Primera parte

¿Qué le gustaba dibujar cuando era niña?

Hace un tiempo mi padre me mostró un librito casero del tamaño de una caja de fósforos que le había regalado de niña, se llamaba “Librito de paisajes dibujados”, contenía unos pequeños dibujos pintados con marcadores. Creo que me gustaba dibujar eso, paisajes, animales.

¿Por qué decidió estudiar dibujo y qué sueño tenía al transitar ese camino en la universidad?

Estudié dibujo en la Universidad Nacional de La Plata, luego de probar diferentes disciplinas de las artes plásticas, decidí por el dibujo que es lo que siempre me gusto. Mi sueño, anhelo, intención fue trabajar del dibujo en alguno de sus campos. Mientras estudiaba aprendí animación tradicional en estudios independientes de La Plata y luego trabajé un tiempo en una empresa de videojuegos, al terminar mis estudios decidí orientarme hacia la ilustración editorial.

¿Podría describir la experiencia en Okinawa?, ¿qué aprendió?

En el año 2016 fui becada por el Centro Okinawense en la Argentina, para estudiar Artes Tradicionales en la Universidad de Arte de la Prefectura de Okinawa. Durante un año tuve la posibilidad de asistir a clases con grandes maestros de Bingata (teñido textil), Orimono (tejido), Yakimono (cerámica), Urushi (laqueado) y estudiar el idioma japonés. Esta beca para descendientes, me dio la posibilidad de conocer la tierra donde nacieron mis abuelos maternos y conectar con los familiares que viven allí.

En sus dibujos plasma las tradiciones de Okinawa, ¿qué es lo que le interesa transmitir?, ¿el folclore tradicional?

A través del dibujo busco conectar con mis raíces okinawenses y aprender de la cultura, me interesan las artes tradicionales, su música y danza.

En “Luna de Otoño”¹, una abuela y su nieto celebran tsukimi². Los dibujos recrean elementos, recuerdos y costumbres del Japón que cobran vida en la Argentina: el kimono y las geta³ de la abuela y la bombacha de gaucho y las alpargatas del niño, la llegada de la abuela de Akio y la extensa llanura, el árbol de arce del jardín de la casa colonial y el abuelo que plantó su semilla, momijigari⁴: la caída de las hojas, lo efímero y el cambio de estación, la ofrenda a la luna y la leyenda del conejo que machaca mochi⁵, etc. ¿Qué sintió al dibujarlas?, ¿alguna de estas escenas trajo a su memoria una costumbre del otoño japonés junto a sus abuelos okinawenses?

Al ilustrar “Luna de otoño” me base en el sentimiento nikkei, en los descendientes de japoneses y sus diferentes generaciones. La abuela introduce al niño en las tradiciones culturales y filosóficas, conectan los dos en un momento íntimo de celebración. En mi caso no tuve la oportunidad de conocer a mis abuelos okinawenses, pero si a una de las hermanas menores de mi abuelo, la tía Miyosan, quien cumplió 100 años este año. A través de ella conocí historias familiares, comidas tradicionales, como el pepino Goya que lo plantaba en su huerta y canciones infantiles.

En “Amigo Oso no puede dormir”⁶, crea un reino animal acogedor que le da la bienvenida al invierno: Mamá conejo anudando la bufanda de su hijito, una pareja de ardillas almacenando castañas, Oso preparándose para invernar y dormir plácidamente, pero… ¿Cómo crea este reino? Los colores son suaves y de tonos pasteles, los dibujos son delicados y difuminados, las escenas enternecedoras que se completan con una oración… ¿Por qué su “Amigo Oso no puede dormir”?, ¿no tiene amigos?, ¿no tiene con quien jugar?, ¿el cariño lo cambia todo?

Este libro es un proyecto que trabajé durante varios años, nació en el 2015 en un taller de proyectos editoriales, los años posteriores poco a poco lo fui trabajando, realizando los diseños de personajes, pruebas de estilo, creación de maqueta y bocetos; hasta que lo terminamos de trabajar junto a Eloise Alemany, directora de Periplo ediciones, donde fue publicado el libro. Siempre me gustaron las historias de animales en el bosque, libros como “Peter Rabbit” de Beatrix Potter o “El viento en los sauces” de Kenneth Grahame fueron una gran influencia. Me divierte dibujar los animales humanizados con sus trajes y casitas.

Segunda Parte

En “Del bosque florido: una vida en recetas”⁷, los recuerdos de una familia cobran vida a través de los dibujos. Me pareció enternecedor el dibujo de la familia comiendo sukiyaki⁸ en un restaurant del barrio de Balvanera. Los adornos japoneses en la pared, los zapatos al pie del escalón, el padre sirviéndose ¿fideos? en un cuenco, la madre sonriéndole a su hija.

Del bosque florido, es un libro muy especial, ya que fue el primer libro que ilustré sólo con acuarelas. Las historias de Agustina Rabaini, tienen un tinte nikkei (descendiente de japoneses) con el cual encuentro afinidad por mi propia historia familiar. Realmente disfrute ilustrar las diferentes historias y las recetas de Silvia Morizono.

Nankichi Niimi fue un cuentista infantil considerado el Hans Christian Andersen del Japón. Una vez, una persona que admiro por su escritura, me mostró un librito de cuentos que era de su padre japonés, que contaba la historia del “Zorrito Gon”. ¿Tiene un cuentista infantil japonés al que admire?, ¿y un ilustrador japonés?

Admiro a Chihiro Iwasaki, sus libros son bellísimos. Las historias simples y sus ilustraciones son hermosas, las escenas de infancias entre flores y plantas, la soltura del dibujo y su pincelada, la transparencia y frescura de la acuarela. Conocí su obra cuando estudiaba en Okinawa, en una librería de usados. Su obra y los bocetos de Hayao Miyazaki son los que me inspiraron en el uso de las acuarelas para ilustrar.

