Los artistas se presentaron en el emblemático Teatro Colón, lugar al que la gente asistió expectante por vivir un viaje sonoro que atravesó, con sutileza y magia, un repertorio variado que fue desde obras de Ludwig van Beethoven, César Franck, Pablo de Sarasate y que finalizó con una melodía a modo de epílogo de Fritz Kreisler.

Entre musicalidad y aplausos la tarde transcurrió con complicidad entre la ejecución en el escenario y el público, quienes se vieron conmovidos por la destreza de Suwanai y la lucidez de Yanagitani. La unión de los instrumentos, como si fuera un trazo en conjunto de un lienzo mayor, provocó una sensación de ensoñación entre los asistentes, transportando con sensibilidad el talento de los músicos a través de la acústica inigualable del teatro porteño.

Sentados en la penumbra, con la inmensidad ambiental e histórica del entorno, la audiencia vivió una experiencia única que, gracias a la belleza musical, realzó el vínculo cultural entre Argentina y Japón, sosteniéndolo como un lazo histórico de amistad y de cooperación mutua.

Agradecemos a TAO Production [MonchiMedia (Mónica Kogiso @monchiarg) – Diana Atsumi @diana_atsumi] por la invitación, y celebramos el auspicio por parte la Universidad Nacional de Tokyo – TAO Project, el Centro Cultural e Informativo de la Embajada de Japón @japanemb_arg, la Embajada Argentina en Japón @embajadaargentinaenjapon y FANA @fana.arg

Fotos:  Juanjo Bruzza (Prensa Teatro Colón)

Hoy te invitamos a viajar a través de las costumbres para ver cómo se vive el Chichi no hi (父の日 – Día del Padre) en Japón, en contraste con nuestra clásica celebración argentina.

Argentina: El calor del hogar y el aplauso para el asador

En Argentina, el Día del Padre es sinónimo de reunión multitudinaria. La figura paterna se celebra alrededor de una mesa donde el gran protagonista suele ser el asado.

• El ritual: Desde temprano, el fuego se enciende y la familia se junta en el patio o la terraza. Se debate sobre el punto de la carne, se comparte un mate y se brinda con un buen vino.
• El ambiente: Es una fiesta ruidosa, llena de anécdotas, tíos, abuelos y primos. Los regalos suelen ser ropa, herramientas o algo para el momento del brindis, pero el verdadero obsequio es el tiempo compartido en comunidad.

Japón: Girasoles, gratitud silenciosa y «Jinbei»

En el archipiélago nipón, el Chichi no hi se adoptó formalmente a mediados del siglo XX, siguiendo el calendario occidental (el tercer domingo de junio). Sin embargo, la idiosincrasia japonesa le imprime un sello de respeto, serenidad y detalles simbólicos.

• El color amarillo: Así como en el Día de la Madre (母の日 – Haha no hi) predominan los claveles rojos, en el Día del Padre el símbolo son las flores amarillas, especialmente los girasoles (ひまわり – himawari) o las rosas amarillas. Este color simboliza la energía, el agradecimiento y el deseo de buena salud para el progenitor.
• Regalos con identidad: Es muy común regalar alimentos gourmet (como carne de wagyu o mariscos premium), licores locales (sake o whisky japonés) y prendas tradicionales de verano como el 甚平 jinbei (un conjunto ligero de algodón) para que papá descanse cómodo en casa.
• La gratitud verbal: Dado que la sociedad japonesa suele ser más reservada con el afecto físico, el Día del Padre es la excusa perfecta para pronunciar o escribir un sincero «お父さん、いつもありがとう – Otoosan, itsumo arigatou» (Papá, gracias por todo siempre).

El regalo perfecto: Un viaje a través de la lectura (¡Con 20% de descuento!)

Si querés sorprender a papá con algo único, este año dejamos de lado las corbatas. Te presentamos una selección exclusiva de cinco libros imperdibles con un 20% de descuento ideal para regalar en su día:

El samurái errante

Novela de aventuras / Histórica

Una fiel y fascinante inmersión en el Japón del siglo XVII (Era Keichō). Entre conspiraciones políticas, misterios en el bosque y la transformación de la clase guerrera, un joven discípulo y un misterioso samurái deberán salvar el honor de su clan.

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Creepy

Thriller psicológico / Suspense

Para los fanáticos del misterio contemporáneo. Un psicólogo criminalista se adentra en un perturbador caso del pasado, descubriendo que en el Tōkyō hiperconectado del siglo XXI, las apariencias engañan y los vecinos ocultan secretos terroríficos.

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Asesinato en el Honjin

Policial clásico / Misterio

El brillante debut del detective Kosuke Kindaichi. Un impactante crimen de alcoba en una posada tradicional rodeada de nieve virgen. Tres relatos de ingenio puro elegidos entre las mejores novelas de misterio de todos los tiempos.

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Ikigai

Crecimiento personal / Filosofía

Escrito por Fer Niizawa, este libro es una guía transformadora para ayudar a papá a encontrar su propósito, conectando pasión, vocación y profesión a través de herramientas prácticas y sabiduría ancestral.

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La espada de bambú

Relatos históricos / Época Edo

Una deliciosa selección de relatos ambientados tras la mítica batalla de Sekigahara (1603). Con emoción y ternura, Fujisawa retrata a samuráis que, en tiempos de paz, luchan por preservar su honor y adaptarse a la vida familiar.

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A todos los padres de nuestra comunidad, tanto a los que esperan el aplauso para el asador como a los que disfrutan de la lectura silenciosa: ¡Feliz Día del Padre! / 父の日おめでとうございます！- Chichi no hi omedetou gozaimasu!

En ese sentido el vínculo entre Kore-eda y la Argentina es, cuanto menos, interesante. Fue premiado en la categoría de Mejor Película y Mejor Guión en el BAFICI por su película After Life del año 1999, y también por Still Walking del año 2008 en el Festival de Cine de Mar del Plata. Y reconoce que “ama” las películas argentinas de “Jauja” de Lisandro Alonso y “El secreto de sus ojos” de Juan José Campanella. Para él, el cine es un lenguaje universal y por eso valora profundamente la felicidad de poder hablarlo, sobre todo a la hora de conectar con una cultura de un país tan distante de Japón como el nuestro.

