seguir adelante.

▲ Kanto, el niño protagonista.

Respecto al interés por representar a los ainu el director Takeshi Fukunaga comentaba esto en una entrevista para el sitio web Nippon: “Siento que el desastre del coronavirus ha sacado a la luz esa mentalidad exclusiva y social de aldea que tienen los japoneses. A este ritmo, a medida que avanza la globalización, Japón nada contra la corriente de los tiempos. Los japoneses de hoy día llegaron a ser gracias a una mezcla de pueblos continentales e indígenas. No se ha debatido ni educado correctamente sobre esas raíces. Conocer a los ainu también es conocer a Japón. Considero importante saber que, desde el momento en que se estableció como país, Japón ha tenido más diversidad de la que generalmente se reconoce. Ainu Mosir es la historia de un niño que se enfrenta a sus raíces, las reconoce, se compromete y da un paso adelante. Espero que la gente vaya más allá de las barreras y avance hacia un mundo que comprenda la diversidad”

Volver al nombre de Ainu Mosir no es coincidencia, es una declaración ética sobre las implicancias del concepto. Un mundo propio arrebatado, una historia de desaparición que reaparece por la voluntad humana de no extinguirse. Valores y tradiciones que respiran la identidad del pueblo ainu, que se recuperan, se reconstruyen, se resignifican. Es una verdad que existe, y nunca dejó de existir, y que prevalecerá por siempre en la identidad diversa de Japón. Tal vez el Ainu Mosir sea un recordatorio de que el tiempo sólo puede eternizarse con humanidad, con la voluntad de individuos o de comunidades que rebosan de una verdad que no quiere ni debe perderse. “La tierra tranquila donde los seres humanos viven en paz” es un anhelo lejano que estas identidades buscarán hacer realidad hasta el fin de los tiempos. O tal vez la tierra de la que habla el Ainu Mosir ya exista, está en el corazón del pueblo ainu, sólo resta hacerla aparecer en el inconsciente del mundo.

Imágenes: Nippon, Captura, IMDb, Shinyodo y Wayfarerdaves

En la primera charla, titulada “De Kinuyo Tanaka a Hirokazu Kore-eda: Escenas de lo efímero en el cine japonés”, llevada a cabo por Franco Parisi, se buscó indagar entre sutilezas visuales y narrativas que tienen puntos de unión con conceptos como el mono no aware, el wabi-sabi y el Ma. El diálogo se centró en una variedad perspectivas y directores de orígenes diversos, que en su arte plasmaron lo efímero como algo inherente a la propia estética japonesa, incluso en géneros distintos como el documental o el cine experimental.

Además, se desglosaron ideas referidas a lo efímero desde el cine clásico, con la directora pionera de cine de ficción y actriz, Kinuyo Tanaka, hasta llegar al siglo XXI entre la identidad digital, la alienación urbana y la disolución familiar, a través de directores como Shunji Iwai, Hirokazu Kore-eda y Naomi Kawase.

Por otro lado, en la segunda charla, titulada “Heike Monogatari: El último aliento del imperio, una introducción”, dictada por Samanta Verón se trató de hacer un punteo conceptual acerca de la obra del Heike Monogatari. Centrándose, de este modo, en explorar algunos conceptos éticos y estéticos que la componen, haciendo uso de algunos autores occidentales como Homero y Maquiavelo.

En ese sentido, se habló de la naturaleza de los géneros en los que se suscríbe y los valores que transmite, repasando las motivaciones y los destinos de algunos de sus personajes principales con el objetivo de comprender este ideal estético japonés tan arraigado a la obra.

Los encuentros fueron interesantes, ya que se pudo apreciar gran interés y participación del público. 

Los invitamos a seguir a @experiencia.minarai para próximos cursos, charlas y talleres.

Tras su arribo, se estableció en la provincia de Córdoba, donde trabajó como maquinista en el Ferrocarril Central Argentino y llegó a integrarse al sindicato ferroviario. Su historia también refleja un proceso temprano de integración: se casó con una mujer argentina, Amalia Rodríguez, y formó una familia en el país.

Aunque su llegada fue un caso aislado y anterior a las corrientes migratorias organizadas, Makino Kinzo es considerado una figura fundacional de la comunidad japonesa en Argentina, ya que su presencia marca el inicio simbólico de la inmigración japonesa en el país.

140 años de encuentro entre Argentina y Japón

En el marco de los 140 años de vínculo entre Argentina y Japón, el sábado 21 y domingo 22 de marzo el Palacio Libertad fue sede de un evento cultural que puso en valor la historia compartida entre ambos países y el legado vivo de la comunidad nikkei en el país. La propuesta fue concebida como un espacio de encuentro, celebración e intercambio, orientado a fortalecer los lazos de hermandad construidos a lo largo de más de un siglo.

