La ceremonia comenzó guiada por Sensei Mónica Tamanaha. Luego, todos los presentes fueron pasando por el altar para mostrar sus respetos. El arreglo floral del altar fue acompañado por un ikebana dispuesto por Leticia Tanoue de la Escuela Ohara. Posteriormente, Malena Higashi, presidenta de Urasenke Argentina, realizó una ceremonia de té (Chadō). La taza de té ofrecida frente al altar de la ceremonia, es una expresión de hospitalidad (omotenashi) y gratitud (kansha).

Finalmente las autoridades Gustavo Totake (presidente de la Asociación de Residentes de Kagoshima en Argentina) Ariel Tanoue (vicepresidente) y Victor Murase (presidente de la Federación de Asociaciones Nikkei en Argentina) expresaron palabras de agradecimiento y emoción recordando también la conmemoración 140 años de inmigración japonesa en Argentina que se da este año.

La ceremonia contó además con la presencia de Kenji Maehigashi, Ministro Consejero de la Embajada de Japón en Argentina, quien también dirigió unas palabras a los presentes y compartió el vínculo que tiene con Kagoshima, a través de la familia de su madre. Asimismo, transmitió un mensaje en representación del embajador Yoshitaka Hoshino, quien en ese momento se encontraba en Tokio:

“La ceremonia de hoy nos brinda la oportunidad de recordar con profundo respeto a quienes nos precedieron y agradecer el valioso legado que nos han transmitido. Sus enseñanzas, sus valores y el amor por sus raíces continúan inspirando a las nuevas generaciones y mantienen viva la identidad de la comunidad nikkei”.

Como cierre de la jornada, los presentes participaron de un baile de Ohara Bushi, una de las canciones folclóricas tradicionales más reconocidas de Japón, originaria de la prefectura de Kagoshima.

La asociación espera poder repetir esta ceremonia en los próximos años, como una forma de mantener viva la memoria de los ancestros, familiares y colaboradores de la comunidad y transmitir su legado a las nuevas generaciones.

Asociación de Residentes de Kagoshima en Argentina

Instagram @prefkagoshima_arg

Hablamos con Martín Javier Equetino, Kikisake-shi (especialista certificado en cata y maridaje de sake y bebidas japonesas), Sommelier y Maitre de la casa, quien nos contó acerca de este premio recibido.

Prestigiosos reconocimientos nacionales

En la edición más reciente de los premios otorgados por la emblemática revista y guía gastronómica Prazeres da Mesa —publicación con presencia en todo Brasil y de fuerte impacto en São Paulo, la ciudad con mayor concentración de restaurantes con estrellas Michelin en Sudamérica—, AHY PRIME SUSHI fue galardonado con dos distinciones de máximo nivel:

• Mejor Carta de Vinos (Premio Excelencia)
• Mejor Carta de Drinks (Melhores Cartas de Bebidas)

La guía Prazeres da Mesa entrega reconocimientos gastronómicos desde el año 2003 (manteniendo su formato y configuración independiente desde 2023). El proceso de evaluación se lleva a cabo a lo largo de un trimestre, período durante el cual periodistas y reconocidos críticos gastronómicos visitan de forma anónima el restaurante para evaluar tanto las propuestas de cócteles clásicos como las creaciones de autor de la casa.

Una trayectoria internacional de 30 años

Con tres décadas de experiencia en el mundo de la alta cocina, el chef Haruo cuenta con una formación internacional excepcional:

• Japón: Perfeccionó sus técnicas en Kioto, aprendiendo en el entorno tradicional de sus templos.
• Italia: Trabajó durante 4 años en el célebre restaurante Gambero Rosso, dominio de la gastronomía que le permitió además dominar el idioma italiano.
• Docencia: Ha sido profesor invitado de la renombrada escuela Le Cordon Bleu.

Innovación y liderazgo ejecutivo

Actualmente, Haruo se desempeña como chef ejecutivo al frente de dos destacadas propuestas culinarias:

1. AHY PRIME SUSHI: Enfocado en el concepto de Gendai Nihon Ryōri (cocina japonesa moderna) y Sushi-ya.
2. OUE SUSHI (Omakase Unique Experience Sushi): Proyecto en el cual supervisa la totalidad de las operaciones culinarias junto a su socio, Rogério Ito, visionario empresario nikkei de São Paulo con amplia trayectoria originada en el sector del entretenimiento e industrias nocturnas.

Asimismo, el Grupo Ito expande su sello de calidad en la gastronomía paulista colaborando en proyectos gastronómicos de gran relieve, entre los que destaca el restaurante Paparotto, liderado por la chef ejecutiva y ganadora de la primera temporada de MasterChef Profissionais (Brasil) en 2016, Dayse Paparoto.

Imágenes: Prensa Grupo Ito

La dificultad para conseguirla también tenía otras causas. Después de la invasión de Satsuma, en 1609, aumentó la presión sobre los bosques. En 1647, el Reino de Ryūkyū empezó a pagar un tributo de azúcar para devolver préstamos recibidos de Satsuma. La producción azucarera demandaba madera para fabricar barriles y obtener leña. A esa demanda se sumaba la madera destinada a edificios, puentes y otras construcciones.

Frente a la reducción de los recursos naturales, el gobierno estableció restricciones: en 1667 reguló las especies que podían talarse y las dimensiones de la madera autorizada. Durante el siglo siguiente, la administración de los bosques se volvió más estricta y las normas alcanzaron también a las viviendas: establecieron el tamaño de las casas y las parcelas, y determinaron qué materiales podía utilizar cada familia según su posición social.