Desde Alternativa Nikkei pudimos contactar con Miyuki Fukuma, productora de alguna de sus cintas, y gracias a su intermediación conseguimos una entrevista con el director Kore-eda. Agradecemos desde ya su amabilidad y buena predisposición para realizar este intercambio, y esperamos que puedan disfrutarlo, y acercarse de otra manera a su cine, si todavía no lo han hecho.

Antes que nada, quería agradecerle por su tiempo, siento que hay muchos entusiastas de su cine aquí en Argentina que disfrutarán de sus palabras. En ese sentido ¿Qué significa para usted que sus películas interpelen y sean objeto de análisis en un contexto cultural tan distinto como el argentino?

El cine me hace pensar una vez más que es un “lenguaje universal”. Para alguien como yo, que solo habla japonés, valoro profundamente la felicidad de haber podido adquirir ese “lenguaje”.

En el 2024 la directora Miwa Nishikawa pudo visitar nuestro país y participar en el Festival de Cine de Mar del Plata con sus películas. Sé que a ambos los une un vínculo cercano, que nació del trabajo en conjunto. Dentro de ese contexto ¿Ha tenido contacto con el cine argentino o con alguno de sus realizadores? ¿Qué conoce sobre el país?

Recibí el Gran Premio y el premio a Mejor Guión en el BAFICI por After Life, y el premio a Mejor Película en el Festival de cine de Mar del Plata por Still Walking, me siento muy agradecido por eso.

Sin embargo, no pude asistir a ninguna de las ceremonias, así que me gustaría mucho visitar Argentina cuando tenga la oportunidad. Me da pena que las películas argentinas no se estrenen tan seguido en Japón, pero amo Jauja de Lisandro Alonso y El secreto de sus ojos de Juan José Campanella.

Yendo más hacia su filmografía, una película que ha trascendido el tiempo ha sido “Nobody Knows” del año 2004. En ella, como en varias de sus cintas, la ausencia ejerce un rol invisible que moldea estructuras familiares. Incluso en el título mismo existe esta presencia ausente, ya que podemos percibir como en verdad todos de una forma u otra saben de las circunstancias de estos niños y nadie parece actuar en consecuencia ¿Cree que, de algún modo, la sociedad japonesa tiende a no mirar las realidades familiares que se escapan de la normatividad que aprueba? Y siguiendo esa lógica ¿Siente que esto ha cambiado en el Japón actual?

Sí. Creo que la “indiferencia” es la forma de violencia más grave dentro de la sociedad japonesa. Y esa situación está empeorando rápidamente.

Nobody Knows (2004)

Bajo este razonamiento, la mirada infantil en esta cinta es la que genera esa sensación sutil de desvanecimiento, ya que el abandono o la muerte son procesados con inocencia y resiliencia. Por eso quería preguntarle ¿Cómo fue trabajar con los niños en la creación de esta película? Sé que les dio libertad a la hora de interpretar ¿Pero de qué manera siente que ellos enfrentaron el dolor de la historia mediante sus actuaciones? Y durante el rodaje ¿Logró entender mejor los sentimientos que buscaba transmitir?

El rodaje, que se extendió durante un año, fue un tiempo muy feliz. No quería necesariamente que ellos expresaran el encuentro con el “dolor” mediante palabras o expresiones faciales, pero recuerdo haber conversado con Ayu Kitaura, que interpretaba a la hija mayor, sobre cuándo y de qué manera Kyoko iba perdiendo la esperanza y la idea de un futuro.

Por otro lado, en una película como “Still Walking” (2008) el dolor por la pérdida ejerce como sostén invisible en el vínculo familiar. El duelo pesa a lo largo de toda la cinta y se hace presente en las tensiones explícitas e implícitas entre padres e hijos. El hijo fallecido reaparece en diálogos, pero también lo hace en miradas, en gestos, en objetos. El vacío que dejó atrás construye el mundo de los personajes y sobrevive en una sutileza que nunca acaba rompiéndose. Por eso quería preguntarle, director Kore-eda: ¿Es, para usted, la muerte de un ser querido una fractura familiar insuperable? ¿O es quizás una forma de canalizar una ruptura entre generaciones que se escuda en el dolor para no ver sus conflictos?

Creo que el significado de la “pérdida” y las emociones que nacen de ella cambian según cada obra, pero en Still Walking intenté retratar de manera multifacética la fractura producida por la muerte y ausencia del hijo mayor, desde las perspectivas de la madre, el padre, el hijo e incluso el yerno.

Still Walking (2008)

En “Air Doll” (2009) crea una reflexión profunda y sentida sobre la alienación urbana, la soledad y el vacío en un mundo cada vez más inhumano e individualista. Es interesante ver cómo la protagonista a través de su viaje logra entender con empatía nuestra necesidad como sociedad de conectar emocionalmente con otras personas, llegando a ser más real que muchos con los que se cruza, quienes sólo buscan cosificarla por su apariencia. Por consiguiente, quería consultarle por la escena final, la cual encuentro realmente conmovedora ¿Por qué siente que Nozomi prefiere dejar de existir antes que convivir en un mundo así? ¿Cree que hay alguna esperanza para hacer prevalecer nuestro humanismo aún a pesar de tanta deshumanización?

Pensaba ese final no tanto como una existencia siendo borrada, sino como un ser al que se le dio aliento regresando nuevamente a ese aliento. Quizás sea más fácil entenderlo si se lo compara con el final de La sirenita de Andersen. Aunque ese aliento abandona el cuerpo, también conecta a las personas entre sí. Intenté representar un ciclo en el que ese “aliento” transporta semillas que dan origen a otra vida. Creo que descubrir que yo también soy parte de ese círculo es lo que constituye la “esperanza”.

