Vestida de blanco, con una presencia serena y firme, la violinista japonesa Akiko Suwanai apareció sobre el escenario del Teatro Colón como si una grulla hubiera descendido silenciosamente en pleno corazón de Buenos Aires. La imagen no era exagerada: había en su figura una mezcla de elegancia, concentración y dignidad que parecía condensar, en un solo gesto, la memoria de 140 años de historia japonesa en la Argentina.

El pasado 5 de junio, a las 17 horas, se realizó en el Teatro Colón el Concierto conmemorativo de la amistad entre Argentina y Japón, en homenaje a los 140 años del inicio de la inmigración japonesa a la Argentina. La presentación contó con la participación de la reconocida violinista Akiko Suwanai y del pianista nikkei canadiense Ryo Yanagitani, con el auspicio de la Embajada del Japón en la Argentina, la Universidad de Tokio y TAO Productions.

La sala reunió a miembros de la colectividad japonesa y nikkei, representantes institucionales, amigos de Japón y numerosos argentinos amantes de la música. También se vivió una escena muy propia de Buenos Aires: los reencuentros no se celebraban tanto con reverencias, sino con abrazos. Esa mezcla de respeto japonés y calidez argentina dio al concierto un clima especial, íntimo y a la vez solemne.

La ocasión tenía un profundo significado histórico. Se considera que el primer japonés establecido en la Argentina fue Kinzō Makino, oriundo de la península de Miura, en Kanagawa, quien llegó a Buenos Aires en 1886 a bordo de un barco británico y luego se radicó en Córdoba. Allí formó una familia con una mujer argentina y terminó sus días en esta tierra. En 2026 se cumplen 140 años de aquella llegada, considerada el punto de partida de la presencia japonesa en el país.

Años después, en 1900, Yoshio Shinya, de Karatsu, prefectura de Saga, llegó a la Argentina a bordo de la fragata escuela Sarmiento y es recordado como uno de los primeros inmigrantes japoneses formales. Sobre esa memoria de pioneros, viajes, arraigo y construcción comunitaria se levantó el concierto del Colón.

El programa propuso un recorrido intenso y compacto por distintos mundos musicales: la Sonata para violín y piano n.º 3 en Mi bemol mayor, op. 12 n.º 3, de Ludwig van Beethoven; la Sonata para violín y piano en la mayor, de César Franck; y la Introducción y Tarantella, op. 43, de Pablo de Sarasate. De la claridad clásica al romanticismo tardío, y de allí al virtuosismo de raíz española, el repertorio ofreció un verdadero viaje por paisajes sonoros diversos.

Akiko Suwanai, ganadora en 1990 del Concurso Internacional Chaikovski y reconocida por haber sido la vencedora más joven en la historia de ese certamen, no necesitó apoyarse en su prestigio. Su interpretación habló por sí misma. Cada frase revelaba disciplina, profundidad y una presencia artística capaz de cruzar fronteras.

Algunos asistentes la describieron como “virtuosa y prolija”, una expresión sencilla pero precisa: virtuosismo sin exceso, técnica sin ostentación, elegancia sin frialdad. Al finalizar cada obra, Suwanai levantaba el arco con firmeza. El gesto parecía señalar el cierre de la pieza, pero también algo más: una afirmación silenciosa, una manera de decir que aquella música, interpretada tan lejos de Japón, también pertenecía a esta historia compartida entre dos países.

El público respondió con entusiasmo. El diario Clarín señaló con cierta ironía que muchos asistentes no parecían habituados a los códigos tradicionales de la música clásica, ya que los aplausos surgían incluso entre movimientos. Sin embargo, más que desconocimiento, esos aplausos expresaban emoción, cercanía y gratitud. En una sala como el Colón, a una hora poco habitual para un concierto, esa respuesta espontánea fue también parte del encanto de la tarde.

El bis fue Schön Rosmarin, de Fritz Kreisler, una pieza breve, luminosa y refinada que cerró la presentación con delicadeza. Antes de interpretarla, Ryo Yanagitani dirigió unas palabras en español al público y expresó su honor por tocar en uno de los teatros más importantes del mundo. La sala respondió con un aplauso cargado de afecto y respeto.

Terminada la función, los comentarios continuaron en los pasillos. La señora Goya, cuyo hijo Ignacio ingresó recientemente como fagotista en la orquesta, destacó la calidad técnica de la interpretación. También expresó que la música lo había transportado, como en un viaje por la historia, hacia recuerdos de una infancia situada en los años cuarenta. La música, una vez más, no solo cruzaba fronteras: también atravesaba el tiempo.

La actuación de Ryo Yanagitani también despertó comentarios. Para algunos, el piano pudo parecer discreto frente al protagonismo del violín. Sin embargo, Celia Sekiguchi, vinculada al canto coral, observó con acierto que Yanagitani “nunca sobresalió, sino que acompañaba”. Su presencia no fue débil, sino profundamente atenta. Con una mirada intensa, siguió cada respiración de Suwanai y sostuvo la arquitectura musical con precisión.

La cantante de ópera María Savastano, también con trayectoria en Japón, agregó que esa integración era posible porque el acompañamiento resultaba “muy prolijo y sin fisuras”. No se trataba de competir, sino de construir juntos. En efecto, la belleza del concierto estuvo en esa confianza: el violín y el piano no corrían uno contra el otro, sino que avanzaban en una misma dirección.

En varios momentos, el violín parecía multiplicarse: a veces sonaba con la fuerza de un instrumento de percusión, otras con la claridad de un teclado, y otras con una voz casi humana. “Cada instrumento cantaba solo”, comentó alguien al salir. La frase resume bien la experiencia: cada instrumento tenía voz propia, pero ambos formaban parte de una misma conversación.