La programación incluyó una amplia variedad de actividades que reflejan la riqueza y diversidad de la cultura japonesa, desde demostraciones de artes marciales —como jūdō, karate y aikidō— hasta espectáculos de música y danza tradicional y contemporánea. Estas expresiones no solo evidencian la continuidad de las tradiciones, sino también su adaptación en el contexto argentino.

Asimismo, el evento incorporó talleres y exhibiciones de disciplinas artísticas como la pintura japonesa, el origami, el ikebana y el bonsai, junto con charlas a cargo de especialistas que abordaron la trayectoria de la inmigración japonesa en la Argentina, su proceso de arraigo y su aporte al desarrollo cultural y social del país.

De este modo, la iniciativa no solo celebró un aniversario significativo, sino que también reafirmó el papel central de la comunidad nikkei como puente cultural entre Argentina y Japón, destacando la vigencia de sus tradiciones y su proyección hacia el futuro.

Voces protagonistas: testimonios de autoridades y referentes culturales

«En realidad fue una iniciativa del ex-Embajador Yamauchi que dijo ‘en el 2026 se cumplen 140 años de la inmigración, ¿qué podemos hacer?’ y acá estamos. La idea, de todas maneras, es que todo el año todas las actividades de las distintas agrupaciones nikkei en Argentina se estén desarrollando dentro del marco de esta celebración», comentó Victor Murase, presidente de la Federación de Asociaciones Nikkei en la Argentina (FANA).

Hablamos con Juan Carlos Yamamoto, sensei de jūdō, quien nos contó que este deporte también está cumpliendo 120 años desde su ingreso al país. «El jūdō llegó a la Argentina en el año 1906 de la mano del sensei Yoshio Ogata que lo trajo la Armada Argentina en la Fragata Sarmiento», indicó.

Luis Lemos, sensei de karate-dō de Okinawa, explicó la diferencia entre este arte marcial como budō y como deporte. «Nosotros no practicamos karate-dō deportivo, nosotros hacemos karate-dō tradicional. La diferencia es que si bien hay una faceta deportiva en la que se compite nosotros hacemos karate-dō como cultura. No es considero en Okinawa un deporte, sino parte del acervo cultural», aclaró.

Finalmente, Cristian Delfino, sensei de aikidō manifestó su visión ante la pregunta de qué es este arte marcial. «Es bastante interesante la pregunta y bastante compleja la respuesta. Porque las palabras a veces pueden limitar de qué se trata esto. Creo que aikidō es un arte marcial de construcción y no de destrucción. El fundador de este arte marcial vio la oportunidad de que la práctica de este budō fuera una chance de poder vencerse a uno mismo los propios obstáculos más que un arte marcila hacia otra persona, sino con otra persona», dijo Delfino.

Historia que nos une, legado que nos inspira

A 140 años de aquel primer encuentro que marcó el inicio del vínculo entre Argentina y Japón, la historia continúa escribiéndose a través de gestos cotidianos, prácticas culturales y espacios de intercambio como este. Lejos de ser un lazo estático, se trata de una relación viva, sostenida por generaciones que han sabido preservar sus raíces mientras construyen nuevas formas de identidad en diálogo con la sociedad argentina.

En este recorrido, la comunidad nikkei ocupa un lugar central como puente entre ambos países, no solo como heredera de una tradición, sino también como protagonista activa en su difusión y resignificación. Eventos como este reafirman que la cultura no solo se conserva: se comparte, se transforma y proyecta hacia el futuro.

Así, entre memorias, enseñanzas y nuevas generaciones, el espíritu de aquel primer encuentro sigue vigente, renovándose en cada expresión cultural, en cada historia personal y en cada espacio que celebra la conexión entre Argentina y Japón.

Buenos Aires, marzo de 2026. Con motivo de la conmemoración del sexagésimo sexto natalicio de su Majestad Imperial el Emperador Naruhito, la Embajada del Japón en Argentina realizó un festejo en la residencia del Embajador del Japón en Argentina, D. HOSHINO Yoshitaka.