Air Doll (2009)

A lo largo de su carrera ha tenido la oportunidad de colaborar con grandes actrices, como lo son Kirin Kiki, Sakura Ando, Bae Doona o Suzu Hirose, entre otras. ¿Qué experiencias y aprendizajes le ha dejado trabajar con ellas? ¿Tiene alguna anécdota para contar?

No alcanza el papel para hablar de eso. Dejaré las anécdotas para otra ocasión. Además de su asombroso talento, les tengo un profundo respeto por su actitud tan dedicada hacia el trabajo.

Cuando hablamos de la mirada femenina en su cine, es inevitable mencionar a “Our Little Sister” del año 2015. En ella descubrimos a mujeres autosuficientes que se han logrado reponer ante la pérdida, y que unen su fortaleza para seguir adelante, formando una familia poco convencional pero entrañable y repleta de amor. Me gustaría saber ¿Qué tan importante es para usted visibilizar la representación de lo femenino en el contexto del Japón moderno?

No hago películas pensando en cosas tan grandes como si son o no “importantes para el Japón contemporáneo”, especialmente en el caso de esa obra. Mi postura fue simplemente retratar qué ocurre cuando cuatro personas con distintas personalidades, edades y recuerdos conviven en un mismo espacio, manteniéndome lo más fiel posible al manga original.

Our Little Sister (2015)

Para Shoplifters (2018) nos encontramos con una familia sin lazos de sangre que coexiste en la marginalidad. Aquí la ceguera social, al igual que en “Nobody Knows”, se ve representada por el aislamiento efectuado silenciosamente hacia la pobreza. La figura del orden aparece para sostener un discurso que divide y empeora la circunstancia previa, sin comprender los motivos de raíz que llevaron a estas personas a unirse. La fachada de una estructura tradicional como bien mayor, esconde a lo marginal sin reconocer que es un espacio donde la dignidad sobrevive gracias a la humanidad que nace del afecto y la cercanía. Director Kore-eda ¿Cree que algún día Japón podrá derribar estructuras tan arraigadas como las de la familia tradicional? Y por otro lado ¿Siente que ha crecido la pobreza en el país, desde el momento en el que hizo la película hasta ahora?

El gobierno actual está dominado por fuerzas que buscan reforzar las estructuras tradicionales japonesas e imponer una mayor uniformidad, así que el futuro no se ve prometedor. La pobreza sigue agravándose, y creo que las llamadas “tres décadas perdidas” de estancamiento económico probablemente terminen convirtiéndose en cuarenta años. Sin embargo, la “división” que Shoplifters intentó retratar tiene dos aspectos: por un lado, la condena y exclusión que provienen del exterior, basadas en los modelos tradicionales de familia; y por otro, una ruptura que nace desde el interior. Es decir, la familia comienza a desmoronarse internamente cuando en Shota despierta un sentido de la “ética”. Sentía que este segundo aspecto era incluso más importante y universal.

Shoplifters (2018)

Una pieza importante de la narrativa de sus películas es la banda sonora, dejando piezas memorables y que a día de hoy son automáticamente identificables. Recientemente en Monster (2023) ha podido colaborar con el renombrado compositor Ryuichi Sakamoto, pero también ha trabajado con otras eminencias como Haruomi Hosono, Yoko Kanno o el dúo Gontiti. Quisiera preguntarle ¿Cómo es su proceso creativo a la hora de crear la música para sus historias? ¿Tiene un diálogo cercano con los compositores o les brinda libertad creativa?

Suelo confiarles mucho a los compositores. Generalmente primero decido los instrumentos… escucho distintas piezas interpretadas con esos instrumentos mientras escribo el guión, y después hago el encargo al músico.

En cuanto al cine japonés moderno ¿Qué opinión le merece? ¿Tiene alguna película que recomiende?

Por favor, vean las obras de la generación nacida en los años 80 que apareció después de la mía: directores como Kōji Fukada, Ryūsuke Hamaguchi, Chie Hayakawa y Tetsuya Mariko.

Para finalizar, quería consultarle por futuros proyectos. Sé que hará la versión live action del manga “Look Back” de Tatsuki Fujimoto ¿Nos puede adelantar algo sobre eso? Muchas gracias.

En Japón se estrenará el 11 de septiembre. Más información todavía es “secreta”. Esperenla con ansias.

Imágenes: Mikiya Takimoto, IMDb, The New York Times, Filmlinc, Palomita de Maíz, Pinterest.

El programa del gobierno japonés vuelve a abrir su convocatoria para estudiantes argentinos de carreras universitarias, terciarias, posgrados o perfeccionamiento docente interesados en continuar su formación en Japón. Más de 578 argentinos ya fueron becados desde el inicio del programa. Cada beca incluye el total de los gastos académicos de formación y estadía lo que representa unos 15 millones de pesos anuales.

Buenos Aires, mayo 2026. El Gobierno del Japón anuncia una nueva convocatoria de becas de estudio para argentinos que deseen formarse en universidades e instituciones académicas japonesas. El programa, impulsado por el Ministerio de Educación, permite acceder a carreras terciarias, universitarias, programas de posgrado y perfeccionamiento docente con financiamiento integral.

62 años atrás llegó el primer becario argentino a Japón, desde entonces, más de 578 estudiantes y profesionales argentinos participaron de esta experiencia académica y cultural la cual hoy es considerado como uno de los programas de intercambio educativo más prestigiosos del mundo.

«Cada nueva convocatoria representa una oportunidad para seguir fortaleciendo el vínculo entre Japón y Argentina a través de la educación y el intercambio cultural. Nos entusiasma ver cómo crece año tras año el interés de jóvenes y profesionales argentinos por conocer Japón desde adentro, formarse en sus universidades y vivir una experiencia transformadora», explica Noemí Murakami encargada de becas de la Embajada del Japón en Argentina.