Para Suwanai, esta fue su tercera presentación en el Teatro Colón. Ya había actuado allí hace dos décadas junto a la Filarmónica del teatro, pero esta fue su primera vez en formato de recital con piano en esa sala. Para Yanagitani, en cambio, fue su primera visita a Buenos Aires. Canadiense de origen nikkei y radicado en Washington, que tiene amigos argentinos y que siente cercanía con el país. Esos vínculos personales también dieron al encuentro una dimensión humana más amplia.

El 5 de junio, la grulla que descendió sobre el Teatro Colón dejó una huella de música, memoria y encuentro, superando las diferencias culturales e idiomáticas. A 140 años del primer arribo japonés a la Argentina, este concierto volvió a unir lo que la historia había comenzado a trazar.

Felicitamos a Akiko Suwanai, Ryo Yanagitani, las instituciones organizadoras y auspiciantes, y a todas las personas que hicieron posible esta velada. También recordamos que la historia de la colectividad japonesa en la Argentina fue construida por muchas personas, conocidas y desconocidas, que con esfuerzo, sensibilidad y gratitud tendieron puentes entre Japón y la Argentina.

Hoy te invitamos a viajar a través de las costumbres para ver cómo se vive el Chichi no hi (父の日 – Día del Padre) en Japón, en contraste con nuestra clásica celebración argentina.

Argentina: El calor del hogar y el aplauso para el asador

En Argentina, el Día del Padre es sinónimo de reunión multitudinaria. La figura paterna se celebra alrededor de una mesa donde el gran protagonista suele ser el asado.

• El ritual: Desde temprano, el fuego se enciende y la familia se junta en el patio o la terraza. Se debate sobre el punto de la carne, se comparte un mate y se brinda con un buen vino.
• El ambiente: Es una fiesta ruidosa, llena de anécdotas, tíos, abuelos y primos. Los regalos suelen ser ropa, herramientas o algo para el momento del brindis, pero el verdadero obsequio es el tiempo compartido en comunidad.

Japón: Girasoles, gratitud silenciosa y «Jinbei»

En el archipiélago nipón, el Chichi no hi se adoptó formalmente a mediados del siglo XX, siguiendo el calendario occidental (el tercer domingo de junio). Sin embargo, la idiosincrasia japonesa le imprime un sello de respeto, serenidad y detalles simbólicos.

• El color amarillo: Así como en el Día de la Madre (母の日 – Haha no hi) predominan los claveles rojos, en el Día del Padre el símbolo son las flores amarillas, especialmente los girasoles (ひまわり – himawari) o las rosas amarillas. Este color simboliza la energía, el agradecimiento y el deseo de buena salud para el progenitor.
• Regalos con identidad: Es muy común regalar alimentos gourmet (como carne de wagyu o mariscos premium), licores locales (sake o whisky japonés) y prendas tradicionales de verano como el 甚平 jinbei (un conjunto ligero de algodón) para que papá descanse cómodo en casa.
• La gratitud verbal: Dado que la sociedad japonesa suele ser más reservada con el afecto físico, el Día del Padre es la excusa perfecta para pronunciar o escribir un sincero «お父さん、いつもありがとう – Otoosan, itsumo arigatou» (Papá, gracias por todo siempre).

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A todos los padres de nuestra comunidad, tanto a los que esperan el aplauso para el asador como a los que disfrutan de la lectura silenciosa: ¡Feliz Día del Padre! / 父の日おめでとうございます！- Chichi no hi omedetou gozaimasu!

Japón se convirtió en uno de los destinos más deseados por los argentinos en el último año. Lo que hasta hace poco parecía un viaje lejano o inaccesible, hoy aparece cada vez más seguido en redes sociales, recomendaciones y conversaciones cotidianas.

En ese contexto, el dato no hace más que confirmar un cambio de comportamiento: en 2025 viajaron 33.838 argentinos a Japón, un récord histórico que supera ampliamente los niveles prepandemia.

Según datos de Japan National Tourism Organization (JNTO), el crecimiento no solo marca una recuperación del turismo internacional, sino también una nueva relación de los argentinos con Japón como destino.

En palabras de Masumi Yamada, directora general de JNTO México: «En los últimos años, hemos observado un aumento sostenido en la llegada de turistas provenientes de Argentina, impulsado por una combinación de factores, como una mayor percepción de valor del destino, el creciente interés por Asia y una afinidad cultural cada vez más profunda con Japón».

Por qué Japón está de moda: accesibilidad económica y de redes

El crecimiento no es casual. Japón combina hoy una serie de factores que explican por qué el destino se volvió tan atractivo para los argentinos.

Uno de los principales es económico. Contra la intuición, Japón hoy puede ser un destino competitivo frente a Europa o Estados Unidos. Algunos precios en destino ayudan a entenderlo: un ramen puede costar entre USD 5 y USD 8, un café desde USD 2–3 y un hotel business entre USD 40 y USD 70 por noche.

La depreciación del yen en los últimos años mejoró el poder de compra de los turistas internacionales y cambió la percepción histórica de Japón como destino caro. En términos concretos: el día a día en Japón puede costar lo mismo o incluso menos que en muchas ciudades europeas. Ese cambio es clave: Japón dejó de ser un destino inaccesible para convertirse en una opción real dentro de la planificación de viajes de los argentinos.

Pero el fenómeno no es únicamente económico. También refleja una conexión cultural que lleva décadas construyéndose y que este año encuentra un contexto especial: el 140.º aniversario de la inmigración japonesa en la Argentina.

La gastronomía, el anime, el diseño, el orden urbano y ciertas formas de vida asociadas a Japón dejaron de percibirse como algo lejano o exótico para integrarse al imaginario cotidiano de muchos argentinos.

El crecimiento del turismo también está impulsado por otro fenómeno potente: las redes sociales. En plataformas como TikTok e Instagram, hashtags como #Japan o #JapanTravel acumulan miles de millones de visualizaciones, con contenido que va desde recorridos por ciudades hasta experiencias gastronómicas y culturales.