En “A comprar guantes”『手袋を買いに』de Nankichi Niimi⁹, el niño zorrito va a comprar guantes para que no se le congelen las manos. Esa simple acción, en el mundo de hoy donde abundan los objetos materiales y que todo está al alcance de la mano, me hizo acordar algo. Cuando era niña, miraba “La familia Ingalls”. En la serie aparecía la tienda de ramos generales: “Oleson`s Mercantile” donde se vendía de todo: telas, golosinas, harina, canastos de mimbre, sortijas de compromiso, ollas, etc. La simpleza de ir a comprar guantes del niño zorro, me hizo acordar a la sencillez de esta tienda. ¿Qué le parece el cuento “A comprar guantes”?

Conocí la obra de Nankichi Niimi por del proyecto “A comprar guantes” de la editorial También el caracol. A través de una historia tierna, Nankichi cuestiona el comportamiento de los humanos. Cuando la editora y traductora Mariana Alonso, me propuso ilustrar esta historia fue una gran alegría, ya que hace tiempo quería trabajar con ellos, sus libros de la colección Bosque de Bambú son una joya. Junto a Mariana decidimos situar la historia en un pueblo parecido al de Nankichi y lo dibujé en una de las escenas, quizá la más significativa.

Uno de sus dibujos, una especie de gatito, parecería ser que aparece en toda su obra (como el hanko¹⁰ de su nombre), ¿en qué se inspiró al crearlo?, ¿podría ser como un animalito con el cual se identifica?

El gatito surgió en Okinawa. Durante mi estadía solía ir a dibujar a templos y parques de la ciudad de Naha, con acuarelas pinté esos escenarios que quería atesorar. El gatito fue el personaje que descubría esos nuevos lugares, me acompañó en todo el viaje y se convirtió en un personaje recurrente, además estaba relacionado con mi gatito de esa época, Quique, al que extrañaba.

Usted vive en el sur de la Argentina ¿siente que esa región le regala nuevas fuentes de inspiración y paisajes naturales a sus dibujos?

Los paisajes de la zona me inspiran, los bosques, la montaña, los ríos y lagos. Disfruto mucho dibujar la naturaleza, busco transmitir lo que siento al caminar por estos lugares.

Ya se acerca Navidad, ¿de qué manera sus dibujos recreados en cuentos despiertan la ilusión de un niño?

Cuando se acerca una niña, niño y me cuenta que le gustan mis dibujos, los personajes, me genera gran alegría e inspiración para continuar trabajando en este oficio. Ojalá mis dibujos despierten la curiosidad para abrir un libro y leer su historia.

Y así, con esta historia, parecida a un libro de cuentos, pudimos conocer el universo de Flor Kaneshiro. ¡Feliz Navidad! Y que Papá Noel llegue a cada hogar con una sonrisa y dulces sueños…

Breve Biografía de Flor Kaneshiro

Nacida en La Plata en 1983. Nikkei, 3°generación descendientes de okinawenses. Actualmente vive en San Martín de los Andes.

Licenciada en Artes Plásticas con orientación en Dibujo, Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata, amplió sus estudios en la Universidad de Artes de la Prefectura de Okinawa, Japón, a través de una beca otorgada por el Gobierno de Okinawa y el Centro Okinawense de Argentina.

Ilustró libros para editoriales como Periplo, Hwarang, Pastel de Luna, Brandylane Publishers, Grupo Planeta, Palabras Aladas, Santos Locos Poesía, Abresueños, Mame Editions, entre otras. Realizó colaboraciones con PlayStation Latinoamérica, Revista Ohlalá!, Taragüi, Juegos Maldon.
Posee dos libros como autora integral (historia e ilustraciones), “El llamado” Editorial Eduvim 2020 y “Amigo Oso no puede dormir” Periplo Ediciones 2025.
Expuso sus trabajos en Librería Junkudo Okinawa 2017, “Nuevas miradas del Japón” Embajada del Japón Argentina 2017, “3º Salón de Arte Joven Nikkei” Centro Peruano Japones Perú 2019, “Finding Okinawa” Asociación Okinawense California, Estados Unidos 2019, festival “Los Angeles Asian Pacific Film Festival”, California, Estados Unidos 2020, “Fushigina Kimonchi” muestra individual, Jardín Japonés, Argentina 2023.

Por María Florencia Zaia
Imágenes: María Florencia Zaia, Flor Kaneshiro

Sobre María Florencia Zaia

Nació en Luján, Provincia de Buenos Aires en 1976. Es Licenciada en Relaciones Internacionales. En sus comienzos (2006), se vinculó con Japón por trabajo y estudio. Colaboró con el diario “La Plata Hochi”. Estudia japonés desde hace doce años. Siempre tuvo interés por la cultura japonesa y sus valores virtuosos (Bushido). Gusta de su literatura, algunos de sus autores predilectos son Natsume Soseki y Yoko Ogawa.

Referencias

¹ Cintia Roberts y Flor Kaneshiro, “Luna de Otoño”, en Lápiz Ediciones, 2025.
² Tsukimi: contemplación de la luna de mediados de otoño. Celebración donde se ofrenda a la luna dulces como el Tsukimi dango, alimentos de estación, té, sake. Se decora con gramillas de Susuki.
³ Geta: Calzado de madera, abierto que sujeta al pie con una tira de tela que separa el dedo gordo de los demás. Debajo de su base tiene uno o dos dientes (tacos).
⁴ Momijigari: salir al campo o a las montañas para contemplar la coloración de las hojas. “Gari” significa cazar y/o recolectar y este término surgió en el período de Heian (794-1185), cuando los nobles salían a la montaña para cazar animales salvajes, recolectar frutos silvestres, etc. “Ir a cazar y/o recolectar” podría ser similar a ir a las montañas para contemplar la coloración de las hojas del momiji, o la floración de los cerezos, eso fue lo que creyeron los nobles de aquella época.
⁵ Mochi: Bola de arroz glutinoso cuya elaboración implica machacar la masa caliente de harina de arroz en un mortero.
⁶ Flor Kaneshiro, “Amigo Oso no puede dormir”, Periplo Ediciones, 2025.
⁷ Agustina Rabaini, Silvia Morizono, Flor Kaneshiro, “Del bosque florido: una vida en recetas”, Periplo ediciones, 2018.
⁸ “Sukiyaki: tradicional plato de olla japonés con carne, vegetales y fideos”, en “Del bosque florido: una vida en recetas”, Periplo ediciones, 2018.
⁹ Nankichi Niimi, “A comprar guantes”『手袋を買いに』, traducción de Mariana Alonso e ilustraciones de Flor
¹⁰ Kaneshiro, editorial También el Caracol, abril de 2025. Hanko: sello. 