Estas medidas condicionaron el acceso a las maderas de mejor calidad y también definieron qué tipo de vivienda podía construir cada grupo. La casa nuchijā, basada en una estructura de nuki (elementos horizontales que atraviesan y vinculan las columnas), había llegado a Ryūkyū desde las islas principales de Japón hacia mediados del período Kamakura. Durante el Reino estuvo reservada a las zonas de Naha, Shuri y los sectores de mayor rango, pero tras el levantamiento de las restricciones durante la era Meiji, se difundió gradualmente entre las viviendas comunes.

Como la madera se reunía gradualmente, podía permanecer almacenada durante mucho tiempo antes de que empezara la construcción. Era habitual conservarla en la costa o en zonas pantanosas mediante inmersión en agua. Este procedimiento era el sūkan, que consistía en cavar un pozo en la playa y enterrar allí las piezas de madera, o mantenerlas sumergidas en agua. El tratamiento podía prolongarse desde unos seis meses hasta incluso años.

El procedimiento de sūkan se aplicaba a la mayoría de las maderas. Se creía que el agua ayudaba a eliminar el almidón, relajaba las tensiones producidas durante el crecimiento del árbol, reducía las deformaciones y las grietas, y proporcionaba una mayor resistencia frente a los insectos.

Cada propietario tenía asignado un lugar para conservar sus troncos, pero si durante una construcción faltaba una pieza, podía pedirse prestada a otro propietario que tuviera madera almacenada. Esta posibilidad formaba parte de una práctica más amplia: el yuimāru era el sistema de ayuda mutua de la comunidad. Vecinos y parientes se organizaban para realizar tareas que una familia sola no podía resolver, como reunir y transportar madera, levantar la estructura, colocar la cubierta o construir los muros. La ayuda recibida debía devolverse con otra jornada de trabajo.

En lugares alejados, como Taketomi, quienes ayudaban también viajaban a otras islas para cortar árboles y trasladar los troncos hasta el pueblo. El yuimāru reunía así trabajo, conocimientos y materiales. La construcción de una casa dependía de esa red tanto como de la madera disponible.

Cuando llegaba el momento de construir la vivienda, esa cooperación se ampliaba: algunos vecinos trasladaban los troncos y las piedras, otros preparaban las piezas, levantaban la estructura o colaboraban en las etapas que necesitaban más manos.

La ayuda podía organizarse entre miembros de una misma familia extensa, entre viviendas vecinas o dentro de agrupaciones territoriales. Para construir la cubierta de una casa podían reunirse decenas de personas. En la isla de Yonaguni, ubicada en el extremo occidental del archipiélago, hay registros de una casa en la que participaron alrededor de 170 personas.

El maestro carpintero dirigía la construcción y realizaba las tareas principales: disponía las piezas y organizaba los encuentros entre columnas y vigas. A su alrededor trabajaban otros carpinteros y quienes ayudaban.

De una casa a otra, las técnicas se repetían y se adaptaban a las condiciones de cada lugar. En muchos pueblos, algunas personas habían aprendido observando obras anteriores y podían ejecutar tareas similares a las de los carpinteros. En las islas donde era difícil conseguir artesanos, el conocimiento constructivo podía transmitirse dentro de la propia comunidad.

La madera utilizada variaba según la región, la función de cada pieza y los recursos de la familia. El podocarpo de Japón, llamado chāgi en Okinawa e inumaki en japonés, se apreciaba por su durabilidad y su resistencia a la humedad y las termitas. Otra madera de buena calidad era el mokkoku, conocido localmente como īku. Ambas se usaban en la estructura de las casas de familias acomodadas. El chāgi también se usaba en viviendas comunes, especialmente en columnas y otras piezas que quedaban a la vista.

También se usaban otras maderas locales, como el iju y el itajii. Desde fines del siglo XIX aumentó el uso de cedro japonés traído de las islas principales de Japón, especialmente en el centro y el sur de la isla principal de Okinawa, donde los recursos forestales eran más limitados.

Construir una casa en Okinawa significaba poner en relación los bosques, la costa, el clima y la vida comunitaria. La madera había sido seleccionada, trasladada, conservada y, en algunos casos, prestada por otra familia. Los conocimientos se habían transmitido dentro de la comunidad y el trabajo se había organizado entre carpinteros, vecinos y parientes. La casa era el resultado visible de todos esos vínculos.

Imágenes:

Tokyo Metropolitan Government, Tokyo Digital Archive.

Okinawa Prefecture, Forest Resources Research Center.

En esta entrevista, la chef María Belén Higa nos cuenta cómo crea sus platos bajo la premisa del disfrute sensorial total.

Chef profesional, María Belén Higa acumula más de veinte años trabajando en gastronomía. Ella concibe esta experiencia como una trama en donde confluyen su formación artística, la escuela y el instituto de cocina, sus maestros y colegas, y sobre todo, su familia. Como nieta de inmigrantes japoneses, su incursión en la cocina fue a partir de platos y sabores típicos de Japón. Esta cocina casera, laboriosa y detallista, marcó su impronta y le señaló una forma de trabajo que hoy traslada a sus proyectos.

Tu aprendizaje en la cocina comenzó desde muy chica, junto a tu madre y tu abuela. ¿Cuándo empezaste a pensar en la gastronomía como carrera?