Algunas personalidades destacadas del mundo político, diplomático y la cultura que se sumaron a la celebración fueron: Nicolás Posse; Diana Mondino; Erik Høeg, Embajador de la Unión Europea; David Cairns, Embajador de UK;  Stewart Ross Wheeler, Embajador de Canadá; Wang Wei, Embajador de la República Popular China; entre muchos otros diplomáticos. Asimismo, la actriz de origen japonés Debora Nishimoto junto a su pareja Esteban Lamothe; el director del Ballet Estable del Teatro Colón, Julio Bocca; la campeona olímpica argentina de judo Paula Pareto; fans del País del Sol Naciente fueron parte del festejo junto a los más de 350 invitados amigos del Japón. Todos ellos acompañaron al Embajador en este evento especial en honor al Emperador Naruhito.

«El 23 de febrero, Su Majestad el Emperador Naruhito cumplió 66 años y expresó su deseo por la felicidad del pueblo japonés y por el desarrollo del país», refirió el Embajador HOSHINO.

«He podido percibir en numerosas ocasiones el inmenso potencial que posee este país. Estoy plenamente convencido de que las relaciones bilaterales entre Japón y Argentina tienen infinitas posibilidades para un mayor desarrollo y prosperidad», agregó.

Para finalizar refirió que «La confianza y los lazos que los inmigrantes japoneses han construido a lo largo de casi un siglo y medio son, sin duda alguna, la sólida base sobre la que se asientan las excelentes relaciones actuales entre Argentina y Japón» y cerró con un brindis por la salud y prosperidad de Su Majestad el Emperador, su Familia Imperial, la de todos los presentes y por la amistad entre Argentina y Japón.

Por su parte, el Subsecretario de Negociaciones Económicas Internacionales e Integración del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto, D. Roberto Alejandro Salafia manifestó «Quiero destacar en primer lugar a la comunidad japonesa en nuestro país, cuya integración ha sido fundamental para acortar las distancias geográficas que nos separan. Basados en valores compartidos como la democracia y el estado de derecho, nuestros países han construido una relación sólida que estamos decididos a seguir profundizando»

Además de los invitados se contó con la  presencia de algunas empresas japonesas radicadas en Argentina como Honda, Toyota, Yamaha, Brother y Nissin Foods acompañando el encuentro en stands donde se pudieron ver sus productos y servicios de excelencia.

Segundo semestre de 2026 y enero 2027

Cierre de las convocatorias: 15 de mayo de 2026

Compartimos la convocatoria de becas para capacitaciones en la prefectura de Okinawa que ofrece JICA, la Agencia de Cooperación Internacional de Japón, en el marco del Programa de Recepción de Becarios para la Sociedad Nikkei. Los interesados pueden enviar sus consultas a KUBO-Aki1@jica.go.jp

Capacitación sobre la cultura del karate en Okinawa

Desde el 07/10/2026 al 07/11/2026

Institución: Asociación de Promoción del Karatedo Tradicional de Okinawa (Okinawa Dento Karatedo Shinkokai)

Página web: https://www.odks.jp/

Objetivos: Los participantes adquirirán conocimientos de la cultura de Okinawa, con un enfoque en el karate de Okinawa.

Requisitos: JLPT N5 

Gestión sostenible de comunidades mediante la red Uchina

Desde el 11/11/2026 al 27/02/2027

Institución: World Youth Uchinanchu Association

Página web: https://wyua.okinawa/

Objetivos: Los participantes adquirirán conocimientos de métodos de gestión y administración relacionados con la transmisión de la red Uchina.

Requisitos: Participar en actividades culturales de Okinawa en la comunidad prefectural, tener entre 21 y 40 años de edad, y un nivel de idioma japonés equivalente a N4 o superior.

Aprendizaje sobre el uso del poder blando y la revitalización regional a través del redescubrimiento de las raíces de Okinawa

Desde el 07/10/2026 al 07/11/2026

Institución: NPO Lequio Wings

Página web: http://lequiowings.org/

Objetivos: Fortalecer la identidad de Okinawa y a través de la formulación de planes prácticos concretos para la revitalización de las comunidades nikkei a las que pertenecen los participantes utilizando el poder blando de Okinawa.

Requisitos deseables: Personas con motivación para realizar actividades que aprovechen el poder blando de Okinawa de forma activa tras el regreso a su país.

Prácticas y aplicación de la ingeniería civil y los estudios geológicos, edafológicos y del terreno en Okinawa

Desde el 11/11/2026 al 09/12/2026

Institución: Environmental Science Corporation

Página web: https://www.esc-pacific.com/

Objetivos: Aprender sobre el terreno las últimas tecnologías en los campos de la geología, la geotecnia, la agrimensura y la ingeniería civil, en particular en nuestra especialidad de ordenación del territorio amigable con el medio ambiente, y elaborar planes para mejorar las infraestructuras de la comunidad nikkei local.