Durante sus días en Okinawa, Daikichi no solo pudo reencontrarse con su tía, sino que además, tal como él dice, compartió el viaje con nuevos “hermanos y hermanas de otras latitudes del continente”.

Antes de contarnos su experiencia, hace una breve introducción sobre la llegada de los japoneses a México:
Entre 1910 y 1930, México recibió una oleada significativa de ciudadanos japoneses, en un contexto marcado por la búsqueda de nuevas oportunidades económicas, el agotamiento de los recursos agrícolas en algunas regiones japonesas y la promoción activa de la emigración por parte de empresas privadas y agencias gubernamentales en Japón.

Algunos migrantes japoneses llegaron a México por decisión propia, atraídos por la percepción de un país con abundantes recursos naturales, tierras fértiles y posibilidades de desarrollo. Sin embargo, otro grupo considerable fue persuadido por empresas de migración que publicitaban a México como un destino prometedor, donde se podían obtener riquezas con relativa facilidad. En muchos casos, estas promesas resultaron engañosas: los contratos laborales eran abusivos, las condiciones de vida precarias y las expectativas económicas no se cumplían. Frente a este escenario, numerosos migrantes desertaron de sus empleos iniciales y optaron por emprender el viaje hacia los Estados Unidos, país que representaba para ellos un ideal de progreso, debido a que el jornal era mejor pagado y las condiciones laborales ofrecidas eran menos rigurosas.

No obstante, la travesía hacia el norte rara vez fue exitosa los migrantes japoneses fueron detenidos en la frontera por las autoridades estadounidenses y posteriormente deportados a México, donde terminaron por asentarse de forma permanente.

Luego el desarrollo de la comunidad japonesa en México se vio abruptamente interrumpido durante la Segunda Guerra Mundial. Tras el ataque a Pearl Harbor en diciembre de 1941 y la posterior entrada de Estados Unidos al conflicto bélico, los ciudadanos japoneses en América Latina fueron catalogados como potenciales enemigos del Estado. Bajo presión del gobierno estadounidense, que temía actos de espionaje y sabotaje, se inició una campaña para identificar, concentrar e incluso deportar a ciudadanos de origen japonés en calidad de prisionero de guerra.

La beca se acerca a Daikichi

Cuando supe de la convocatoria para participar en el curso sobre Soft Power en Okinawa, aún me encontraba en proceso de recuperación tras el accidente que sufrí en 2022, en el cual me fracturé la pierna. Aunque para ese entonces ya no necesitaba asistencia para caminar y mi estado de salud mostraba una mejoría evidente, la idea de viajar aún me parecía lejana. En ese momento, ni siquiera contemplaba con seriedad la posibilidad de subirme a un avión y cruzar el océano. Sin embargo, conforme fui leyendo la descripción del programa, algo dentro de mí se encendió.

El contenido del curso me resultó profundamente atractivo, no solo por estar vinculado con el tema del soft power, un concepto que había abordado previamente en mis investigaciones como antropólogo, sino también porque representaba una oportunidad única de regresar a Okinawa, esa tierra tan lejana y, al mismo tiempo, tan cercana a mi corazón. No podía dejar pasar una ocasión como esa. Así que, sin pensarlo mucho, reuní los documentos, redacté mi carta de intención y envié la solicitud correspondiente.

En Okinawa

El curso se titula “Uso Efectivo del Poder Blando y la Revitalización Regional Mediante el Reconocimiento de las Raíces de Okinawa”, es organizado por la ONG Lequio Wings, y consistió en un programa intensivo diseñado para formar a un grupo de personas de diversas nacionalidades en torno a la cultura y las realidades de Okinawa. Una de sus particularidades más valiosas era que los participantes no necesitaban ser necesariamente descendientes de okinawenses; bastaba con tener un interés genuino y un vínculo emocional o académico con la cultura de esta prefectura. En la edición de 2023, tuve el privilegio de compartir esta experiencia con compañeras y compañeros provenientes de Argentina, Bolivia, Brasil y Cuba. A lo largo de las semanas, los lazos que construimos trascendieron lo académico: más que colegas de curso, hoy los considero mis amigos, e incluso me atrevería a decir que son mis hermanos y hermanas en otras latitudes del continente.

Este curso no fue solo una experiencia educativa, sino también una vivencia profundamente transformadora. Lequio Wings lo ha diseñado como un esfuerzo consciente por acercar Okinawa al mundo, especialmente a quienes, como yo, tenemos raíces, recuerdos o sueños ligados a esta isla. La organización trabaja para que tanto descendientes como no descendientes —los llamados Uchinanchu y sus aliados— puedan conocer, entender y valorar la riqueza cultural, histórica y humana de Okinawa.

Una de las cosas que más me llamó la atención, y que considero necesario destacar, es cómo en mi país —y sospecho que en muchos otros— se ha tenido durante largo tiempo una visión reduccionista y homogeneizadora de las culturas extranjeras. Por muchos años, se asumió que todas las personas provenientes de un mismo país compartían las mismas costumbres, formas de pensar y modos de vida. Así, decir que alguien era japonés implicaba, automáticamente, atribuirle un conjunto cerrado de características, sin considerar las enormes diferencias internas de esa nación.