Pero hay un factor adicional que explica por qué ese contenido funciona: Japón es, en sí mismo, altamente «instagrameable». La estética japonesa, de sus ciudades, el orden visual, la señalética, la presentación de la comida y el contraste entre tradición y modernidad generan escenas que se vuelven naturalmente fotografiables y compartibles.

No es solo un destino que se visita: es un destino que se documenta. Japón no solo se adapta a las redes: funciona dentro de ellas. Y en ese ecosistema, lo visual no solo inspira: también decide. Pero el cambio más relevante no es solo el volumen de contenido, sino quién lo produce. Japón dejó de ser un destino mostrado por celebridades o influencers lejanos para convertirse en una experiencia compartida por personas cercanas: amigos, conocidos o colegas. El resultado es claro: Japón sigue siendo aspiracional, pero dejó de percibirse como inalcanzable. Y ahí radica gran parte de su crecimiento.

Más argentinos y más experiencias

En 2024 Japón recibió 19.809 turistas argentinos. Un año después, la cifra escaló a 33.838, superando el récord histórico de 23.805 visitantes registrado en 2019.

El crecimiento interanual supera el 70%, un salto poco habitual para un destino de larga distancia y una señal clara del cambio en las preferencias de viaje. El fenómeno argentino se da además en un contexto de récord turístico general para Japón, que en 2025 recibió 42,7 millones de visitantes extranjeros, la cifra más alta de su historia.

Si se amplía la mirada, el fenómeno adquiere otra dimensión: en 1995 viajaron poco más de 4.000 argentinos a Japón. Treinta años después, la cifra supera los 33.000. El crecimiento, de más del 740%, no solo refleja una tendencia, sino una transformación profunda en la relación de los argentinos con el destino.

El cambio no es solo en cantidad, sino también en la forma de viajar. Desde el sector privado también observan este fenómeno. David Esteban, CEO de Viajar por Asia, agencia de viajes receptiva japonesa pionera en especializarse en público hispanoparlante, señala que Argentina ya es el tercer mercado más importante para su operación, detrás de España y México, y que la demanda sigue en alza.

«El año pasado tuvimos un crecimiento del 15% en la cantidad de pasajeros argentinos. Es un público que viaja preparado, con información y con ganas de vivir Japón de manera auténtica», asegura Esteban. «Hace unos años era un viajero muy específico, fanático del manga o las artes marciales… hoy es mucho más amplio y diverso», agrega.

Un destino que responde a lo que hoy se busca

Japón ofrece algo difícil de encontrar en otros destinos: seguridad, organización, diversidad cultural y experiencias profundas en distancias cortas.

Así, combina lo aspiracional con lo posible: esa es la clave de su crecimiento entre los argentinos.

Otro cambio clave está en cómo se viaja. «Hoy crece la demanda por experiencias culturales más reales y recorridos fuera del circuito clásico. Ciudades como Tokio, Kioto y Osaka siguen siendo puntos de entrada, pero ya no son el único foco», asegura Keika Furukawa, Directora del Centro Cultural de la Embajada del Japón en Argentina. «Hay un interés cada vez mayor por entender la cultura japonesa desde adentro, no solo recorrerla», agrega.

El récord de 2025 no parece un techo, sino el inicio de una nueva etapa. Japón ya no es ese destino lejano que «algún día» se hace: es un viaje que cada vez más argentinos empiezan a concretar e incluso repetir.

Con más información, más conectividad cultural y una comunidad de viajeros que crece año a año, Japón ya no es «el viaje de una vez en la vida». Empieza a ser, simplemente, el próximo destino. Y, cada vez más, uno al que se vuelve.

Los artistas se presentaron en el emblemático Teatro Colón, lugar al que la gente asistió expectante por vivir un viaje sonoro que atravesó, con sutileza y magia, un repertorio variado que fue desde obras de Ludwig van Beethoven, César Franck, Pablo de Sarasate y que finalizó con una melodía a modo de epílogo de Fritz Kreisler.

Entre musicalidad y aplausos la tarde transcurrió con complicidad entre la ejecución en el escenario y el público, quienes se vieron conmovidos por la destreza de Suwanai y la lucidez de Yanagitani. La unión de los instrumentos, como si fuera un trazo en conjunto de un lienzo mayor, provocó una sensación de ensoñación entre los asistentes, transportando con sensibilidad el talento de los músicos a través de la acústica inigualable del teatro porteño.

Sentados en la penumbra, con la inmensidad ambiental e histórica del entorno, la audiencia vivió una experiencia única que, gracias a la belleza musical, realzó el vínculo cultural entre Argentina y Japón, sosteniéndolo como un lazo histórico de amistad y de cooperación mutua.

Agradecemos a TAO Production [MonchiMedia (Mónica Kogiso @monchiarg) – Diana Atsumi @diana_atsumi] por la invitación, y celebramos el auspicio por parte la Universidad Nacional de Tokyo – TAO Project, el Centro Cultural e Informativo de la Embajada de Japón @japanemb_arg, la Embajada Argentina en Japón @embajadaargentinaenjapon y FANA @fana.arg

Fotos:  Juanjo Bruzza (Prensa Teatro Colón)

En ese sentido el vínculo entre Kore-eda y la Argentina es, cuanto menos, interesante. Fue premiado en la categoría de Mejor Película y Mejor Guión en el BAFICI por su película After Life del año 1999, y también por Still Walking del año 2008 en el Festival de Cine de Mar del Plata. Y reconoce que “ama” las películas argentinas de “Jauja” de Lisandro Alonso y “El secreto de sus ojos” de Juan José Campanella. Para él, el cine es un lenguaje universal y por eso valora profundamente la felicidad de poder hablarlo, sobre todo a la hora de conectar con una cultura de un país tan distante de Japón como el nuestro.