Las becas están dirigidas a estudiantes y graduados argentinos de distintas disciplinas y contemplan diferentes categorías académicas según el perfil del postulante y otorgan la posibilidad de la posibilidad de realizar carreras terciarias, universitarias o de posgrado, además de perfeccionamiento docente en universidades japonesas. Los candidatos seleccionados podrán viajar a Japón para comenzar sus estudios en universidades o institutos designados por el gobierno japonés.

El programa contempla cobertura integral que incluye:

• Pasaje aéreo ida y vuelta
• Matrícula y cuotas universitarias
• Examen de ingreso
• Asignación mensual para alojamiento, alimentación, transporte y gastos personales
• Seguro médico

Esta experiencia ofrece a los becarios no sólo la posibilidad de desarrollar y expandir sus conocimientos, sino de vivir un intercambio cultural y social de calidad adentrándose en la sociedad japonesa y afianzado el vínculo entre ambas naciones.

Los postulantes que se presenten deberán pasar por un proceso de evaluaciones y entrevistas, y aquellos que sean seleccionados, viajarán a Japón a comienzos del primer semestre en abril o del segundo en octubre para comenzar sus estudios académicos en las universidades o institutos designados.

Actualmente, cerca de diez argentinos viajan cada año a Japón a través de estas becas. Dependiendo del programa y la institución académica, cada beneficiario podría recibir una suma equivalente de hasta 15 millones de pesos anuales, incluida la cobertura médica.

Para más información: https://www.ar.emb-japan.go.jp/ por mail: centro-beca@bn.mofa.go.jp

Agustín Pinchevsky, ex becario de la carrera de traducción e interpretación con orientación en negocios, en el Bunka Institute of Language (BIL) de Tokio, comparte su experiencia: «Estudiar en un país con una cultura tan interesante y distinta a la propia representó un gran desafío, pero también me trajo un sinnúmero de vivencias únicas e inolvidables. Hice nuevos amigos de todas partes del mundo, aprendí sobre el idioma y la cultura japonesa bajo la tutela de docentes maravillosos, pude viajar a la prefectura de Ishikawa con un programa de homestay y tuve la oportunidad de convivir con nativos, mientras aprendía de sus costumbres personalmente, etc. Gracias a esos años en Japón, no sólo mi nivel en el idioma sino mi vida en general se vio enriquecida, tanto a nivel personal como profesional.»

Mariana Varela, quien realizó una maestría de 2 años en Media & Governance con orientación en ciberinformática en Keio University cuenta que «más allá de lo académico, fue una experiencia que definió mi camino profesional. Desde mi regreso a Argentina trabajo en UX Research y hoy lidero el departamento de Investigación de Experiencia de Usuario en Banco Santander.»

TIPOS DE BECAS

Beca de posgrado – «Kenkyuryugaku» (1 ½ año o 2 años)

Permite realizar investigaciones académicas durante año y medio o dos años en áreas de estudio que se desarrollen en universidades japonesas, con el objetivo de completar una maestría, doctorado o especialización. Incluye un curso de seis meses de idioma japonés.

Requisitos:

a) Nacionalidad argentina.
b) Edad: hasta 34 años.
c) Graduado universitario (licenciatura o equivalente).
d) Haber completado por lo menos 16 años de educación (entre primario, secundario y universitario).
e) El tema de investigación elegido debe estar relacionado con su profesión

Beca para carrera universitaria – «Gakubu» (5 años)

Permite realizar una carrera de grado en una universidad japonesa en el área de estudio elegido (Humanidades, Ciencias Sociales, Exactas o Naturales). Incluye un año de japonés intensivo.

Requisitos:

a) Nacionalidad argentina.
b) Edad: 17 años cumplidos, hasta 24 años.
c) Haber completado por lo menos 12 años de educación (entre primaria y secundaria) o estar cursando el último año de la escuela secundaria.

Beca técnica – «Senshugakko» (3 años)

Permite realizar una carrera terciaria en Japón dentro de las siguientes áreas de estudio: tecnología, cuidado personal, nutrición, educación, bienestar, comercio, moda, economía del hogar, cultura y educación general. Incluye un año de japonés intensivo y dos años de estudios terciarios.

Requisitos:

a) Nacionalidad argentina.
b) Edad: 17 años cumplidos, hasta 24 años.
c) Haber completado por lo menos 12 años de educación (entre primaria y secundaria) o estar cursando el último año de la secundaria.

La donación consta de un ortopantomógrafo para radiografías panorámicas y un sillón odontológico, por un valor total de USD 48.733, y fue realizada en el marco del programa de Asistencia Financiera No Reembolsable para Proyectos Comunitarios de Seguridad Humana (APC) del Gobierno del Japón.

En la ceremonia estuvieron presentes Senadora de la provincia, Senadora Natalia GADANO, Mariano MAZZAGLIA, Jefe de Gabinete de Caleta Olivia, Dr. Daniel COBAS, Director Ejecutivo del Hospital Zonal, Andrea BAYON, Secretaria de Estrategia y Gestión Operativa, Dra. Daniela CAROD, Secretaria de Estado de políticas Sanitaria, Verónica NOHARA, Presidenta de CAMICRUZ, autoridades y socios del Club de Leones, quienes han expresado un profundo sentimiento de agradecimiento hacia el gesto del Pueblo Japonés para la comunidad de Caleta Olivia y alrededores.

“APC”

La “Asistencia Financiera No Reembolsable Para Proyectos Comunitarios de Seguridad Humana (APC)” , como parte de la Asistencia Oficial para el Desarrollo (AOD) tiene como objetivo brindar esta cooperación a pequeña escala destinada a organizaciones sin fines de lucro, tales como organizaciones no gubernamentales, organismos de gobiernos locales, instituciones médicas, instituciones educativas, entre otros, para ayudar el desarrollo socioeconómico a nivel comunitario, satisfaciendo las necesidades básicas de la comunidad local.