No fue sino hasta las últimas décadas, y especialmente en la era de la información, que las personas comenzaron a interesarse por conocer las particularidades culturales de cada región. Las redes sociales, el internet, el acceso a contenidos diversos y el creciente interés por la diversidad cultural han abierto la puerta para que se reconozcan las identidades múltiples dentro de un mismo país. Este fenómeno se ve reflejado claramente en el caso de Okinawa, que, pese a formar parte de Japón, posee una identidad singular, forjada a lo largo de siglos de historia, lucha y resistencia.

Cultura viva

Okinawa es la región insular más alejada del centro del archipiélago japonés. Fue, durante siglos, un reino independiente: el Reino de Ryukyu. Su historia como tal terminó en el siglo XIX, cuando fue anexado al territorio japonés. Sin embargo, la cultura, el idioma, las prácticas religiosas y la cosmovisión de su gente conservan rasgos distintivos que no se diluyeron con la anexión. La cercanía geográfica y los intercambios históricos con países como China y Tailandia también han influido profundamente en su cultura. Todo esto ha hecho de Okinawa un lugar diferente al Japón «hegemónico» que muchas veces se enseña en los libros de texto o se presenta en los medios de comunicación.

Durante mi estancia en Okinawa aprendí no solo de su cultura viva, sino también de su historia, rica y muchas veces dolorosa. Conocí de primera mano las diversas luchas sociales que han marcado a la prefectura, especialmente su ocupación por parte de Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Las secuelas de esa ocupación aún se sienten hoy: en lo social, en lo político, y en lo simbólico. Okinawa carga con una historia de injusticias, pero también de resistencia y dignidad.

Hay cosas que no están escritas en los libros

Uno de los aspectos más conmovedores para mí fue descubrir la magnitud de la diáspora okinawense. A lo largo del siglo XX, Okinawa fue la prefectura que más migrantes envió al extranjero, especialmente a América Latina. Hoy en día, existen comunidades okinawenses fuertes, unidas y activas en países como Brasil, Perú, Bolivia, Argentina, y, por supuesto, México. Esta red global de Uchinanchu es un testimonio vivo del espíritu resiliente y comunitario de su gente.

A pesar de todo lo que aprendí, me quedó la sensación de que aún hay mucho más por descubrir. Siento que apenas he arañado la superficie de una historia vasta y compleja. Como antropólogo y como descendiente, tengo el compromiso de seguir aprendiendo. Me interesa profundizar no solo en la historia de la prefectura y la etnia a la que pertenezco, sino también en la vida actual de las comunidades okinawenses en América Latina. ¿Cómo viven hoy? ¿Cómo mantienen su identidad? ¿Qué retos enfrentan? ¿Qué pueden enseñarnos sus experiencias sobre temas como migración, pertenencia, familia y memoria?

Estoy convencido de que el conocimiento tiene sentido cuando se comparte y se transforma en acción. Como científico social, creo que uno de los mayores deseos que podemos tener es aportar con nuestro trabajo a construir caminos más iluminados para las personas. Por eso, me visualizo en el futuro contribuyendo de manera concreta al fortalecimiento de la comunidad Uchinanchu en mi país y, si es posible, en otros rincones del mundo. Siento que tengo una tarea pendiente, una especie de deuda afectiva y académica que debo honrar.

Los reencuentros

Uno de los momentos más significativos de este viaje fue el reencuentro con mi tía Setsuko Gima. Desde que conocí a mi tío Yoshikazu en 2019, me hice la promesa de volver lo antes posible. Desafortunadamente, la pandemia del COVID-19 truncó esos planes y, para cuando finalmente logré regresar, mi tío ya había fallecido tras una larga lucha contra el cáncer. Fue una pérdida dolorosa, y me costaba imaginar cómo sería volver a Okinawa sin él.

Temeroso pero con esperanza, le pedí a nuestra guía e intérprete, Inoha-san, que me ayudara a contactar a mi tía. Intentamos varias veces sin éxito, y estábamos a punto de rendirnos cuando, de manera casi milagrosa, logramos contactarla… justo el día del cumpleaños de mi tío. Algunos lo llaman coincidencia, otros destino. Yo prefiero pensar que fue una señal, una forma de decirme que él seguía presente. Días después, asistí a un homenaje en su memoria, junto con otros maestros del sanshin que también habían partido. Fue un momento conmovedor y profundamente espiritual. En Okinawa, la familia es una red de afectos, de lealtades y de memorias compartidas. No importa si vienes de la otra mitad del planeta; en su mesa siempre habrá un lugar para ti, y en su corazón, también.

Volver

Al regresar a México, lo hice con una mezcla de emociones. Me sentía feliz de volver a casa, sí, pero también consciente de que había dejado una parte de mi alma en Okinawa. Una parte que pertenece a ese lugar, a sus calles, a su comida, a su gente. Volví con una misión clara: dar vida a muchos proyectos que quedaron gestándose en mi mente durante el curso. Proyectos que, espero, sirvan para que más personas conozcan y valoren la cultura de Okinawa, no solo como una curiosidad exótica, sino como una historia viva que sigue latiendo en cada descendiente, en cada canción, en cada recuerdo.

Hoy, más que nunca, sé que algún día regresaré. Volveré a caminar por Kokusai Dōri, a comer goya chanpuru y sata andagi, a escuchar «Sanshin no Hana» bajo el cielo cálido de la isla. Volveré porque tengo hermanos y hermanas en otros países de América Latina a quienes extraño todos los días. Volveré porque Okinawa también es mi hogar.

Cuauhtli Mora
“Daikichi”

Nota: Melina Gioia Oshiro (@oshiro_gio en Instagram)
Fotos Gentileza: Cuauhtli Mora «Daikichi»

Melina Gioia Oshiro nació en la Ciudad de Buenos Aires. Es nieta de una pareja formada por un inmigrante okinawense y una hija de inmigrantes italianos. Es Arquitecta egresada de la UBA y cuenta con estudios de Maestría en Gestión y Planificación del Transporte. Se desempeñó por más de doce años en el ámbito de la arquitectura y la planificación de la movilidad tanto a nivel nacional como internacional. Además es Técnica en Cultura y Lengua Japonesa egresada del Instituto de Superior de Estudios Japoneses – Terciario Nichia Gakuin. Obtuvo el premio “Joven Destacado Nikkei 2022” en el área “Profesionales” de la “XXXVII Edición de los Premios Joven Destacado Nikkei 2022” otorgado por el Centro Nikkei Argentino. En el año 2023 viajó a Okinawa en el marco de una beca de capacitación para la sociedad nikkei otorgada por JICA.