Desde Alternativa Nikkei pudimos contactar con Miyuki Fukuma, productora de alguna de sus cintas, y gracias a su intermediación conseguimos una entrevista con el director Kore-eda. Agradecemos desde ya su amabilidad y buena predisposición para realizar este intercambio, y esperamos que puedan disfrutarlo, y acercarse de otra manera a su cine, si todavía no lo han hecho.

Antes que nada, quería agradecerle por su tiempo, siento que hay muchos entusiastas de su cine aquí en Argentina que disfrutarán de sus palabras. En ese sentido ¿Qué significa para usted que sus películas interpelen y sean objeto de análisis en un contexto cultural tan distinto como el argentino?

El cine me hace pensar una vez más que es un “lenguaje universal”. Para alguien como yo, que solo habla japonés, valoro profundamente la felicidad de haber podido adquirir ese “lenguaje”.

En el 2024 la directora Miwa Nishikawa pudo visitar nuestro país y participar en el Festival de Cine de Mar del Plata con sus películas. Sé que a ambos los une un vínculo cercano, que nació del trabajo en conjunto. Dentro de ese contexto ¿Ha tenido contacto con el cine argentino o con alguno de sus realizadores? ¿Qué conoce sobre el país?

Recibí el Gran Premio y el premio a Mejor Guión en el BAFICI por After Life, y el premio a Mejor Película en el Festival de cine de Mar del Plata por Still Walking, me siento muy agradecido por eso.

Sin embargo, no pude asistir a ninguna de las ceremonias, así que me gustaría mucho visitar Argentina cuando tenga la oportunidad. Me da pena que las películas argentinas no se estrenen tan seguido en Japón, pero amo Jauja de Lisandro Alonso y El secreto de sus ojos de Juan José Campanella.

Yendo más hacia su filmografía, una película que ha trascendido el tiempo ha sido “Nobody Knows” del año 2004. En ella, como en varias de sus cintas, la ausencia ejerce un rol invisible que moldea estructuras familiares. Incluso en el título mismo existe esta presencia ausente, ya que podemos percibir como en verdad todos de una forma u otra saben de las circunstancias de estos niños y nadie parece actuar en consecuencia ¿Cree que, de algún modo, la sociedad japonesa tiende a no mirar las realidades familiares que se escapan de la normatividad que aprueba? Y siguiendo esa lógica ¿Siente que esto ha cambiado en el Japón actual?

Sí. Creo que la “indiferencia” es la forma de violencia más grave dentro de la sociedad japonesa. Y esa situación está empeorando rápidamente.

Nobody Knows (2004)

Bajo este razonamiento, la mirada infantil en esta cinta es la que genera esa sensación sutil de desvanecimiento, ya que el abandono o la muerte son procesados con inocencia y resiliencia. Por eso quería preguntarle ¿Cómo fue trabajar con los niños en la creación de esta película? Sé que les dio libertad a la hora de interpretar ¿Pero de qué manera siente que ellos enfrentaron el dolor de la historia mediante sus actuaciones? Y durante el rodaje ¿Logró entender mejor los sentimientos que buscaba transmitir?

El rodaje, que se extendió durante un año, fue un tiempo muy feliz. No quería necesariamente que ellos expresaran el encuentro con el “dolor” mediante palabras o expresiones faciales, pero recuerdo haber conversado con Ayu Kitaura, que interpretaba a la hija mayor, sobre cuándo y de qué manera Kyoko iba perdiendo la esperanza y la idea de un futuro.

Por otro lado, en una película como “Still Walking” (2008) el dolor por la pérdida ejerce como sostén invisible en el vínculo familiar. El duelo pesa a lo largo de toda la cinta y se hace presente en las tensiones explícitas e implícitas entre padres e hijos. El hijo fallecido reaparece en diálogos, pero también lo hace en miradas, en gestos, en objetos. El vacío que dejó atrás construye el mundo de los personajes y sobrevive en una sutileza que nunca acaba rompiéndose. Por eso quería preguntarle, director Kore-eda: ¿Es, para usted, la muerte de un ser querido una fractura familiar insuperable? ¿O es quizás una forma de canalizar una ruptura entre generaciones que se escuda en el dolor para no ver sus conflictos?

Creo que el significado de la “pérdida” y las emociones que nacen de ella cambian según cada obra, pero en Still Walking intenté retratar de manera multifacética la fractura producida por la muerte y ausencia del hijo mayor, desde las perspectivas de la madre, el padre, el hijo e incluso el yerno.

Still Walking (2008)

En “Air Doll” (2009) crea una reflexión profunda y sentida sobre la alienación urbana, la soledad y el vacío en un mundo cada vez más inhumano e individualista. Es interesante ver cómo la protagonista a través de su viaje logra entender con empatía nuestra necesidad como sociedad de conectar emocionalmente con otras personas, llegando a ser más real que muchos con los que se cruza, quienes sólo buscan cosificarla por su apariencia. Por consiguiente, quería consultarle por la escena final, la cual encuentro realmente conmovedora ¿Por qué siente que Nozomi prefiere dejar de existir antes que convivir en un mundo así? ¿Cree que hay alguna esperanza para hacer prevalecer nuestro humanismo aún a pesar de tanta deshumanización?

Pensaba ese final no tanto como una existencia siendo borrada, sino como un ser al que se le dio aliento regresando nuevamente a ese aliento. Quizás sea más fácil entenderlo si se lo compara con el final de La sirenita de Andersen. Aunque ese aliento abandona el cuerpo, también conecta a las personas entre sí. Intenté representar un ciclo en el que ese “aliento” transporta semillas que dan origen a otra vida. Creo que descubrir que yo también soy parte de ese círculo es lo que constituye la “esperanza”.

Air Doll (2009)

A lo largo de su carrera ha tenido la oportunidad de colaborar con grandes actrices, como lo son Kirin Kiki, Sakura Ando, Bae Doona o Suzu Hirose, entre otras. ¿Qué experiencias y aprendizajes le ha dejado trabajar con ellas? ¿Tiene alguna anécdota para contar?