Requisitos: Graduados o estudiantes a punto de graduarse en una universidad local en un departamento relacionado con la geología, el terreno, la topografía, la ingeniería civil o el medio ambiente. Contar con un nivel de idioma japonés JLPT N5 y capacidad de comunicación en inglés.

Soba y cocina de Okinawa

Desde el 20/01/2027 al 20/02/2027

Institución: NPO Lequio Wings

Página web: http://lequiowings.org/

Objetivos: Desarrollar talento capaz de difundir la cocina de Okinawa como marca en Latinoamérica, mediante el aprendizaje de la historia, las técnicas culinarias, y la gestión y marketing del soba de Okinawa. Tras el regreso a casa, podrán aplicar estos conocimientos en eventos y publicaciones en redes sociales, y desarrollar técnicas para utilizar ingredientes locales.

Requisitos: Buscamos una amplia gama de participantes, no solo de cocineros, sino también de personas relacionadas con la cocina en asociaciones regionales, grupos de mujeres o grupos juveniles. Sin embargo, preferimos candidatos que puedan promover la gastronomía de Okinawa desde sus respectivos puestos.

Para más información acerca de los cursos y acceder al formulario de solicitud y guía de aplicación visita los siguientes enlaces:

Programa de Becas para la Sociedad Nikkei 2026

https://drive.google.com/drive/folders/1rfqFlbaam_MirpUFS_n_r7jpmlDirhj2

@jica_argentina @aaconi.ar

Cooperación de Japón a la Asociación de Bomberos Voluntarios de San José de Jáchal

En esta ocasión, los Bomberos Voluntarios de San José de Jáchal, presentaron un proyecto ante la Embajada de Japón para solicitar una autobomba de doble tracción que les permita a fortalecer las capacidades de prevención de desastres en su ciudad y en sus alrededores.

El cuerpo de bomberos voluntarios ha trabajado mancomunadamente con el equipo de Bomberos de la Policía de San Juan y Protección Civil, contribuyendo de manera significativa a las operaciones de extinción de incendios, especialmente en los numerosos campos agrícolas y montes que abundan en esta zona. Sin embargo, en los últimos años, el número de incendios ha incrementado y los vehículos de extinción de incendios existentes no han sido suficientes para llevar a cabo adecuadamente los operativos. Por lo tanto, el refuerzo de la capacidad de extinción de incendios se había convertido en una prioridad urgente.

Japón decidió apoyar a este cuerpo de bomberos, reconociendo sus contribuciones pasadas a la comunidad, la necesidad de mejorar las capacidades de prevención de desastres y la alineación con la política básica de la Asistencia Oficial para el Desarrollo de Japón para Argentina, que es promover un desarrollo económico, social sostenible y estable que se basan en valores y principios compartidos entre ambos países. Se espera que esta cooperación permita optimizar la extinción de incendios en el cuartel.

El Gobierno de Japón espera que esta cooperación contribuya a las actividades de prevención de desastres y rescate en la provincia de San Juan, al tiempo que refuerce aún más las relaciones amistosas entre Japón y Argentina, en especial en este año, en el que se cumple el 140 aniversario de la inmigración japonesa a la República Argentina.

«APC»

La «Asistencia Financiera No Reembolsable Para Proyectos Comunitarios de Seguridad Humana (APC)» tiene como objetivo brindar esta cooperación a organizaciones sin fines de lucro tales como organizaciones no gubernamentales, organismos de gobiernos locales, instituciones médicas, instituciones educativas, entre otros, para ayudar el desarrollo socioeconómico a nivel comunitario, satisfaciendo las necesidades básicas de la comunidad local. Japón ya lleva concretados 81 proyectos (U$S5.289.314-) en virtud a los contratos de donaciones, en los cuales se llevaron a cabo aportes de autobombas y equipamientos médicos, asistiendo a organismos de gobiernos locales, instituciones médicas, ONG locales e internacionales, dentro de los cuales un total de 32 proyectos fueron beneficiados con autobombas, etc. destinados a bomberos voluntarios para el resguardo de las vidas y el patrimonio de la población local.

Sin embargo, la danza ya era popular y estaba impregnada en la cotidianidad del momento, tanto es así que sobrevivió al tiempo, y los papeles femeninos que antes eran hechos por mujeres empezaron a ser interpretados por hombres. Del mismo modo, el enfoque teatral giró hacia una tensión creciente en la representación dramática. Y, por otro lado, estos actores masculinos que interpretaban papeles femeninos fueron conocidos como onnagata, lo cual significa literalmente “forma de mujer”.