Siendo director de cintas como Tokyo.Sora (2002) en la que seguimos a seis mujeres y sus vidas dentro de la Tokio de principio de siglo, Su-ki-da (2005), o cómo va transformándose el vínculo primeramente amoroso entre dos personas desde la juventud hasta la adultez, y Petal Dance (2013), donde dos amigas, junto con una chica que apenas conocen, viajan a ver a una compañera que acaba de intentar suicidarse. Sus películas son una vía para entender cómo funcionan las artes japonesas dentro del alma de alguien que las cuida y externaliza con tanta sabiduría y maestría, pero también una reflexión sobre la alienación, el vacío y cómo construir después del dolor.

Desde Alternativa Nikkei pudimos contactarlo por mail, y accedió a brindarnos una pequeña entrevista escrita. En la misma descubrimos sus influencias y perspectivas, su encuentro con Argentina, sus reflexiones sobre sus obras y una mirada de cara al futuro. El director estaba realmente emocionado por poder llegar a un público en el otro lado del mundo, por ello esperamos que este intercambio sirva para que más gente pueda animarse a descubrir su cine. Quizás un cine oculto, pero con matices de una idiosincrasia japonesa fascinante.

Sin más, los dejamos con la entrevista:

Desde ya muchas gracias por su tiempo e interés por acercarse a la audiencia argentina: ¿Conocía previamente algo sobre el país? ¿Qué siente al ver que su cine es capaz de llegar e interpelar las sensibilidades existentes en la otra punta del mundo, con otras culturas y realidades?

Lo primero que me vino a la mente fue el sonido del bandoneón. Dos personas bailando el tango, moviéndose al ritmo de la música. Un hombre mirando las Cataratas del Iguazú. Estas son la música y los paisajes de Argentina representados en la película Happy Together dirigida por Wong Kar-wai.
Desde el momento en que hice mi primera película, pensé que con subtítulos podría llegar a personas de todo el mundo. Escuchar que la película que hice ha tocado las sensibilidades de personas al otro lado del mundo me ha dado un renovado sentido de alegría al hacer cine.

Abarcando un ámbito más personal sobre su formación como cineasta: ¿Qué influencias autorales lo llevaron a querer realizar películas? ¿Hay alguna cinta o director que lo haya marcado particularmente?

Creo que comenzó con El Padrino y El Gran Escape que vi en la televisión cuando estaba en la escuela primaria. Comencé a trabajar en una productora de publicidad (dirigiendo comerciales de televisión) a los 27 años, y veía películas de manera voraz para aprender a dirigir. Las películas que me influenciaron en ese momento fueron Paisaje en la niebla de Theo Angelopoulos, Faces de John Cassavetes y Un día de verano de Edward Yang. Las películas que tuvieron un gran impacto en mí fueron las películas independientes hechas por autores. También quería hacer películas en un ambiente donde pudiera hacer cine como autor. Después de comenzar a hacer películas, me impresionó profundamente La historia del último crisantemo de Kenji Mizoguchi. Esta película resolvió la difícil tarea de cómo retratar la verdad de las personas en un nivel muy alto. Y fue hecha en 1939.

Metiéndonos un poco más de lleno en su filmografía, es inevitable hablar de Tokyo.Sora (2002). Aquí hace uso del urbanismo para plantear una estética que convierte a la ciudad en un personaje más. Los sueños y la cotidianidad de estas mujeres que la habitan chocan con la inminente soledad alienante, convirtiendo sus deseos de vinculación e individualidad en una realidad de desconexión y búsqueda de cierta identidad. Para usted ¿Hay esperanza en medio de ese vacío? ¿Son, a lo mejor, esas pequeñeces del día a día y su belleza la que nos salvarán de esa despersonalización cuando la masificación nos asfixie del todo?

Empecé a vivir solo en Tokio desde que entré a la universidad. Sentí que el único trabajo al que podría dedicar mi vida era en Tokio. Abandoné la universidad y, tras varios giros, terminé trabajando como director comercial. En Tokyo.Sora, quería retratar la dolorosa realidad de alguien que vive solo en Tokio, con la esperanza de lograr algo. Decidí retratar esa realidad como «la historia de seis chicas viviendo solas en Tokio». Creo que elegí a una mujer como protagonista porque fue una mujer la que señaló algo importante en mi vida. Una persona solitaria que vive con la flexible fortaleza de una mujer y una debilidad que la hace temblar en la dura realidad de Tokio. Sentí que, al conectarse con otra persona, esa persona solitaria podría alcanzar un rayo de esperanza.

La idea de seis mujeres luchando por encontrar su lugar en el mundo es realmente evocadora, su cámara nos hace cómplices de una manera muy humana, sentimos lo que ellas sienten y nos volvemos parte de sus luchas por salir adelante. Director Ishikawa ¿Cómo nace la historia de la película? Y más que nada ¿Cuál es su intencionalidad respecto a los planos, los colores fríos y la música ambiental y tenue al momento de crear su sello cinematográfico?