Cooperación de Japón hacia la Argentina y al CIC 17 de Octubre

Hasta la fecha, el Gobierno de Japón (a través de la Embajada de Japón en Argentina) ha llevado a cabo un total de 81 proyectos en Argentina (por un valor total de U$S 5.289.314 dólares estadounidenses), proporcionando fondos a ONG y otras entidades para la adquisición de camiones de bomberos, equipos médicos, ambulancias, etc. De estos proyectos, en 40 de ellos se han donado equipos médicos a hospitales y otras instituciones con el fin de proteger la vida y la salud de la población local. En este marco, esta es la primera vez que se realiza una cooperación a la provincia de Santa Cruz.

Esta iniciativa se basa en una solicitud presentada por el Club de Leones de Caleta Olivia a la Embajada de Japón en Argentina. Este aporte contribuirá a la detección de temprana de patologías, a la mejora de los servicios de prevención y tratamiento odontológico para los pacientes de la ciudad de Caleta Olivia y las zonas aledañas.

Por otra parte, se espera que este gesto del Pueblo japonés contribuya a estrechar aún más las relaciones de amistad entre Argentina y Japón, que este año celebran el 128.º aniversario del establecimiento de relaciones diplomáticas y el 140.º aniversario de la inmigración japonesa a Argentina.

La sala se llenó de fans, aplausos, emoción y muchas umamusume —o “señoritas caballitas”, para decirlo con cariño— reunidas para vivir una experiencia que fue mucho más que ver una película. En 2026, año del Caballo de Fuego en el horóscopo oriental, la llegada de esta historia a los cines pareció tener una coincidencia perfecta. Casualidad o destino, las carreras llegaron en el momento justo.

La película, que se estrena en Latinoamérica el 14 de mayo, tuvo una previa cargada de entusiasmo. No era simplemente “vamos al cine”. Era más bien: vamos a alentar, sufrir, emocionarnos y celebrar cada carrera como si estuviéramos en la recta final de un Gran Premio.

Hubo aplausos durante las escenas más intensas, comentarios cómplices entre fans, reencuentros de chicas que no se veían desde la sesión del Hipódromo o desde la última JJ, y una presencia notable de cosplayers que llevaron fuera de la pantalla a las queridas chicas-caballo.

Porque en el mundo de Umamusume, correr no es solo correr. Es entrenar, caerse, levantarse, competir, cantar y perseguir un sueño con la determinación de quien no piensa aflojar ni en la última curva.

La historia sigue a Jungle Pocket, una joven umamusume que entrena para convertirse en la mejor corredora y competir en la exigente serie Classic Triple Crown, tres carreras que solo pueden disputarse una vez en la vida. Pero el camino no será sencillo: frente a ella aparecen rivales de enorme talento como Agnes Tachyon, una figura casi imposible de vencer, además de Manhattan Cafe y Dantsu Flame, cada una con su propia ambición, estilo y fuerza emocional.

Lo interesante es que varios de esos personajes también estaban presentes entre el público, gracias a las fans disfrazadas con orejas, colas, uniformes y detalles muy cuidados. El resultado fue una mezcla perfecta entre cine, evento otaku, encuentro de comunidad y pequeña fiesta ecuestre-pop.

Japón inventó muchas cosas raras y maravillosas; esta vez nos regaló chicas-caballo que hacen llorar al público en una sala de cine. Y funciona.

La franquicia UMAMUSUME: PRETTY DERBY, nacida del exitoso videojuego de Cygames, combina carreras de alta velocidad, estética idol, entrenamiento deportivo, rivalidades intensas y conciertos después de la victoria. Es una fórmula que, explicada en frío, puede sonar imposible; pero basta verla en pantalla para entender por qué genera tanta pasión.

La película se destaca por sus secuencias de carrera espectaculares, una animación de alto nivel y un ritmo emocional que conecta tanto con quienes ya conocen la saga como con quienes se acercan por primera vez. Algunos fans llegaron preparados: habían jugado al videojuego o seguido las series anteriores. Eso se notaba en la sala, donde cada aparición, cada gesto y cada carrera eran recibidos con emoción.

Ver a Pocket correr en pantalla grande es otra cosa. Se siente la velocidad, se vive la tensión y se comparte la experiencia con una comunidad que no mira en silencio: acompaña, alienta y celebra.

En resumen: 10/10. No la pierdan. Y quién sabe: tal vez también encuentren a una umamusume sentada al lado de su butaca.

Quien escribe ha asistido a varias avant-premières, pero esta tuvo algo único. Además de la energía fan, hubo un detalle especialmente lindo: algunas chicas se emocionaron al conocer a una “japonesa de verdad” por primera vez y contaron que estudiaban japonés y desean ir a Japón para aprender el diseño de indumentaria. Muchas incluso cantaban en japonés con muy buena dicción y mucho sentimiento.

Fue una muestra preciosa de cómo el anime también crea puentes culturales. A veces, una película no sólo reúne espectadores: también abre conversaciones, despierta vocaciones y une mundos que parecían lejanos.
La hayas visto antes o sea tu primer contacto con este universo, UMAMUSUME: PRETTY DERBY – The Beginning of a New Era es una experiencia totalmente recomendable.

Nunca tantas umas reunidas en un cine tuvieron tanto sentido.

Ficha técnica
Título: UMAMUSUME: PRETTY DERBY – The Beginning of a New Era
Título original: Umamusume Puritî Dâbî: Shinjidai no Tobira
País: Japón
Género: Anime / deporte / drama
Duración: 107 minutos
Dirección: Ken Yamamoto
Voces: Yuri Fujimoto como Jungle Pocket; Sumire Uesaka como Agnes Tachyon
Versión: Subtitulada al español
Estreno en Latinoamérica: 14 de mayo
Preventa: Disponible
youtube.com/watch?v=MKfgE-Z8ddQ&feature=youtu.be

La energía de la sala también quedó registrada en varios videos y fotos compartidos por los fans.
https://www.instagram.com/p/DYPx0hExwe4/?hl=es
https://www.instagram.com/p/DYPuccnuxQ9/
https://www.instagram.com/p/DYO7mLFSeP_/
https://www.instagram.com/p/DYPKaxLuUtq/?hl=es

Desde el teatro del siglo XVIII hasta la narrativa del Japón moderno, la muerte no solo aparece como final trágico, sino como una decisión cargada de sentido estético, moral y cultural. El shinjū 心中 -el doble suicidio por amor- y el seppuku 切腹 -el suicidio ritual asociado al honor- funcionan como dos caras de una misma pregunta: ¿por qué morir puede ser, también, una forma de afirmar la vida?