Primero mencionaría mi formación artística, porque creo que tiene mucho que ver con cómo yo creo los platos. Estudié en una escuela de cerámica y Bellas Artes porque siempre me gustó dibujar, trabajar con las manos. Cuando elegí dedicarme a la gastronomía como profesión sentí que, si bien es un ámbito que requiere más estructura, también se puede ser muy creativo. ¡Recuerdo que mis profesores de dibujo se decepcionaron! Ellos querían que siga una carrera artística.

Contanos sobre tus estudios, tus mentores, personas que te han enseñado y apoyado a lo largo de tu carrera.

Tengo muchos referentes, y tuve la suerte de poder trabajar en ocasiones con algunos de ellos. No es sólo aprender a cocinar, también la dinámica y planificación del trabajo es muy importante. Pero mi formación fue variada, si bien hoy me dedico a cocina japonesa, es importante conocer otros sabores, técnicas. Estudié cocina en institutos gastronómicos, y ahí adquirí una formación clásica en cocina francesa.

Pero me pude perfeccionar en cocina oriental gracias a grandes maestros que tuve en paralelo: cocina china con Oscar Lin, cocina japonesa tradicional con Jorge Julio Kato, y sushi con Ariel Agena. También tuve la oportunidad de estudiar con Mirta Carabajal, que es una gran pastelera argentina. Con Juan Torrado aprendí sobre maduración de carnes, jamón crudo y quesos. En ese momento el chef tenia 35 años en gastronomía y me dijo que aún le faltaba experiencia, porque no conocía la cocina japonesa que es muy técnica. Leo Lanussol, me metió en una gastronomía que no conocía y que ahora que la conozco quiero seguir aprendiendo.

¿Cómo aplicás todas esas experiencias a tus trabajos y proyectos actuales? Al pensar un plato o un menú el protagonista es siempre el producto.

Trabajo para potenciar sus características. También es muy importante para mi no generar desperdicio. En la cocina japonesa casi todo se recupera, a veces lo que se considera desperdicio es lo que más aporta sabor, por ejemplo, en el uso de los huesos de pescados. Hay que conocer bien cada ingrediente, entonces cada pescado tiene huesos que pueden ser reutilizados en diferentes formas y cocciones. Podés generar dashi, salsas, furikake, puro umami, a partir de lo que se descarta.

En Nika hacemos cocina japonesa sin gluten, natural y sustentable. Es un desafío que tomé y el resultado es otra forma de concebir los ingredientes, sin resignar sabor. Este año obtuvimos una recomendación de la Guía Michelin, y creo que es una forma de desmitificar que lo saludable puede ser rico. Cada plato nuevo que sale a la carta tiene mucho tiempo de pruebas, no sólo en el proceso de cocción, sino también en la explosión de sabores que puede generar. Trato de que cada plato produzca algo en el paladar, pero también en el olfato, la vista, el tacto. Ahora estoy incursionando en el lado más “emocional” que puede tener un plato, por eso comencé Modoru, que es un emprendimiento de pastelería japonesa. Quiero potenciar esto de recordar a través de los sentidos. Modoru significa “volver”, “regresar”. Para mi es importante la historia o el concepto detrás de cada comida, y me gusta jugar desde ese lado.

Haru / primavera. Clase degustación de platos.

• Fecha y hora: Jueves 15 de octubre 2026 18hs
• Lugar: Nikkei Senior Club (Humberto 1º 2028, Buenos Aires, Argentina)
• Cupos limitados.
• Información + inscripción: https://www.instagram.com/mariabelenhiga_/

Nika Club Omakase

• Dirección: Nicaragua 5952, Buenos Aires, Argentina
• Instagram: https://www.instagram.com/nikaclubomakase/

Modoru

• Instagram: https://www.instagram.com/modoru.ar/

La prefectura de Okinawa creó en abril de 2021 la «Conserjería de la Red Uchinā (Uchinā Network Concierge – UNC)», una plataforma para garantizar la transmisión estable de la Red Uchina a las generaciones futuras, tanto en Japón como en el extranjero. La UNC trabaja en diversas áreas, como «Servicio de consulta», «El desarrollo de recursos humanos», «Promoción de actividades de intercambio», «Difusión y recolección de información» y «Herencia histórica de la inmigración okinawense».

En esta oportunidad, queremos presentar un evento relacionado con la «Promoción de actividades de intercambio».

Evento en línea por el 10.º aniversario del Día Mundial del Uchinanchu

Con motivo del 10º aniversario de la creación del Día Mundial del Uchinanchu (30 de octubre), UNC llevará a cabo un conversatorio con la participación de los creadores del Día Mundial del Uchinanchu: Andrés Higa (nissei de origen okinawense, nacido en Argentina) y Tadashi Andrés Isa (sansei de origen okinawense, nacido en Perú), quienes participarán como invitados especiales.

[Fecha y hora]
Japón: Domingo 4 de octubre de 2026, de 9:00 a. m. a 10:30 a. m.
Argentina: Sábado 3 de octubre de 2026, de 9:00 p. m. a 10:30 p. m.
[Modalidad] En línea (Zoom)
[Idioma] Español (Se ofrecerá interpretación al japonés y al inglés)
[Inscripción] https://forms.gle/ZssbGGAqw67bJMuL8
(También es posible inscribirse mediante el código QR)

[Contacto]
Uchinā Network Concierge (UNC)
Responsables: Oshiro / Kinjo
Correo electrónico: info1@wun.jp Teléfono: +81-70-3801-8670
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Organizado por: Gobierno de la Prefectura de Okinawa
Proyecto: Proyecto de Operación de la Uchina Network Concierge (UNC) – Año Fiscal 2026
Planificación y operación: World Youth Uchinanchu Association (WYUA)
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Esta celebración tuvo un matiz profundamente especial: se desarrolló en el marco de los festejos por los 140 años de la inmigración japonesa en la Argentina y los 120 años de la llegada del primer inmigrante japonés a la ciudad rosarina.