Escribí las ideas fragmentarias que se me ocurrían en un cuaderno. Eran sobre qué tipo de chica era, qué pasaría y cómo se sentiría con lo que estaba sucediendo. Organicé mis pensamientos escribiendo en un cuaderno solo las cosas con las que pudiera relacionar sus sentimientos. Si el sentido de vida de cada persona es como un punto, entonces el momento en que esos puntos se conectan para formar una línea también es uno de los sentimientos de vivir en la ciudad de Tokio. Escribí en mi cuaderno hasta que pude imaginar cada punto como un punto de contacto, lo que llevó a varias líneas que los conectaban. Eso se convirtió en la historia que quería retratar.
¿Qué es lo que solo esta película puede retratar? Pensé que podría ser algo como «un vago sentimiento de ansiedad sin un futuro claro». Para que todos los actores sintieran eso, elegí no escribirlo en el guion. Esto es para «no mostrar el futuro» a los actores. Ellos se encuentran y hablan con alguien sin saber la historia que les ha sucedido, y sienten emociones que solo pueden sentirse en ese momento. Me dediqué a crear un ambiente de rodaje que preservara eso. Cuando se encuentran con alguien por primera vez en la película, se encuentran con esa persona por primera vez mientras las cámaras están grabando. Las palabras que deben decirse en esa escena se les entregan solo justo antes de filmar. Al hacerlo, se crean las emociones de escuchar esas palabras por primera vez. Quería cuidar esas cosas, por lo que creé un ambiente así.

Creo que los colores fríos son los colores del cielo, las nubes y las calles de la ciudad de Odate, en la prefectura de Akita, en la región de Tohoku, donde pasé mis años más sensibles (de 12 a 14 años). Quería dejar esos colores en la película, así que ajusté los colores en la postproducción. Hay un término en fotografía llamado «temperatura del color», y esto puede ser lo que yo pienso como la «temperatura del color de la soledad». Fue una época en la que sentí la riqueza de conectar con las personas y el dolor de la separación. Creo que por eso elegí ese color. La música añade profundidad y dimensión a las emociones representadas en la escena. Puede delinear más claramente las emociones que se transmiten al espectador. Hice que la compositora Yoko Kanno viera el metraje editado sin efectos, y ella sugirió: «Si estas seis mujeres son como quieres contar ¿Tal vez la música sea como atarlas con un hilo delgado?» Pensé que eso era hermoso.

Creo que es imposible tener una lectura más profunda sobre Petal Dance (2013) sin antes comprender un poco de su esencia atmosférica y no verbal. Existe algo muy sutil y poético a lo largo de todo el film que nos remite a un minimalismo cercano al que maquetaba Yasujirō Ozu en su cine, allí como aquí son los gestos y los diálogos cortos los que componen una identidad que acompaña a sus protagonistas. Por ello le consulto: ¿Cómo se crea un mundo tan íntimo, implícito y complejo que retrate y reflexione sobre la realidad de una manera tan humana y visible? ¿Son las personas, de algún modo y como dice uno de los personajes, como ese viento que existe en su invisibilidad y moldea su entorno?

Esta película, mi tercera, se construyó en torno al título «Petal Dance». En Japón, las flores de cerezo son las más populares, pero nadie puede ver las flores caídas. Sin embargo, la vista de los pétalos dispersos en la carretera bailando en el viento es hermosa. Es una belleza que aligera un poco la tristeza. Esperaba que esa belleza fugaz fuera transmitida a los espectadores. Escribí un guion para esa historia. Hice que los actores leyeran el guion y luego olvidaran sus líneas. Luego, justo antes de filmar, les di una carta en la que escribí sobre lo que quería que sintieran en esa escena, y algunos fragmentos de las palabras que quería que transmitieran. Si era una escena con cuatro personas, escribí una carta diferente para cada persona. Ellos leyeron las cartas y trajeron sus propios sentimientos a la escena, y luego filmamos la escena. Las palabras que la otra persona decía se escuchaban por primera vez ahí, por lo que la reacción y las emociones a esas palabras venían de un lugar cercano al núcleo de la humanidad de la persona. Creí en eso y lo dejé a la sensibilidad de los actores. Creo que porque las palabras transmitían el sentimiento hacia la otra persona, aunque fueran breves, lograron tocar el corazón. Pensé que esta era una forma de preservar la delicada amabilidad que tienen las personas, así que lo hice de esa manera.

Yendo más hacia la temática de la película, me gustaría consultarle sobre su interés en abordar una cuestión tan delicada como el suicidio de una forma tan plena y autoconsciente. Japón es uno de los países con una de las tasas de suicidios más altas del mundo, sin embargo, pocas veces el tópico es abordado centrándose en sus vestigios, de qué manera afecta a los vínculos cercanos y cómo se afronta el devenir cuando el hecho no sucede ¿Cuál es su visión sobre esta realidad social que pone en evidencia a determinadas estructuras arraigadas sobre presiones y expectativas? De algún modo, la cinta funciona como una especie de limbo en el que los sentimientos alrededor de esto afloran y se entienden en el silencio ¿Cree que la sociedad japonesa precisa darle visibilidad a estas cuestiones, que quizás son un poco más tabú, para que las personas dejen de ser vistas como estadísticas y comiencen a ser entendidas como seres sintientes?

Realmente no puedo explicar por qué elegí el tema del suicidio.
«Tal vez ella saltó al mar por su propia voluntad,» «Por eso voy a verla,» «Puede que no pueda hacer nada. No tendré nada inteligente que decir, pero de todas maneras iré a verla.» Quería hacer una road movie sobre personas que eligieron actuar de esta manera. Pensé que retratar a esas personas sería un viaje para descubrir qué es la verdadera amabilidad. Pensé que, al retratar sus luchas página tras página, tal vez podría obtener una respuesta vaga sobre por qué elegí un tema tan delicado.

El suicidio es un tema social tan serio en Japón que rara vez se discute, pero lo vemos en el espacio especial de un cine, donde compartimos el mismo tiempo en una pantalla grande. Creo que este es un desafío que la forma de expresión del cine debe asumir. También creo que, al elegir un desafío, debe ser retratado de manera delicada y cuidadosa.

Por otro lado, en dos de sus cintas y en un cortometraje las protagonistas son mujeres. Sus personajes son complejos y acompañan la narrativa simbólica de la película de una manera sumamente interesante. En ese sentido, para usted ¿Explorar y visibilizar las realidades y las voces de estas mujeres es también darle una identidad que muchas veces la sociedad japonesa les ha negado? ¿Cómo cree que es la realidad de la mujer en Japón? ¿Algo ha cambiado con el tiempo?