A pesar de esto, es a día de hoy que existen troupes que realizan kabuki entero solo con mujeres fuera de los grandes teatros y del kabuki “oficial”, o compañías como la Takarazuka Revue, que nació en 1914, en plena Democracia Taishō, y que representa un teatro musical formado exclusivamente por mujeres, el mismo que, teniendo una raíz similar al kabuki, logró diferenciarse y tener un sello propio con relatos tanto tradicionales como contemporáneos. Además, en 2023, la actriz Shinobu Terajima (también actriz de Kokuhō), hija del actor de kabuki Onoe Kikugorō VII, actuó en el Kabukiza de Tokio en la obra Bunshichi Mottoi Monogatari, marcando un hito: la primera mujer en siglos en asumir un rol importante en ese escenario.

Si el kabuki nació de un gesto femenino, la pregunta es cómo una película como Kokuhō aborda ese contexto de tensiones representativas e identidad. Siendo dirigida por Lee Sang-il, un cineasta japonés de ascendencia coreana zainichi, la historia sigue a Kikuo Tachibana, un huérfano de padre yakuza, quien es descubierto por un famoso actor de kabuki llamado Hanai Hanjiro II cuando lo ve actuar de onnagata en una cena. Pronto decide adoptarlo y formarlo como actor de kabuki, rol de aprendiz que compartirá con su hijo de sangre: Shunsuke Ōgaki. A lo largo de la cinta los veremos crecer juntos a través de una amistad que será puesta a prueba, intercalando con la sutileza de sus actuaciones en diversas obras de kabuki, un preciosismo escénico y gestual, y uniendo la condición humana al arte mismo, dejando entrever cómo ese vínculo obsesivo es capaz tanto de sanar como de herir.

Aquí, la cinta pone en jaque la tradición de la herencia padre/hijo en el kabuki, en contraposición al talento innato del hijo adoptivo. El arte teatral se convierte en un espacio de cuestionamientos en el que los mandatos sociales siempre terminan encontrando la forma de vencer, pero donde la voluntad y la destreza descubren su lugar a través de la pasión humana de Kikuo por ser el mejor en un mundo hostil hacia su lugar de pertenencia.

En ese sentido, la temática busca ser disruptiva y resignificar la tradición mediante el arte mismo. Siendo acompañada por un brillante maquillaje, por el cual fue nominada al Oscar 2026, una puesta de escena abrumadora y una gran ejecución teatral de ambos actores principales, quienes practicaron año y medio con el actor de kabuki Nakamura Ganjirō IV (nieto de Nakamura Ganjirō II, actor de la era dorada del cine japonés), dándonos una representación sentida y genial.

Sin embargo, en ese acto de representar la figura del onnagata, la película pierde la oportunidad de explorar el rol de lo femenino de una manera más activa y presente, y no como meros intereses amorosos de los protagonistas. Quizás un pequeño traspié para una gran película, pero que, al conocer el origen del kabuki, queda a deber, haciendo que, de este modo, la identidad femenina descanse solo en la estilización de lo actuado y deje de lado los matices de género en los que nació el corazón de este arte tradicional.

A pesar de eso, sí consigue emparejar su narrativa con el concepto de la belleza idealizada, y cómo esta, a través de sus cánones sociales, es capaz de hacer elevar la aptitud teatral de Kikuo, del mismo modo que lo aísla de su círculo social a través del sacrificio de los vínculos, la familia y la identidad personal. Un buen onnagata, entonces, debe también trascender la apariencia, llevando su estado físico a lo casi sobrenatural mediante el acto dramático.

Siguiendo esa lógica, la cinta convierte la corporalidad en una experiencia que descansa muchas veces en la mirada, haciendo que la misma enlace lo humano con lo ficticio, logrando que, de este modo, nos deje ver las emociones mundanas a través de un lente actoral que juega entre lo estricto y lo onírico, sobre todo en su acto final.

Allí, lo que Kokuhō construyó durante todo el relato implosiona entre artilugios visuales, un uso magistral del color y una sutil belleza efímera en la que descansa el anhelo de toda una vida, y es por eso que funciona tan bien.

Lo que Kikuo construyó en su vida, al final, no era más que una parte pequeña de un gran escenario de kabuki que lo acompañará por siempre.

Imágenes: New Zealand International Film Festival, Hollywood Reporter, Deadline, Korea Herald

Referencias:

https://www.kabukiweb.net/theatres/kabukiza/kabukiza_october_2023/

https://uwpressblog.com/2016/06/23/onnagata-book-excerpt/

https://es.wikipedia.org/wiki/Takarazuka_Revue

https://kageki.hankyu.co.jp/english/index.html