Una jornada de inmersión total

Desde las 11:00 hasta las 18:00 horas, el Parque Urquiza recibió a familias, jóvenes entusiastas de la cultura nipona y curiosos que se acercaron a participar de un intercambio cultural genuino. El predio ofreció una experiencia completa: los asistentes pudieron degustar cocina tradicional, participar en talleres de origami, caligrafía, bonsái y cerámica, además de presenciar exhibiciones de artes marciales en el área del tatami.

La propuesta musical y artística fue uno de los platos fuertes de la tarde, con presentaciones de taiko, eisa, sanshin y Bon Odori, sumado al despliegue de los grupos de J-Rock, manga, animé y cosplay, que demostraron cómo estas expresiones modernas siguen conectando a las nuevas generaciones con Japón.

En diálogo con Andrea Nisnevich, Directora General de Turismo de la Municipalidad de Rosario, pudimos conocer de primera mano el valor que la gestión local le otorga a este encuentro:

«Esto ya es una tradición y queremos que quede instalado en el calendario anual de la ciudad de Rosario. Tanabata es para celebrar y para mostrarle a la Argentina y al mundo esa diversidad y todos nuestros espacios verdes que tiene la ciudad», afirmó Nisnevich.

La elección del Complejo Astronómico Municipal como sede no fue azarosa. Fue una decisión estratégica que permitió integrar la feria cultural con una propuesta educativa y espiritual: funciones especiales en el planetario donde se proyectó la leyenda de Orihime y Hikoboshi, brindando un marco único para reflexionar sobre el significado del festival.

Al consultarle sobre el creciente interés de la ciudadanía por estas temáticas, Nisnevich destacó la evolución en la percepción local:

«Rosario es una ciudad realmente multicultural. Particularmente, Japón está llamando un poquito más la atención de lo normal, sobre todo en los jóvenes y en los no tan jóvenes. Estamos viendo que está mucho más visibilizado y mucho más normalizado».

Esta «normalización» a la que refiere la funcionaria se refleja en la proliferación de comercios temáticos de animé, cómics y la constante oferta de talleres de idioma, que funcionan como puentes cotidianos entre ambas naciones.

Por su parte, Alejandro Toguchi, presidente de la Asociación Japonesa de Rosario, expresó su satisfacción por el masivo apoyo del público y el éxito de esta tercera edición consecutiva. Durante el evento, Toguchi resaltó cómo el interés por la cultura japonesa ha crecido exponencialmente en los últimos años, impulsado en gran medida por el auge del animé y el aprendizaje del idioma, factores que actúan como un potente imán para las nuevas generaciones.

Al reflexionar sobre el impacto del evento, Toguchi destacó: «La verdad es que ya desborda la cantidad de gente que hay. No teníamos tanta previsión en eso, los puestos mismos ya hace un par de horas se quedaron sin nada». Lejos de ser un inconveniente, este fenómeno fue recibido por la organización como una señal sumamente positiva del compromiso y la curiosidad de la comunidad rosarina.

Un futuro con raíces firmes

El «Rosario celebra Tanabata» no fue solo una feria; fue, ante todo, un espacio de encuentro. La presencia de artistas nacionales e internacionales, junto con las charlas académicas —que abordaron desde la enseñanza del idioma hasta la historia de la inmigración—, enriqueció el evento con un valor educativo pocas veces visto en festivales de esta magnitud.

Con el éxito de esta 3.ª edición y la confirmación de nuevos eventos a futuro, Rosario reafirma su posición como un nodo clave de difusión cultural. El Tanabata no solo nos permitió escribir deseos en los tradicionales tanzaku y colgarlos en ramas de bambú, sino que, por un día, logró que todos los presentes sintiéramos que, efectivamente, estábamos en Japón.

Sin duda, la comunidad rosarina ya cuenta los días para el próximo encuentro, celebrando la diversidad que hace grande a nuestra ciudad.

Así declara el personaje de Untamagiru en la película homónima del año 1989, dirigida por el cineasta okinawense Gō Takamine. En sus palabras hay una suerte de encarnación del espíritu folclórico y de resistencia ryukyuense, frente a un colonialismo que buscó despojar a una identidad histórica de sus propias raíces en pos de una asimilación que, aún a día de hoy, precisa de la irreverencia cultural para ser confrontada, puesta en tela de juicio y (¿por qué no?) derribada en algún momento.

De hecho, bajo esa premisa de reivindicación, la cinta de Takamine retrata, en clave de comedia con tintes dramáticos, la historia de Giru, un campesino que está enamorado de la supuesta hija de su jefe, dentro del contexto social y político en el que Estados Unidos “devolvió” Okinawa a Japón en 1972.  Lo interesante aquí es cómo la obra nos muestra de qué modo el romance de Giru desencadena una reflexión sentida sobre la idiosincrasia okinawense y cómo sus formas de resistencia se resignifican constantemente.

A través de este amor, el protagonista hace enfadar a la deidad principal del bosque Untama, ya que la joven que pretende resulta ser hija de este dios. Por ello, condenado a muerte por su profanación, Giru experimenta su propio kamikakushi (神隠し) o desaparición ocurrida por deidades o espíritus, y es rescatado por un dios de un árbol, que lo recompensa por haber salvado previamente a su hijo de morir ahogado. Luego de este hecho obtendrá el poder de levitar y de atraer cosas, y se convertirá en Untamagiru, un espíritu protector de los pobres, que se involucra con el movimiento independentista okinawense y adopta, de algún modo, la forma corpórea del verdadero corazón uchinanchu.