Desde que era niño, sentí que podía decir mis verdaderos sentimientos a mis amigas. Incluso si no podía decirles lo que realmente sentía (por ejemplo, «Te amo»). Cuando estoy con una mujer, el tiempo que pasamos juntos se siente más valioso. Lo siento aún más ahora que he crecido y empecé a beber alcohol. Creo que la razón por la que las protagonistas de mis trabajos audiovisuales (CMs, películas) son mujeres es por estas experiencias. En cuanto a las dificultades de la vida, creo que las mujeres son más propensas a enfrentarlas que los hombres. Respeto y admiro a las mujeres que continúan caminando hacia adelante con una actitud resuelta a pesar de esto. Esta es la imagen de la mujer que quiero retratar de manera positiva. La realidad de las mujeres japonesas está cambiando constantemente. Creo que las películas deberían dejar algo como la verdad de un tiempo determinado sobre esa realidad cambiante.

Siguiendo un poco la línea de la pregunta anterior, ha trabajado con grandes actrices como Aoi Miyazaki o Sakura Andō y con la compositora Yoko Kanno ¿Cuál fue su experiencia trabajando con ellas? ¿Tiene, quizás, alguna anécdota para contar?

Ellas me animan. Pueden retratar la expresividad del cine de manera profunda y elevada. Su forma de vivir es brillante y genial. A veces, cada una de sus elecciones decide la dirección que debe tomar la película. Siento que estoy haciendo mi película junto con esas mujeres. Siento un gran significado en poder dejar sus expresiones en forma de película.
No creo que sea correcto contar cada anécdota aquí, lo siento, pero hay muchas cosas que prefiero guardar para mí mismo.

En cuanto al cine japonés moderno: ¿Qué opinión le merece? ¿Tiene algún film o autor que lo haya sorprendido recientemente?

Siento que hay algunas películas japonesas que tienen una grandeza que perdurará durante mucho tiempo. Sentí que «Wheel of Fortune and Fantasy» de Ryusuke Hamaguchi y «All the Long Nights» de Sho Miyake representaron un paso hacia adelante sobre lo que el cine japonés moderno tiene para ofrecer.

Por último, quisiera preguntarle sobre su próxima película: ¿Tiene algún proyecto en mente del que tal vez podamos saber pronto?

Actualmente estoy preparándome para hacer mi próxima película. Pasará un tiempo antes de que pueda revelar los detalles, pero estoy haciendo preparativos para entregar una buena película. Espero que algún día llegue a la gente de Argentina. Por favor, esperen por ella.

Por Fran Parisi
Imágenes: Tower Records

Sobre Fran Parisi                                                             

Nacido en 1997. Actualmente se encuentra estudiando la Tecnicatura Superior en Lengua y Cultura Japonesa en el Instituto Nichia Gakuin. Amante del cine asiático, y en particular del cine japonés, al cuál se acercó mediante las películas de Naomi Kawase y Yasujirō Ozu. Su interés por Japón nace desde pequeño gracias al anime y el manga, lo que sumado a su gusto por la lectura y escritura lo llevaron a querer escribir sobre ello. Algunos de sus directores japoneses preferidos son Kinuyo Tanaka, Hiroshi Shimizu y Naoko Ogigami.

Detrás de varios restaurantes de Buenos Aires se encuentra Quique Yafuso, chef, sushiman, creador de experiencias gastronómicas. Cuando Quique idea un proyecto, lo hace contemplando sabores novedosos, degustados en un entorno que multiplique esa práctica. La carta, el local, el servicio, forman parte de un conjunto orquestado para proveer un plus en el acto cotidiano de comer. Es por eso que ha participado de distintas aperturas, porque el trabajo creativo es lo que le permite mantener una búsqueda constante de las posibilidades de la cocina.

¿Podés comentar sobre tus inicios en la gastronomía? ¿Cuál fue el motivo por el cual incursionaste en este rubro?

Mi primer trabajo en gastronomía fue en Morizono, un restaurante de cocina japonesa ubicado en el microcentro porteño. Esto fue en el año 1995, y yo entré trabajando como mozo, a la par que mantenía mi otro trabajo en una agencia publicitaria en Morón. Ahí conocí lo que es el mundo gastronómico, que si bien es muy absorbente, hubo algo que me gustó. No duré mucho tiempo ahí, pero al año mi hermana me propuso abrir un restaurante de comida japonesa. Ese fue el comienzo de Haiku, que ya lleva casi treinta años funcionando.

Fu King

Ese fue tu primer restaurante, pero tuviste varios a lo largo de todos estos años. ¿Cuáles recordás con más cariño?

Tuve varios locales, con propuestas diferentes. En el año 1999 quisimos abrir un Haiku en Pilar, pero por cuestiones de logística se hacía muy pesado viajar tanto de capital hasta allá. Finalmente ese proyecto se convirtió en Green Bamboo, el primer local de comida vietnamita en el país.

En el 2003 me asocié con mi novia y dos personas más, y abrimos Cavas y Cuevas, que fue el primer restaurante especializado en cavas, champagnes y espumantes en Argentina. Conceptualmente estaba muy bueno, pero duró solo un año. También arme El Quinto, un restaurante de comida asiática en general, que se gestó en 2015. Ahí experimentamos mucho con los sabores, más allá de la cocina japonesa tradicional. Lo diseñó Horacio Gallo, que está detrás de los locales más lindos de la ciudad.

Otro proyecto muy lindo fue Fuking, que lo hicimos como un bar con cocina asiática, más de platos callejeros. Al poco tiempo también fui socio fundador de Enero Costanera, un restaurante grande, pero nos agarró la pandemia y se hizo muy difícil mantener tantos frentes abiertos.

Enero Costanera

¿Cuáles fueron las experiencias más interesantes, atípicas, que fueron moldeando tu carrera?