Este recorrido va desde el dramaturgo Chikamatsu Monzaemon hasta el controvertido escritor Yukio Mishima, dos autores separados por siglos, pero unidos por una misma obsesión: la estética de la muerte.

Morir por amor: la tragedia en el Japón del período Edo

A comienzos del siglo XVIII, en pleno período Edo, Japón vivía una etapa de estabilidad política y florecimiento cultural. En ese contexto, Chikamatsu Monzaemon escribió una de las obras más impactantes del teatro japonés: Los amantes suicidas de Sonezaki.

La historia, basada en hechos reales, narra el destino de Tokubei, un joven comerciante, y Ohatsu, una cortesana. Ambos están enamorados, pero su relación es imposible. Las presiones sociales, las deudas y la deshonra los empujan hacia una decisión irreversible: morir juntos.

El conflicto central no es solo romántico. Responde a una tensión profundamente japonesa: el choque entre el giri 義理 (deber social) y el ninjō 人情 (sentimientos personales). En una sociedad donde el honor y la obligación están por encima del individuo, amar puede convertirse en un acto de rebeldía.

El suicidio, entonces, aparece como una salida. No solo para estar juntos en la muerte, sino para escapar de una vida donde ese amor no tiene lugar.

La obra tuvo tal impacto que generó un fenómeno inquietante: parejas reales comenzaron a imitar a los personajes. El teatro dejó de ser representación para convertirse en inspiración directa de la tragedia. Tanto fue así que, en 1723, estas historias fueron prohibidas.

Del amor al honor: la transformación en el Japón moderno

Más de dos siglos después, la mirada sobre la muerte cambia radicalmente.

En Patriotismo, de Yukio Mishima, el doble suicidio ya no responde a un amor prohibido. El teniente Takeyama y su esposa Reiko no enfrentan obstáculos para estar juntos. Su relación es plena, intensa, incluso ideal.

Sin embargo, el conflicto aparece en otro plano: la lealtad.

La historia se sitúa tras el fallido golpe militar del 26 de febrero de 1936. El teniente recibe la orden de actuar contra compañeros rebeldes. Incapaz de traicionar sus convicciones y su idea del honor, decide quitarse la vida mediante seppuku. Su esposa, fiel a su rol, lo sigue.

Aquí, la muerte ya no es una fuga romántica. Es un acto político y simbólico.

Mishima lleva esta idea al extremo no solo en la ficción, sino en su propia vida. En 1970, tras un intento fallido de incitar a las Fuerzas de Autodefensa a restaurar el poder imperial, el autor se suicidó mediante seppuku. Su obra y su muerte quedaron, así, inseparablemente unidas.

Dos formas de morir, una misma estética

Aunque las historias de Chikamatsu y Mishima parecen opuestas, comparten un núcleo común: la muerte como acto significativo.

En el Japón del período Edo, el suicidio por amor surge como respuesta a una sociedad que no permite la libertad individual. En el Japón del siglo XX, el suicidio ritual responde a la pérdida de valores tradicionales y a la búsqueda de un ideal de honor.

En ambos casos, morir no es simplemente desaparecer. Es una forma de resolver un conflicto que la vida no puede.

Cuando la ficción se vuelve realidad

El shinjū y el seppuku no son solo recursos literarios. Han sido prácticas reales, profundamente arraigadas en la historia japonesa. La literatura, lejos de inventarlas, las refleja, las amplifica y, en algunos casos, las legitima.

Estas historias incomodan, fascinan y generan preguntas que siguen vigentes:
¿hasta qué punto una sociedad puede condicionar la vida individual?
¿Dónde termina el amor y empieza la obligación?
¿Puede la muerte ser, alguna vez, una elección estética?

Tal vez por eso, estas narraciones siguen resonando siglos después. Porque, en el fondo, hablan de algo universal: el intento humano de encontrar sentido, incluso en el final.

Podés leer el artículo académico relacionado acá → https://bit.ly/4d07jn3

ChaO es la conjunción de todo su trayecto personal y una oda colorida, trascendentalmente surrealista y bella en partes iguales, que hace énfasis en la experimentación visual y en una animación expresiva y con una ambientación saturada y caótica.

Aoki reinterpreta el cuento clásico de La sirenita de Hans Christian Andersen, y lo vuelve un relato sobre la coexistencia multicultural en tiempos modernos (y retrofuturistas), mostrando la convivencia entre especies en una gran metrópolis hiperconectada, repleta de diversidad. 

El protagonista, Stephan se casará con la princesa de los tritones, una sirena alegre llamada ChaO, que traerá amor y equilibrio a su vida, sorteando juntos los choques culturales con empatía y aceptación. De este modo, su unión servirá mundialmente como un puente político entre especies, pero ¿Es realmente la convivencia suficiente para la fortaleza de un vínculo? ¿O tal vez es un punto de partida para redescubrirse mutuamente y crecer a través de las diferencias?

En ese sentido, lo interesante de la película es que no teme arriesgar al narrar una historia adulta, usando la estética y la fluidez de los fotogramas para envolver al espectador en un no parar de animación y detallismo. Se toma su tiempo para la pausa, y explota audiovisualmente cuando tiene que hacerlo, sin complejizar en exceso, pero dando un mensaje profundamente humano, logrando enternecer y conectar con todos sus personajes.

Agradecemos a @cinetopiaargentina por la invitación a la premiere del día martes 21 de abril en el Showcase de Belgrano, y por traer esta maravillosa película.

¡No duden en ir a verla al cine! Es una experiencia para vivirla en la pantalla grande.