Quizás la mayor lucidez de esta obra sea abrazar el imaginario artístico de Onaha Būten (1897-1969), un comediante amateur okinawense que desarrolló un reconocible “arte de la risa” a través de canciones, teatro clásico ryukense o mandan (un arte interpretativo que mezcla monólogos con música popular). La belleza de su comedia estaba en esconder la propia lucha de Ryūkyū en sus palabras, usando sutilmente el uchinaaguchi para hacer reír y unir simbólicamente al pueblo okinawense, dentro de un sentido que sólo ellos podían comprender.

En su afán conquistador, con el que anhelaban ser más astutos, los estadounidenses permitían la expresión cultural ryukyuense buscando aceptación y subordinación. Pero lo que nunca esperaron o quisieron entender fue que dentro de ese arte había más que simple música, danza o teatro: estaba el espíritu de un pueblo inquebrantable unido en un lenguaje que nunca iba a ser leído en todos sus matices. Las obras de Būten, de hecho, sobrevivieron la censura, ya que estaban impregnadas de lo que James C. Scott llama “discurso oculto”, un doble sentido que emana resistencia cultural. Hay, tal vez, una inmortalidad necesaria en esta política del engaño humorístico.

Tener este trasfondo nos ayuda a comprender mejor cómo Untamagiru utiliza esta semántica para hacer crecer su narrativa. De hecho, vemos que uno de los principales discípulos de Onaha Būten actúa en la película como peluquero, y no es otro que Rinsuke Teruya, quien popularizó en los años 50 el llamado watabusho, un estilo de presentación inspirado en su mentor que incluía música okinawense mezclada con humor y comentarios sociales. En esta película ejecuta pequeños interludios de esta índole que cuentan sobre la situación de Okinawa y de Untamagiru, y es acompañado por el sanshin del también músico de posguerra Rinshō Kadekaru y la voz de la magistral Jun Togawa, una artista de vanguardia icónica de los años 80.

Que esté Togawa ahí no es casualidad, habiendo ya participado en la película previa sobre Okinawa de Takamine “Paradise View” (1985), la cantante manifestó un interés por la situación social okinawense y también por la confrontación frente a los imperialismos. En su disco Kyokutou Ian Shouka de 1985 lanzó la canción Umi Yakara (的海ヤカラ) que reconvierte el sonido de la danza Eisa y narra la historia de una mujer enamorada de un pescador de la ciudad de Itoman, siendo la misma una reinterpretación de una famosa canción folclórica okinawense y estando completamente cantada en uchinaaguchi.

Un pescador de Itoman, justamente, es también el protagonista de una de las obras más conocidas de Būten: Sekai man’yū. Aquí este personaje relata a un hombre letrado sobre sus viajes sin dinero por el mundo, y menciona a varias personalidades intercambiando sus nombres con palabras okinawenses. Por ejemplo, dice que conoció a Hitler y le dice Hittorā (atrapar en okinawense) porque atrapa a los demás países. O bien a Churchill le dice Chā uchā chirū (Chirū, la vendedora de té del castillo de Shuri). De este modo el discurso oculto ejerce un rol fundamental para crear una cosmovisión que sólo el pueblo okinawense puede comprender. No solamente por el idioma, sino porque el pescador rebaja a todos estos líderes y dominadores a su nivel, lo cual es una muestra de resistencia y audacia dialéctica.

Pero si hablamos de la música en Untamagiru, también debemos focalizarnos en su compositor, Koji Ueno, quien crea melodías autóctonas que infunden ese sentido de realismo mágico y manifiesto político. Además, fue compañero de Togawa en el grupo Guernica, que desafiaba los discursos imperialistas en su música, puesta en escena y portadas, tomando la estética del período de entreguerras y la propaganda de ese entonces para subvertirlas.

También, algo que destaca en la película es el protagonista principal. Empieza siendo un peón explotado y pobre, y termina como un mártir que encarnó a Okinawa misma como símbolo. Sus actos, sus formas, todo remite a una representación humana (o no) de lo que identifica a Ryūkyū, tiene una personalidad repleta de convicciones, utiliza el humor para resistir y ayuda a aquellos okinawenses que no se resignaron al control ajeno, y que buscan restaurar la autonomía de antaño. Untamagiru, incluso, termina actuando de sí mismo en una obra que retrata su vida, mostrando de esta manera que también existe en el arte, y que va a seguir resistiendo cómo idea más allá del tiempo o de las dudas que depositen sobre la identidad de Okinawa. En una época donde la resistencia de Ryūkyū es un chanpuru (mezcla) entre Estados Unidos y Japón, Untamagiru nace como un chanpuru entre lo humano y lo divino para legitimar la independencia de Okinawa, ya sea como reino o como república. Un puente humano, pero también la validación divina. Un superhéroe folclórico de espíritu isleño.