No alcanza el papel para hablar de eso. Dejaré las anécdotas para otra ocasión. Además de su asombroso talento, les tengo un profundo respeto por su actitud tan dedicada hacia el trabajo.

Cuando hablamos de la mirada femenina en su cine, es inevitable mencionar a “Our Little Sister” del año 2015. En ella descubrimos a mujeres autosuficientes que se han logrado reponer ante la pérdida, y que unen su fortaleza para seguir adelante, formando una familia poco convencional pero entrañable y repleta de amor. Me gustaría saber ¿Qué tan importante es para usted visibilizar la representación de lo femenino en el contexto del Japón moderno?

No hago películas pensando en cosas tan grandes como si son o no “importantes para el Japón contemporáneo”, especialmente en el caso de esa obra. Mi postura fue simplemente retratar qué ocurre cuando cuatro personas con distintas personalidades, edades y recuerdos conviven en un mismo espacio, manteniéndome lo más fiel posible al manga original.

Our Little Sister (2015)

Para Shoplifters (2018) nos encontramos con una familia sin lazos de sangre que coexiste en la marginalidad. Aquí la ceguera social, al igual que en “Nobody Knows”, se ve representada por el aislamiento efectuado silenciosamente hacia la pobreza. La figura del orden aparece para sostener un discurso que divide y empeora la circunstancia previa, sin comprender los motivos de raíz que llevaron a estas personas a unirse. La fachada de una estructura tradicional como bien mayor, esconde a lo marginal sin reconocer que es un espacio donde la dignidad sobrevive gracias a la humanidad que nace del afecto y la cercanía. Director Kore-eda ¿Cree que algún día Japón podrá derribar estructuras tan arraigadas como las de la familia tradicional? Y por otro lado ¿Siente que ha crecido la pobreza en el país, desde el momento en el que hizo la película hasta ahora?

El gobierno actual está dominado por fuerzas que buscan reforzar las estructuras tradicionales japonesas e imponer una mayor uniformidad, así que el futuro no se ve prometedor. La pobreza sigue agravándose, y creo que las llamadas “tres décadas perdidas” de estancamiento económico probablemente terminen convirtiéndose en cuarenta años. Sin embargo, la “división” que Shoplifters intentó retratar tiene dos aspectos: por un lado, la condena y exclusión que provienen del exterior, basadas en los modelos tradicionales de familia; y por otro, una ruptura que nace desde el interior. Es decir, la familia comienza a desmoronarse internamente cuando en Shota despierta un sentido de la “ética”. Sentía que este segundo aspecto era incluso más importante y universal.

Shoplifters (2018)

Una pieza importante de la narrativa de sus películas es la banda sonora, dejando piezas memorables y que a día de hoy son automáticamente identificables. Recientemente en Monster (2023) ha podido colaborar con el renombrado compositor Ryuichi Sakamoto, pero también ha trabajado con otras eminencias como Haruomi Hosono, Yoko Kanno o el dúo Gontiti. Quisiera preguntarle ¿Cómo es su proceso creativo a la hora de crear la música para sus historias? ¿Tiene un diálogo cercano con los compositores o les brinda libertad creativa?

Suelo confiarles mucho a los compositores. Generalmente primero decido los instrumentos… escucho distintas piezas interpretadas con esos instrumentos mientras escribo el guión, y después hago el encargo al músico.

En cuanto al cine japonés moderno ¿Qué opinión le merece? ¿Tiene alguna película que recomiende?

Por favor, vean las obras de la generación nacida en los años 80 que apareció después de la mía: directores como Kōji Fukada, Ryūsuke Hamaguchi, Chie Hayakawa y Tetsuya Mariko.

Para finalizar, quería consultarle por futuros proyectos. Sé que hará la versión live action del manga “Look Back” de Tatsuki Fujimoto ¿Nos puede adelantar algo sobre eso? Muchas gracias.

En Japón se estrenará el 11 de septiembre. Más información todavía es “secreta”. Esperenla con ansias.

Imágenes: Mikiya Takimoto, IMDb, The New York Times, Filmlinc, Palomita de Maíz, Pinterest.

El programa del gobierno japonés vuelve a abrir su convocatoria para estudiantes argentinos de carreras universitarias, terciarias, posgrados o perfeccionamiento docente interesados en continuar su formación en Japón. Más de 578 argentinos ya fueron becados desde el inicio del programa. Cada beca incluye el total de los gastos académicos de formación y estadía lo que representa unos 15 millones de pesos anuales.

Buenos Aires, mayo 2026. El Gobierno del Japón anuncia una nueva convocatoria de becas de estudio para argentinos que deseen formarse en universidades e instituciones académicas japonesas. El programa, impulsado por el Ministerio de Educación, permite acceder a carreras terciarias, universitarias, programas de posgrado y perfeccionamiento docente con financiamiento integral.

62 años atrás llegó el primer becario argentino a Japón, desde entonces, más de 578 estudiantes y profesionales argentinos participaron de esta experiencia académica y cultural la cual hoy es considerado como uno de los programas de intercambio educativo más prestigiosos del mundo.

«Cada nueva convocatoria representa una oportunidad para seguir fortaleciendo el vínculo entre Japón y Argentina a través de la educación y el intercambio cultural. Nos entusiasma ver cómo crece año tras año el interés de jóvenes y profesionales argentinos por conocer Japón desde adentro, formarse en sus universidades y vivir una experiencia transformadora», explica Noemí Murakami encargada de becas de la Embajada del Japón en Argentina.

Las becas están dirigidas a estudiantes y graduados argentinos de distintas disciplinas y contemplan diferentes categorías académicas según el perfil del postulante y otorgan la posibilidad de la posibilidad de realizar carreras terciarias, universitarias o de posgrado, además de perfeccionamiento docente en universidades japonesas. Los candidatos seleccionados podrán viajar a Japón para comenzar sus estudios en universidades o institutos designados por el gobierno japonés.