Para entender el origen del pueblo ainu y posteriores representaciones cinematográficas es importante englobar una mirada transversal entre historia, sociedad y producción cultural. Entendiendo que todas ellas son necesarias para complejizar a los ainu dentro del contexto cambiante de este milenio. Por ello haremos un recorrido desde lo fáctico hasta llegar a la representación moderna de la cuestión ainu en el cine japonés, con cintas como Ainu Mosir.

En ese sentido, podemos ver que la cultura ainu actual se consolidó entre los siglos XII y XIII a partir de la interrelación entre la cultura Satsumon y la cultura Okhotsk. La primera, extendida desde el noreste de Honshu hasta el sur de Hokkaidō, presenta rasgos de una continuidad de la cultura Jōmon con influencias de las culturas Yayoi y Kofun. Por su parte, la segunda representaba una cultura costera y de cazadores-recolectores que se desarrolló en Sajalín y las islas Kuriles (ambas pertenecientes a la actual Rusia) y el noreste de Hokkaidō.

Kotan no kuchibue de Mikio Naruse (1959)

I-Omante -The Bear Ritual- イヨマンテ －熊おくり－ de Tadayoshi Himeda (1977)

Ahora bien, el vínculo del pueblo ainu con Japón (si bien ha tenido matices en un inicio) pasó de ser comercial a volverse conflictivo debido a una creciente explotación económica por parte de los llamados Wajin (japoneses), siendo una de las causas de tres levantamientos armados: en 1456 (Guerra de Koshamain), 1669 (Guerra de Shakushain) y 1789 (Rebelión de Kunashiri-Menashi). Sin embargo, no fue hasta la Restauración Meiji en 1868 donde el Estado japonés anexó unilateralmente el territorio ainu y le cambió el nombre a Hokkaidō. Esto hizo que la asimilación fuera de la mano de la creciente occidentalización japonesa y el mito de la homogeneidad como discurso político. De hecho, la invisibilización se ejerció de manera directa pero también simbólica, ya que estos territorios ocupados fueron declarados como terra nullius (tierra de nadie) y repartidos entre colonos japoneses. Así, la enajenación del Ainu Mosir se llevó a cabo, entre otras cosas a través de la prohibición de prácticas ainu como los tatuajes bucales en las mujeres, la lengua materna y sus nombres de origen. Además, el gobierno promulgó la Ley de Protección de los Antiguos Aborígenes de Hokkaidō en 1899, bajo la cual se buscó institucionalizar la desaparición identitaria ainu a través de un discurso que trataba a este pueblo como una “raza en extinción” e inferior.

En contraposición, parafraseando al sociólogo Yoshio Sugimoto en su libro “Una introducción a la sociedad japonesa”: “No fue hasta 1997 que se abolió esta ley y el parlamento japonés aprobó una nueva legislación para “promover la cultura ainu y difundir el conocimiento de sus tradiciones”, instando a la población japonesa a reconocer la existencia de la comunidad étnica ainu y la especificidad de su cultura dentro de Japón”. Más recientemente, en el 2008, el parlamento japonés también reconoció a los ainu como un pueblo indígena con su propia lengua, religión y cultura. La diversidad se verbalizó estatalmente, pero tras incontables años la reivindicación de lo ainu como pueblo indígena continúa a día de hoy con pequeñas luchas cotidianas en una sociedad que los ve, en parte, como un atractivo turístico y comercial. 

Quizás hablar de la identidad no es entenderla, es reconocer que esta misma es cambiante y va de lo colectivo a lo individual. Del mismo modo que la representatividad es, en cuyo caso, un ejercicio de búsqueda social que resplandece muchas veces a través de la cultura.

Estas tensiones también encuentran eco en el cine, que no ha sido la excepción: el siglo XX fue un terreno fértil para el abordaje de la cuestión ainu. Antes de 1945, de hecho, primaba la exotización a través de documentales etnográficos, mientras que en la guerra la representación de los ainu pasó a ser la de “aliados” mediante la propaganda estatal. En la posguerra, muchos cineastas como Mikio Naruse con su película Kotan no kuchibue de 1959, buscaron representar la diversidad ainu como una minoría escondida frente al discurso oficial del nihonjinron (esencialismo japonés) y el “milagro económico” japonés. Pero quizás la labor más visible para mostrar la vida y tradiciones del pueblo ainu se dio en los años 70, gracias a los documentales dirigidos por Tadayoshi Himeda, entre los que destaca I-Omante -The Bear Ritual- イヨマンテ －熊おくり－ de 1977, que retrata la ceremonia ainu del Iomante. Aquí los ainu pasan a ser narradores, y su subjetividad descubre un mundo que se creía olvidado y a través del cual se recupera la dignidad y la memoria bajo la reivindicación de su identidad en la modernidad de la época. El registro fílmico no solamente fue necesario y profundamente humano al mostrar tangiblemente la diversidad de Japón, sino que sirvió como una fuente eterna para hacer prevalecer tradiciones ancestrales para las futuras generaciones ainu. La simple existencia de este material es, cuanto menos, una prueba de lo valioso y trascendental que resulta intentar entender la identidad y el valor que se precisa a veces para transmitirla con orgullo a pesar de los prejuicios y la adversidad social.

Por eso también es importante revalorizar y poner en discurso y reflexión obras de este siglo XXI que se han ocupado de mostrar la cuestión ainu con respeto y desde un lugar contemplativo y hasta reivindicador. El ejemplo más famoso tal vez sea el anime y manga de Golden Kamuy creado por Satoru Noda, obra en la que no solo se retrata fielmente al pueblo ainu a través de la protagonista Asirpa y su comunidad (kotan) mostrando el idioma y las tradiciones, sino que también entra en juego el ejército japonés a través del personaje de Sugimoto “el inmortal”, quien peleó en la guerra ruso-japonesa (1904-1905). La historia empieza justamente cuando Sugimoto decide buscar un oro perdido robado a los ainu, para poder cumplirle su último deseo a su compañero muerto, y es interesante ver cómo él sirve de unión entre lo ainu y lo japonés con mucho humanismo, respeto y a veces hasta ternura.