Esta dualidad nace del bosque en el que Giru se transforma y adquiere sus poderes, se trata del Untamamui, ubicado entre las ciudades de Yonabaru y Nishihara, un lugar repleto de utaki, término okinawense para referirse a los lugares sagrados. De hecho, la leyenda folclórica en la que se basa la película nació en este lugar, y fue representada también teatralmente. El logro de Gō Takamine fue redescubrir la esencia de este personaje, una suerte de Robin Hood ryukyuense, de cara al contexto moderno de neocolonialismo y asimilación. Hablada completamente en uchinaaguchi, Untamagiru es la historia de un hijo de Ryūkyū, esparciendo esperanza a través de una cosmovisión cultural única, con sátira y fuerza identitaria, anhelando ser escuchado dentro del silencio al que buscan someter a las minorías. Una lectura pertinente pero también necesaria para construir un sentido de pertenencia y comprensión histórica. Una resistencia cubierta de memoria y sueños.

Imágenes: Asian Movie Pulse, IMDb, Captura

Referencias:

Takahashi, M. (2016). Subvertir los valores y reírse de la autoridad: El arte de la risa como táctica de resistencia. En S. Dube e I. Banerjee-Dube (Eds.), Culturas políticas y políticas culturales (pp. 135–164). El Colegio de México.

Power of Okinawa. (2011, 24 de enero). Island Voices: Rinsuke Teruya. WordPress. https://powerofokinawa.wordpress.com/2011/01/24/island-voices-rinsuke-teruya/

Nishihara Town. (s. f.). 運玉森（Untamamui）. 西原町ホームページ (Sitio web oficial del municipio de Nishihara). https://www.town.nishihara.okinawa.jp/site/bunkazai/1044.html

Tanami Theater. (s. f.). オキナワンドリーム 『ウンタマギルー』 [Okinawa Dream: Untamagiru]. note. https://note.com/tanami_theater/n/n21d1567eb16f

Ma, R. (2020). Okinawan Dream Show: Approaching Okinawa in moving image works into the new millennium. En Independent filmmaking across borders in contemporary Asia (pp. 163–195). Amsterdam University Press.

La apertura estuvo a cargo del tradicional Kari no Ensō, una secuencia de música y danza de buen augurio que antiguamente inauguraba las ceremonias de la corte del Reino de Ryūkyū. A partir de allí, comenzaron a sucederse piezas pertenecientes a distintos momentos de la historia de Okinawa, interpretadas por agrupaciones con trayectorias diversas, pero unidas por un mismo compromiso con la enseñanza y la difusión de estas expresiones artísticas.

El recorrido atravesó distintos momentos de la historia cultural okinawense: danzas de origen cortesano como Washi nu Tui, Hamachidori, Urizun, Higasa y Naginata dialogaron con el repertorio para sanshin y koto, mientras las propuestas musicales contemporáneas completaron un panorama que dio cuenta de la amplitud y la vigencia de las artes de Ryūkyū.

Una de las primeras presentaciones estuvo a cargo del dojo Shōrin Ryū Matsubayashi Higa Marcelo, que interpretó una mezcla de los katas Rōhai y Sai ichi. Más adelante, Ryukyukoku Matsuridaiko Filial Argentina aportó la energía característica del eisa, con una puesta que transformó el clima de la sala.

Cada interpretación fue también el reflejo de un trabajo sostenido de enseñanza y aprendizaje que continúa renovándose generación tras generación. El festival volvió a mostrar que una tradición permanece viva porque sigue encontrando personas dispuestas a aprenderla, interpretarla y compartirla. Quizá esa sea una de las características más interesantes del Ryūkyū Geinōsai: en el transcurso de una misma tarde conviven expresiones nacidas en épocas muy distintas e interpretadas por personas de diferentes edades y trayectorias. Algunas piezas remiten a la vida de la antigua corte del Reino de Ryūkyū; otras pertenecen a un repertorio mucho más reciente. Todas encuentran un mismo sentido cuando vuelven a ser interpretadas en el presente.

Entre el público también era posible descubrir otras escenas. Algunas personas acompañaban las canciones casi sin darse cuenta; otras cerraban los ojos mientras sonaban melodías que parecían devolverlas, aunque fuera por unos instantes, a otros tiempos y otros lugares.

Los intervalos también fueron parte del encuentro. Entre los puestos de comida y bebida hubo conversaciones, reencuentros y saludos. La jornada continuaba también allí, más allá del escenario.

Uno de los momentos más luminosos de la tarde llegó con Haisai Ojisan, canción que recordó la dimensión más representativa de Okinawa: la de un pueblo que celebra el humor, la cercanía y la alegría compartida. Fue también una invitación a recordar que la identidad Uchinanchu vive en las canciones que invitan a sonreír, en los personajes entrañables que todos reconocen y en esa forma particular de celebrar la vida que caracteriza al pueblo okinawense.

En el tramo final, la danza Mamidoma reunió a todos los grupos participantes sobre el escenario, anticipando el tradicional kachāshī, que marca el final de las celebraciones okinawenses.

Al ver reunidas a tantas personas de distintas edades, era inevitable pensar que el Geinōsai es el momento en que la comunidad Uchinanchu puede verse a sí misma. Detrás de cada una de esas personas hubo años de práctica, de ensayo y de maestros y maestras dispuestos/as a transmitir sus conocimientos. Y resulta alentador comprobar que siempre hay personas dispuestas a ocupar esos lugares.

Participación virtual en las ceremonias por la paz, con interpretación simultánea al español.

La ONG Fundación Sadako invita a las personas de Argentina y de otros países de habla hispana a participar virtualmente en las Ceremonias por la Paz de Hiroshima y Nagasaki 2026.

A través de Zoom se conectará Japón con América Latina, España, Estados Unidos y otras regiones para acompañar juntos las transmisiones oficiales en vivo desde las ciudades de Hiroshima y Nagasaki. Durante las ceremonias se ofrecerá interpretación simultánea al español, además de breves explicaciones sobre su significado y contexto cultural.