El programa contempla cobertura integral que incluye:

• Pasaje aéreo ida y vuelta
• Matrícula y cuotas universitarias
• Examen de ingreso
• Asignación mensual para alojamiento, alimentación, transporte y gastos personales
• Seguro médico

Esta experiencia ofrece a los becarios no sólo la posibilidad de desarrollar y expandir sus conocimientos, sino de vivir un intercambio cultural y social de calidad adentrándose en la sociedad japonesa y afianzado el vínculo entre ambas naciones.

Los postulantes que se presenten deberán pasar por un proceso de evaluaciones y entrevistas, y aquellos que sean seleccionados, viajarán a Japón a comienzos del primer semestre en abril o del segundo en octubre para comenzar sus estudios académicos en las universidades o institutos designados.

Actualmente, cerca de diez argentinos viajan cada año a Japón a través de estas becas. Dependiendo del programa y la institución académica, cada beneficiario podría recibir una suma equivalente de hasta 15 millones de pesos anuales, incluida la cobertura médica.

Para más información: https://www.ar.emb-japan.go.jp/ por mail: centro-beca@bn.mofa.go.jp

Agustín Pinchevsky, ex becario de la carrera de traducción e interpretación con orientación en negocios, en el Bunka Institute of Language (BIL) de Tokio, comparte su experiencia: «Estudiar en un país con una cultura tan interesante y distinta a la propia representó un gran desafío, pero también me trajo un sinnúmero de vivencias únicas e inolvidables. Hice nuevos amigos de todas partes del mundo, aprendí sobre el idioma y la cultura japonesa bajo la tutela de docentes maravillosos, pude viajar a la prefectura de Ishikawa con un programa de homestay y tuve la oportunidad de convivir con nativos, mientras aprendía de sus costumbres personalmente, etc. Gracias a esos años en Japón, no sólo mi nivel en el idioma sino mi vida en general se vio enriquecida, tanto a nivel personal como profesional.»

Mariana Varela, quien realizó una maestría de 2 años en Media & Governance con orientación en ciberinformática en Keio University cuenta que «más allá de lo académico, fue una experiencia que definió mi camino profesional. Desde mi regreso a Argentina trabajo en UX Research y hoy lidero el departamento de Investigación de Experiencia de Usuario en Banco Santander.»

TIPOS DE BECAS

Beca de posgrado – «Kenkyuryugaku» (1 ½ año o 2 años)

Permite realizar investigaciones académicas durante año y medio o dos años en áreas de estudio que se desarrollen en universidades japonesas, con el objetivo de completar una maestría, doctorado o especialización. Incluye un curso de seis meses de idioma japonés.

Requisitos:

a) Nacionalidad argentina.
b) Edad: hasta 34 años.
c) Graduado universitario (licenciatura o equivalente).
d) Haber completado por lo menos 16 años de educación (entre primario, secundario y universitario).
e) El tema de investigación elegido debe estar relacionado con su profesión

Beca para carrera universitaria – «Gakubu» (5 años)

Permite realizar una carrera de grado en una universidad japonesa en el área de estudio elegido (Humanidades, Ciencias Sociales, Exactas o Naturales). Incluye un año de japonés intensivo.

Requisitos:

a) Nacionalidad argentina.
b) Edad: 17 años cumplidos, hasta 24 años.
c) Haber completado por lo menos 12 años de educación (entre primaria y secundaria) o estar cursando el último año de la escuela secundaria.

Beca técnica – «Senshugakko» (3 años)

Permite realizar una carrera terciaria en Japón dentro de las siguientes áreas de estudio: tecnología, cuidado personal, nutrición, educación, bienestar, comercio, moda, economía del hogar, cultura y educación general. Incluye un año de japonés intensivo y dos años de estudios terciarios.

Requisitos:

a) Nacionalidad argentina.
b) Edad: 17 años cumplidos, hasta 24 años.
c) Haber completado por lo menos 12 años de educación (entre primaria y secundaria) o estar cursando el último año de la secundaria.

La donación consta de un ortopantomógrafo para radiografías panorámicas y un sillón odontológico, por un valor total de USD 48.733, y fue realizada en el marco del programa de Asistencia Financiera No Reembolsable para Proyectos Comunitarios de Seguridad Humana (APC) del Gobierno del Japón.

En la ceremonia estuvieron presentes Senadora de la provincia, Senadora Natalia GADANO, Mariano MAZZAGLIA, Jefe de Gabinete de Caleta Olivia, Dr. Daniel COBAS, Director Ejecutivo del Hospital Zonal, Andrea BAYON, Secretaria de Estrategia y Gestión Operativa, Dra. Daniela CAROD, Secretaria de Estado de políticas Sanitaria, Verónica NOHARA, Presidenta de CAMICRUZ, autoridades y socios del Club de Leones, quienes han expresado un profundo sentimiento de agradecimiento hacia el gesto del Pueblo Japonés para la comunidad de Caleta Olivia y alrededores.

“APC”

La “Asistencia Financiera No Reembolsable Para Proyectos Comunitarios de Seguridad Humana (APC)” , como parte de la Asistencia Oficial para el Desarrollo (AOD) tiene como objetivo brindar esta cooperación a pequeña escala destinada a organizaciones sin fines de lucro, tales como organizaciones no gubernamentales, organismos de gobiernos locales, instituciones médicas, instituciones educativas, entre otros, para ayudar el desarrollo socioeconómico a nivel comunitario, satisfaciendo las necesidades básicas de la comunidad local.

Cooperación de Japón hacia la Argentina y al CIC 17 de Octubre

Hasta la fecha, el Gobierno de Japón (a través de la Embajada de Japón en Argentina) ha llevado a cabo un total de 81 proyectos en Argentina (por un valor total de U$S 5.289.314 dólares estadounidenses), proporcionando fondos a ONG y otras entidades para la adquisición de camiones de bomberos, equipos médicos, ambulancias, etc. De estos proyectos, en 40 de ellos se han donado equipos médicos a hospitales y otras instituciones con el fin de proteger la vida y la salud de la población local. En este marco, esta es la primera vez que se realiza una cooperación a la provincia de Santa Cruz.