Por otro lado, más recientemente tuvimos la película Ainu Mosir del año 2020 y dirigida por Takeshi Fukunaga, que se centra en la vida de un niño de ascendencia ainu en Kushiro, una pequeña ciudad en un rincón del lago Akan. La cinta está actuada principalmente por población ainu y retrata la vida que llevan ligada a artesanía y al turismo en el Japón actual. La misma reflexiona sobre cómo este exotismo sigue existiendo todavía en los visitantes, que ven con extrañeza la identidad ainu, y prevalece en la pregunta de ¿Cómo se sostiene la identidad? ¿Es a través de prácticas tradicionales o mediante la exhibición turística?

▲ Asirpa y Sugimoto en Golden Kamuy.

Kanto, el niño protagonista, se cuestiona su lugar de pertenencia, entre un padre fallecido que revalorizaba la identidad ainu y una sociedad japonesa con la que convive diariamente. En ese conflicto también encontramos a Debo, un amigo del padre, que le enseña las tradiciones ainu de respeto y protección al entrar al bosque, o le cuenta de una cueva que esconde un portal al mundo de los muertos. También es él quien le pide que cuide de un oso bebé, sin Kanto saber que su objetivo final es realizar la ceremonia del Iomante, quizá la tradición más representativa ainu, que consistía en sacrificar un oso criado para devolver su alma al mundo de los dioses (kamuy mosir).

Aquí el director nos muestra cómo la identidad del niño fluctúa entre la mirada moral y los valores ancestrales, incluso dejándonos ver que el mismo Kanto encuentra un VHS con el documental de Himeda del año 1977 que mencionamos antes, y ve con sus ojos cómo era la ceremonia que planea Debo. Las imágenes rozan lo onírico al mostrarnos el Iomante, con el niño yendo a la cueva del bosque solo para reencontrarse con su padre, y con la comunidad ainu entre cantos originarios llevando a cabo la ceremonia, la cual se muestra sutilmente, pero con respeto por la identidad de ese pueblo. De hecho, los mismos miembros de la comunidad discuten de antemano si es correcto llevar a cabo la ceremonia, pero al final coinciden en su importancia y deciden seguir adelante.

▲ Kanto, el niño protagonista.

Respecto al interés por representar a los ainu el director Takeshi Fukunaga comentaba esto en una entrevista para el sitio web Nippon: “Siento que el desastre del coronavirus ha sacado a la luz esa mentalidad exclusiva y social de aldea que tienen los japoneses. A este ritmo, a medida que avanza la globalización, Japón nada contra la corriente de los tiempos. Los japoneses de hoy día llegaron a ser gracias a una mezcla de pueblos continentales e indígenas. No se ha debatido ni educado correctamente sobre esas raíces. Conocer a los ainu también es conocer a Japón. Considero importante saber que, desde el momento en que se estableció como país, Japón ha tenido más diversidad de la que generalmente se reconoce. Ainu Mosir es la historia de un niño que se enfrenta a sus raíces, las reconoce, se compromete y da un paso adelante. Espero que la gente vaya más allá de las barreras y avance hacia un mundo que comprenda la diversidad”

Volver al nombre de Ainu Mosir no es coincidencia, es una declaración ética sobre las implicancias del concepto. Un mundo propio arrebatado, una historia de desaparición que reaparece por la voluntad humana de no extinguirse. Valores y tradiciones que respiran la identidad del pueblo ainu, que se recuperan, se reconstruyen, se resignifican. Es una verdad que existe, y nunca dejó de existir, y que prevalecerá por siempre en la identidad diversa de Japón. Tal vez el Ainu Mosir sea un recordatorio de que el tiempo sólo puede eternizarse con humanidad, con la voluntad de individuos o de comunidades que rebosan de una verdad que no quiere ni debe perderse. “La tierra tranquila donde los seres humanos viven en paz” es un anhelo lejano que estas identidades buscarán hacer realidad hasta el fin de los tiempos. O tal vez la tierra de la que habla el Ainu Mosir ya exista, está en el corazón del pueblo ainu, sólo resta hacerla aparecer en el inconsciente del mundo.

Imágenes: Nippon, Captura, IMDb, Shinyodo y Wayfarerdaves

En la primera charla, titulada “De Kinuyo Tanaka a Hirokazu Kore-eda: Escenas de lo efímero en el cine japonés”, llevada a cabo por Franco Parisi, se buscó indagar entre sutilezas visuales y narrativas que tienen puntos de unión con conceptos como el mono no aware, el wabi-sabi y el Ma. El diálogo se centró en una variedad perspectivas y directores de orígenes diversos, que en su arte plasmaron lo efímero como algo inherente a la propia estética japonesa, incluso en géneros distintos como el documental o el cine experimental.

Además, se desglosaron ideas referidas a lo efímero desde el cine clásico, con la directora pionera de cine de ficción y actriz, Kinuyo Tanaka, hasta llegar al siglo XXI entre la identidad digital, la alienación urbana y la disolución familiar, a través de directores como Shunji Iwai, Hirokazu Kore-eda y Naomi Kawase.

Por otro lado, en la segunda charla, titulada “Heike Monogatari: El último aliento del imperio, una introducción”, dictada por Samanta Verón se trató de hacer un punteo conceptual acerca de la obra del Heike Monogatari. Centrándose, de este modo, en explorar algunos conceptos éticos y estéticos que la componen, haciendo uso de algunos autores occidentales como Homero y Maquiavelo.

En ese sentido, se habló de la naturaleza de los géneros en los que se suscríbe y los valores que transmite, repasando las motivaciones y los destinos de algunos de sus personajes principales con el objetivo de comprender este ideal estético japonés tan arraigado a la obra.

Los encuentros fueron interesantes, ya que se pudo apreciar gran interés y participación del público. 

Los invitamos a seguir a @experiencia.minarai para próximos cursos, charlas y talleres.