La bomba atómica fue lanzada sobre Hiroshima el 6 de agosto de 1945 a las 8:15, y sobre Nagasaki el 9 de agosto del mismo año a las 11:02. En esos momentos exactos, los participantes sostendrán una grulla de origami como símbolo de paz, recordarán a las víctimas y rezarán juntos por la paz mundial.

Ceremonia Conmemorativa por la Paz de Hiroshima

5 de agosto de 2026

Argentina, Paraguay y Uruguay: de 19:40 a 20:45
Chile continental, Bolivia y Miami: de 18:40 a 19:45
Perú y Colombia: de 17:40 a 18:45
México —Ciudad de México—: de 16:40 a 17:45

6 de agosto de 2026

España peninsular: de 00:40 a 01:45
Japón: de 07:40 a 08:45

Inscripción para Hiroshima:
https://forms.gle/jFk1GxzV21WDz5tJ6

Los sonidos de la infancia se volvieron haiku.

Buenos Aires fue sede de la ceremonia de premiación del Concurso de Haiku para Niños del Mundo de JAL Foundation.

Con la emoción de los chicos y el orgullo de sus familias, el martes 28 de julio se realizó en Buenos Aires la ceremonia de entrega de premios a los ganadores del Concurso de Haiku para Niños del Mundo, organizado por JAL Foundation.

El acto tuvo lugar en la Residencia del Embajador del Japón en la Argentina y comenzó con las cálidas palabras del señor MAEHIGASHI Kenji, encargado de Negocios de la Embajada del Japón. En su discurso, destacó la importancia de cultivar la relación con el mundo que los rodea y la comprensión mutua, felicitó a los participantes y expresó su deseo de que esta iniciativa intercultural continúe desarrollándose.

La ceremonia contó con la presencia del gerente de JAL Foundation, señor GOJI Shinya; de la señora MURAKAMI Kanami, ejecutiva de ventas de Japan Airlines para España y Portugal; de los directores de la compañía en San Pablo, Brasil, señores Keisuke HATSUDA y Hirofumi OTAKE; y de Kengo KANATANI, quienes viajaron especialmente para la ocasión.

También participó la Fundación Internacional Tōzai, dirigida por la profesora Dra. Stella Maris Acuña, junto con su equipo docente. La institución tuvo a su cargo la difusión y la organización local del certamen en Argentina.

Este concurso internacional se celebra cada dos años y está dirigido a niños de hasta 15 años. Su objetivo es difundir la creación de haiku, cultivar la sensibilidad infantil y profundizar el conocimiento de la cultura japonesa, promoviendo la comprensión y el intercambio entre niños de distintos países.

Fue organizado por la Fundación JAL, con el auspicio de Japan Airlines Co., Ltd., Pilot y la colaboración de la Asociación Internacional de Haiku. Cuenta, además, con el apoyo del Ministerio de Asuntos Exteriores del Japón, la Agencia de Asuntos Culturales, el Comité Japonés para UNICEF y la Fundación Japón.

Historia del concurso infantil de haiku organizado por JAL Foundation

La historia del proyecto se remonta a 1964, año de los Juegos Olímpicos de Tokio, cuando Japan Airlines impulsó en Estados Unidos un concurso de haiku mediante un programa musical de radio. La convocatoria reunió 41 mil obras.

En aquel entonces, Japón todavía era un país poco conocido en Estados Unidos y se lo percibía como un pequeño país en el lejano Oriente. Por esa razón, se realizó una campaña estratégica para dar a conocer tanto a Japón como a la aerolínea que lo representaba.

La razón por la que fue elegido, tendría que confirmarse mediante los registros antiguos, no obstante, se puede considerar que es una forma de acercamiento cultural capaz de llegar al corazón de personas de distintos países. A diferencia de otras disciplinas japonesas, no requiere materiales especiales: solo palabras, aunque son palabras que exigen observación, atención y reflexión.

Desde 1990, JAL Foundation continuó la iniciativa y la transformó en el actual Concurso de Haiku para Niños del Mundo, que se celebra en Japón y en distintas regiones.

El gerente GOJI señaló que una de las características que distingue a este concurso es que los haiku deben estar acompañados por dibujos realizados por los propios niños para representar las escenas observadas. Incluso hoy no se permiten ilustraciones digitales, ya que la organización desea conservar la espontaneidad del momento captado y la manera en que los niños lo expresan.

El tema «Sonido»: literatura e idioma japoneses

En esta edición, el tema fue “sonido”. En japonés, las expresiones onomatopéyicas y miméticas ocupan un lugar destacado para representar sonidos, movimientos, estados y sensaciones.

Además, la atención a los sonidos cotidianos tiene una larga presencia en la literatura japonesa. En el primer ensayo japonés en la altura del siglo 10, El libro de la almohada —Makura no sōshi—, Sei Shōnagon registra impresiones de la naturaleza, las estaciones y la vida de la corte desde una mirada personal.

Siglos después, en el siglo 17, en Oku no Hosomichi, Matsuo Bashō, el primer maestro de haiku, vuelve a escuchar el paisaje durante su viaje por el nordeste de Japón. La rana que salta en el antiguo estanque y el canto de las cigarras son imágenes muy conocidas de su obra.