Esta iniciativa se basa en una solicitud presentada por el Club de Leones de Caleta Olivia a la Embajada de Japón en Argentina. Este aporte contribuirá a la detección de temprana de patologías, a la mejora de los servicios de prevención y tratamiento odontológico para los pacientes de la ciudad de Caleta Olivia y las zonas aledañas.

Por otra parte, se espera que este gesto del Pueblo japonés contribuya a estrechar aún más las relaciones de amistad entre Argentina y Japón, que este año celebran el 128.º aniversario del establecimiento de relaciones diplomáticas y el 140.º aniversario de la inmigración japonesa a Argentina.

La sala se llenó de fans, aplausos, emoción y muchas umamusume —o “señoritas caballitas”, para decirlo con cariño— reunidas para vivir una experiencia que fue mucho más que ver una película. En 2026, año del Caballo de Fuego en el horóscopo oriental, la llegada de esta historia a los cines pareció tener una coincidencia perfecta. Casualidad o destino, las carreras llegaron en el momento justo.

La película, que se estrena en Latinoamérica el 14 de mayo, tuvo una previa cargada de entusiasmo. No era simplemente “vamos al cine”. Era más bien: vamos a alentar, sufrir, emocionarnos y celebrar cada carrera como si estuviéramos en la recta final de un Gran Premio.

Hubo aplausos durante las escenas más intensas, comentarios cómplices entre fans, reencuentros de chicas que no se veían desde la sesión del Hipódromo o desde la última JJ, y una presencia notable de cosplayers que llevaron fuera de la pantalla a las queridas chicas-caballo.

Porque en el mundo de Umamusume, correr no es solo correr. Es entrenar, caerse, levantarse, competir, cantar y perseguir un sueño con la determinación de quien no piensa aflojar ni en la última curva.

La historia sigue a Jungle Pocket, una joven umamusume que entrena para convertirse en la mejor corredora y competir en la exigente serie Classic Triple Crown, tres carreras que solo pueden disputarse una vez en la vida. Pero el camino no será sencillo: frente a ella aparecen rivales de enorme talento como Agnes Tachyon, una figura casi imposible de vencer, además de Manhattan Cafe y Dantsu Flame, cada una con su propia ambición, estilo y fuerza emocional.

Lo interesante es que varios de esos personajes también estaban presentes entre el público, gracias a las fans disfrazadas con orejas, colas, uniformes y detalles muy cuidados. El resultado fue una mezcla perfecta entre cine, evento otaku, encuentro de comunidad y pequeña fiesta ecuestre-pop.

Japón inventó muchas cosas raras y maravillosas; esta vez nos regaló chicas-caballo que hacen llorar al público en una sala de cine. Y funciona.

La franquicia UMAMUSUME: PRETTY DERBY, nacida del exitoso videojuego de Cygames, combina carreras de alta velocidad, estética idol, entrenamiento deportivo, rivalidades intensas y conciertos después de la victoria. Es una fórmula que, explicada en frío, puede sonar imposible; pero basta verla en pantalla para entender por qué genera tanta pasión.

La película se destaca por sus secuencias de carrera espectaculares, una animación de alto nivel y un ritmo emocional que conecta tanto con quienes ya conocen la saga como con quienes se acercan por primera vez. Algunos fans llegaron preparados: habían jugado al videojuego o seguido las series anteriores. Eso se notaba en la sala, donde cada aparición, cada gesto y cada carrera eran recibidos con emoción.

Ver a Pocket correr en pantalla grande es otra cosa. Se siente la velocidad, se vive la tensión y se comparte la experiencia con una comunidad que no mira en silencio: acompaña, alienta y celebra.

En resumen: 10/10. No la pierdan. Y quién sabe: tal vez también encuentren a una umamusume sentada al lado de su butaca.

Quien escribe ha asistido a varias avant-premières, pero esta tuvo algo único. Además de la energía fan, hubo un detalle especialmente lindo: algunas chicas se emocionaron al conocer a una “japonesa de verdad” por primera vez y contaron que estudiaban japonés y desean ir a Japón para aprender el diseño de indumentaria. Muchas incluso cantaban en japonés con muy buena dicción y mucho sentimiento.

Fue una muestra preciosa de cómo el anime también crea puentes culturales. A veces, una película no sólo reúne espectadores: también abre conversaciones, despierta vocaciones y une mundos que parecían lejanos.
La hayas visto antes o sea tu primer contacto con este universo, UMAMUSUME: PRETTY DERBY – The Beginning of a New Era es una experiencia totalmente recomendable.

Nunca tantas umas reunidas en un cine tuvieron tanto sentido.

Ficha técnica
Título: UMAMUSUME: PRETTY DERBY – The Beginning of a New Era
Título original: Umamusume Puritî Dâbî: Shinjidai no Tobira
País: Japón
Género: Anime / deporte / drama
Duración: 107 minutos
Dirección: Ken Yamamoto
Voces: Yuri Fujimoto como Jungle Pocket; Sumire Uesaka como Agnes Tachyon
Versión: Subtitulada al español
Estreno en Latinoamérica: 14 de mayo
Preventa: Disponible
youtube.com/watch?v=MKfgE-Z8ddQ&feature=youtu.be

La energía de la sala también quedó registrada en varios videos y fotos compartidos por los fans.
https://www.instagram.com/p/DYPx0hExwe4/?hl=es
https://www.instagram.com/p/DYPuccnuxQ9/
https://www.instagram.com/p/DYO7mLFSeP_/
https://www.instagram.com/p/DYPKaxLuUtq/?hl=es

Desde el teatro del siglo XVIII hasta la narrativa del Japón moderno, la muerte no solo aparece como final trágico, sino como una decisión cargada de sentido estético, moral y cultural. El shinjū 心中 -el doble suicidio por amor- y el seppuku 切腹 -el suicidio ritual asociado al honor- funcionan como dos caras de una misma pregunta: ¿por qué morir puede ser, también, una forma de afirmar la vida?

Este recorrido va desde el dramaturgo Chikamatsu Monzaemon hasta el controvertido escritor Yukio Mishima, dos autores separados por siglos, pero unidos por una misma obsesión: la estética de la muerte.

Morir por amor: la tragedia en el Japón del período Edo

A comienzos del siglo XVIII, en pleno período Edo, Japón vivía una etapa de estabilidad política y florecimiento cultural. En ese contexto, Chikamatsu Monzaemon escribió una de las obras más impactantes del teatro japonés: Los amantes suicidas de Sonezaki.

La historia, basada en hechos reales, narra el destino de Tokubei, un joven comerciante, y Ohatsu, una cortesana. Ambos están enamorados, pero su relación es imposible. Las presiones sociales, las deudas y la deshonra los empujan hacia una decisión irreversible: morir juntos.

El conflicto central no es solo romántico. Responde a una tensión profundamente japonesa: el choque entre el giri 義理 (deber social) y el ninjō 人情 (sentimientos personales). En una sociedad donde el honor y la obligación están por encima del individuo, amar puede convertirse en un acto de rebeldía.

El suicidio, entonces, aparece como una salida. No solo para estar juntos en la muerte, sino para escapar de una vida donde ese amor no tiene lugar.

La obra tuvo tal impacto que generó un fenómeno inquietante: parejas reales comenzaron a imitar a los personajes. El teatro dejó de ser representación para convertirse en inspiración directa de la tragedia. Tanto fue así que, en 1723, estas historias fueron prohibidas.

Del amor al honor: la transformación en el Japón moderno

Más de dos siglos después, la mirada sobre la muerte cambia radicalmente.

En Patriotismo, de Yukio Mishima, el doble suicidio ya no responde a un amor prohibido. El teniente Takeyama y su esposa Reiko no enfrentan obstáculos para estar juntos. Su relación es plena, intensa, incluso ideal.

Sin embargo, el conflicto aparece en otro plano: la lealtad.

La historia se sitúa tras el fallido golpe militar del 26 de febrero de 1936. El teniente recibe la orden de actuar contra compañeros rebeldes. Incapaz de traicionar sus convicciones y su idea del honor, decide quitarse la vida mediante seppuku. Su esposa, fiel a su rol, lo sigue.

Aquí, la muerte ya no es una fuga romántica. Es un acto político y simbólico.

Mishima lleva esta idea al extremo no solo en la ficción, sino en su propia vida. En 1970, tras un intento fallido de incitar a las Fuerzas de Autodefensa a restaurar el poder imperial, el autor se suicidó mediante seppuku. Su obra y su muerte quedaron, así, inseparablemente unidas.

Dos formas de morir, una misma estética

Aunque las historias de Chikamatsu y Mishima parecen opuestas, comparten un núcleo común: la muerte como acto significativo.

En el Japón del período Edo, el suicidio por amor surge como respuesta a una sociedad que no permite la libertad individual. En el Japón del siglo XX, el suicidio ritual responde a la pérdida de valores tradicionales y a la búsqueda de un ideal de honor.

En ambos casos, morir no es simplemente desaparecer. Es una forma de resolver un conflicto que la vida no puede.

Cuando la ficción se vuelve realidad

El shinjū y el seppuku no son solo recursos literarios. Han sido prácticas reales, profundamente arraigadas en la historia japonesa. La literatura, lejos de inventarlas, las refleja, las amplifica y, en algunos casos, las legitima.

Estas historias incomodan, fascinan y generan preguntas que siguen vigentes:
¿hasta qué punto una sociedad puede condicionar la vida individual?
¿Dónde termina el amor y empieza la obligación?
¿Puede la muerte ser, alguna vez, una elección estética?

Tal vez por eso, estas narraciones siguen resonando siglos después. Porque, en el fondo, hablan de algo universal: el intento humano de encontrar sentido, incluso en el final.

Podés leer el artículo académico relacionado acá → https://bit.ly/4d07jn3

ChaO es la conjunción de todo su trayecto personal y una oda colorida, trascendentalmente surrealista y bella en partes iguales, que hace énfasis en la experimentación visual y en una animación expresiva y con una ambientación saturada y caótica.

Aoki reinterpreta el cuento clásico de La sirenita de Hans Christian Andersen, y lo vuelve un relato sobre la coexistencia multicultural en tiempos modernos (y retrofuturistas), mostrando la convivencia entre especies en una gran metrópolis hiperconectada, repleta de diversidad. 

El protagonista, Stephan se casará con la princesa de los tritones, una sirena alegre llamada ChaO, que traerá amor y equilibrio a su vida, sorteando juntos los choques culturales con empatía y aceptación. De este modo, su unión servirá mundialmente como un puente político entre especies, pero ¿Es realmente la convivencia suficiente para la fortaleza de un vínculo? ¿O tal vez es un punto de partida para redescubrirse mutuamente y crecer a través de las diferencias?

En ese sentido, lo interesante de la película es que no teme arriesgar al narrar una historia adulta, usando la estética y la fluidez de los fotogramas para envolver al espectador en un no parar de animación y detallismo. Se toma su tiempo para la pausa, y explota audiovisualmente cuando tiene que hacerlo, sin complejizar en exceso, pero dando un mensaje profundamente humano, logrando enternecer y conectar con todos sus personajes.

Agradecemos a @cinetopiaargentina por la invitación a la premiere del día martes 21 de abril en el Showcase de Belgrano, y por traer esta maravillosa película.

¡No duden en ir a verla al cine! Es una experiencia para vivirla en la pantalla grande.