A partir de esta consigna, los niños se dedicaron a escribir haiku inspirados en sonidos cercanos a su mundo: hojas que crujen, gotas sobre un techo, grillos al anochecer, una rana saltando, una abeja bebiendo néctar, el gallo al amanecer o, quizás, según el Sr. MAEHIGASHI, el ruido de la caída de agua de las cataratas de Iguazú y el sonido de bandoneón, o bien describir como es el cielo noroeste de Jujuy, el ruido de la ciudad llena de vida de Buenos Aires.

Ceremonia en la Residencia del Embajador

Durante la ceremonia se entregaron diplomas y premios aportados por la empresa Pilot, entre ellos crayones lavables, que pueden borrarse con agua, donde representa el espiritu del cuidado del medio ambiente y otros útiles desarrollados con tecnología propia de la marca.

Algunos de los premiados o sus profesores que pudieron asistir leyeron sus haiku en voz alta, transmitiendo con mayor viveza el sentido de sus obras. También se presentaron los trabajos distinguidos junto con los dibujos realizados por sus autores.

El señor Goji explicó que el haiku está relacionado con el eidoku: crear y recitar forman una unidad. En las formas tradicionales de expresión japonesa, no solo importa escribir, sino también decir las palabras en voz alta, con ritmo y entonación, casi como si se cantaran.

Las lecturas permitieron, además, apreciar la personalidad de cada niño y el entorno familiar que acompaña su crecimiento y su sensibilidad, además de la riqueza de la naturaleza de cada región.

Los tres Grandes Premios

Tres obras recibieron el Gran Premio por su manera de transformar sonidos cotidianos en imágenes.

Luca Luccioni, 8 años

Día soleado.

El perrito ladrando,

cerca del río.

日本語訳

晴れた日に

犬が鳴く

川のほとり

English

Sunny day

The dog barking

Near the river

Luca reúne tres elementos cercanos al mundo infantil: un día soleado, un perro y el río. El ladrido introduce sonido y movimiento en una escena sencilla.

Yina Alejandra Espinosa Montañez, 13 años

Gotas tras gotas

cayendo cristalinas,

sobre mi techo.

日本語訳

ポトポトと

雨粒が透明な水晶みたいに

屋根に落ちてる

English

Drops after drops

Falling crystal clear

On my roof

Yina convierte la lluvia en una experiencia cercana mediante las gotas que caen sobre “mi techo”. El haiku recoge un instante cotidiano visto desde el interior del hogar.

Benjamín Atuel Delgadillo, 14 años, Argentina

De salto en salto

de chirrido en chirrido

un saltamontes.

日本語訳

飛んで飛んで

ギーチョンギーチョン

キリギリス

English

From jump to jump

From squeak to squeak

A grasshopper

Benjamín, jujeño, une el movimiento y el sonido al ritmo del insecto. En su dibujo, rodeado de altas montañas, el niño y el saltamontes parecen compartir un pequeño juego. No, en realidad, el ruido le molestaba a la noche, según el autor. Así, captura un mundo natural.

Niños premiados

Además, fueron distinguidos:

• Lisa Biscione Miranda, 8 años
• Dilan Camilo Espinosa Montañez, 9 años
• Haley Taylor Alvarez, 11 años
• María Mercedes Soria, 12 años
• Bianca Elizabeth Orellana Biancheri, 13 años
• Benjamín Almirón, 13 años
• Nehuén Benjamín Cussi, 14 años
• Aldo Jonás Gómez, 14 años
• Julián Munevar Cruz, 14 años
• Adriano Urzagasti, 15 años

Una puerta hacia la cultura japonesa

El haiku es una forma breve nacida en Japón. Tradicionalmente, se compone de 17 unidades sonoras distribuidas en 5, 7 y 5, y suele incluir una referencia estacional llamada kigo.

En otros idiomas, el concurso no exige reproducir esa medida de manera estricta, sino presentar el haiku en tres líneas breves. El español, por la abundancia de sílabas abiertas, permite aproximarse con cierta naturalidad al ritmo japonés.

Más allá de su estructura, el haiku busca captar un instante, una observación o un descubrimiento de la vida cotidiana.

Estas obras no solo acercan a los niños a Japón, sino que también les permiten compartir experiencias de sus propias comunidades con participantes de otros países. Gracias a JAL Foundation, los sonidos y paisajes de la Argentina pueden atravesar fronteras.

La iniciativa nació en Japan Airlines, cuyo emblema, el tsurumaru, representa una grulla japonesa roja sobre el fuselaje blanco de sus aviones y evoca los colores de la bandera japonesa. Se puede asociar con la grulla de origami por la paz, ambas imágenes remiten a la esperanza, la buena fortuna y la posibilidad de superar fronteras.

Felicitamos a todos los niños argentinos, tanto a los premiados como a quienes participaron. A través de sus obras, también ayudaron a los adultos a descubrir nuevas maneras de observar y escuchar el mundo.

Esta iniciativa internacional permitió que los jóvenes argentinos conocieran una parte de la cultura japonesa y, en algunos casos, que viajaran por primera vez a Buenos Aires. Al mismo tiempo, los animó a reconocer y valorar la comunidad en la que viven.

Como la grulla, esperamos que puedan desplegar sus alas: primero, acercándose a Japón a través del haiku y, en un futuro próximo, viajando a Japón o a otros lugares del mundo. Sin perder sus raíces, podrán desenvolverse como parte de una sociedad global construida con esperanza y paz.

Para mayor información https://www.tozai.com.ar/_files/ugd/1bd656_b56cd3da94344709a12e9b7c46116ca8.pdf

Las obras están publicadas en la web de JAL Foundation https://www.jal-foundation.or.jp/haiku-contest/entry/en/