En 2012 puse un Subway cerca de Haiku, que fue una experiencia atípica dentro del rubro para mi. Me ayudó a ver la gastronomía desde otro lugar, porque era un local más enfocado en el volumen, en la estandarización de los procesos. Pero creo que lo más disruptivo fue atravesar la pandemia, porque más allá de toda la cuestión de cubrir costos, y todo lo que conllevó ese periodo para el rubro, me volvió a conectar con la esencia de la gastronomía. La atención, el agasajo, el servicio, tiene que ver con el contacto directo con los clientes. En ese momento éramos dos personas en el restaurante, un motoquero y yo. Entre los dos hacíamos todo, porque éramos los únicos que teníamos permiso para circular por capital.

Otra experiencia muy buena fue haber dado clases de sushi en Mausi Sebess, que era de las escuelas más fuertes de cocina en ese momento.

Shimada Omakase

¿En qué sabores, platos, o conceptos estás indagando ahora?

En este momento estoy trabajando en una idea que tengo hace mucho tiempo, pero recién ahora se están dando las condiciones para llevarla a cabo. Quiero desarrollar, conceptualmente, una cocina nikkei de identidad argentina. Ya existe la cocina nikkei en otros países, como Perú, Brasil o México, que lograron fusionar con éxito lo japonés con lo local, pero no creo que en Argentina se haya logrado todavía.

Quique Yafuso es dueño de Haiku Sushi Bar, Shimada Omakase y Mondongo y Coliflor Cantina. En el mes de julio estará dando una clase magistral de sushi en el Centro Daiwa, Pasaje Albania 4507 (CABA)  @centro.daiwa

> Haiku Sushi. Franklin D. Roosevelt 1806 (CABA)

> Shimada Omakase. Franklin D. Roosevelt 1806 (CABA)

> Mondongo y Coliflor Cantina. Esquina Saraza, Del Barco Centenera 1698 (CABA)

Nota: Manuela Trejo Arakaki

Ph: Gentileza Quique Yafuso

Yu Kosuge deslumbró con su perfecta técnica e increíble interpretación al público argentino. Entre sus interpretaciones pudimos escuchar algo de “Fuego” y “Viento” próximos trabajos que estará realizando en donde se complementa a la perfección su técnica y las pausas y suspiros que le agregan una particularidad única a las piezas. Además, gracias a la Embajada del Japón, Alternativa Nikkei pudo entrevistar a Kosuge durante su práctica antes del concierto.

Alternativa Nikkei (A.N): ¿Cómo surgió la idea de presentarse en la Argentina?

Yu Kosuge (Y.K): La Embajada Argentina me invitó a tocar en el país.

A.N: ¿Qué le ha parecido Argentina hasta el momento?

Y.K: Recién llegué al país y no he tenido mucho tiempo de recorrer, pero la gente ha sido muy amigable conmigo. Estoy muy contenta por poder escuchar Tango. Me encanta escuchar Piazzola, Pugliese…Y me gustaría probar la comida argentina como el Bife de chorizo.

A.N: ¿Qué expectativas tiene con la presentación?

Y.K: Tengo un programa que es muy diverso y es respecto a los 4 elementos, la presentación va a estar enfocada en el “Viento” y el “Fuego”. Estoy esperando que la gente que venga lo pueda disfrutar plenamente.

A.N: ¿Tiene alguna meta musical, como interpretar una pieza, trabajar con alguien, presentarse en algún lugar en particular?

Y.K: Desde niña mi sueño era ser astronauta y sigo teniendo el sueño de tocar en la luna (risas). Uno de los sueños que tengo ya lo cumplí y es haber podido tocar acá, lo que me pone muy contenta. Sigue siendo un sueño también tocar en África, solamente fui una sola vez a Nigeria. Otra cosa pendiente que tengo es hacer un festival musical con amigos y público.

A.N: ¿Cuál dirías que es el sonido que caracteriza a Tokio?

Y.K: Al despertar hay un montón de sonidos como las sirenas y los autos, pero también hay mucha naturaleza. Entonces el sonido de las aves también me recuerda a ello y es una mezcla de naturaleza y ciudad.

A.N: ¿Qué sentimientos le genera y qué expresa cuando toca?

Y.K: Dependiendo la pieza. En una pieza de Beethoven puedo ver a los caballos correr y uno va corriendo con ellos, pero también te escapas y a veces sentís cosas que son muy personales, o como por ejemplo en el impresionismo, que uno ve cosas totalmente abstractas o paisajes. Varía de pieza en pieza.

A.N: ¿Tiene un mensaje para todos los que siguen su trabajo desde su presentación con la “Tokio new City Orchestra”?

Y.K: Yo estoy muy agradecida de poder hacer lo que me gusta, que es la música. Yo soy muy apasionada por la música, me gusta mucho viajar y si yo también he podido llegar hasta Buenos Aires y entiendo que la música es un lenguaje que puede comunicar a la gente, entonces estoy muy ansiosa de ver lo que le puede llegar a la gente en el concierto. Si bien ahora todo se puede ver a través de las plataformas digitales, es tan diferente venir y poder verlo en vivo. Yo todavía sigo disfrutando ir a la ópera en vivo, y de un montón de conciertos. Estoy ansiosa por eso.

Entrevista y nota por Gabriel Conversano

Para Alternativa Nikkei

Fotos: Romina Gimenez

Agradecimientos a la Embajada del Japón, Erica Uehara, Ezequiel Agüero, y la Biblioteca Nacional.

Sobre Gabriel Conversano

Estudiante de artes audiovisuales y autodidacta de comunicación, apasionado por la cultura japonesa. Entre sus intereses, se encuentran la historia y antropología, los medios audiovisuales y el entretenimiento audiovisual.

Su trayectoria no termina allí: posee el grado más alto en Kendo en Brasil (7º Dan Kyoshi) y fue honrado con el “Día del Samurái” en San Pablo y otros estados del país, siendo celebrado el día de su cumpleaños, 24 de abril.

Hace unos días pudimos conocerlo y entrevistarlo, ya que vino a Argentina para lanzar su libro en español de dos tomos titulado “Shinhagakure. Pensamientos de un samurái moderno”.

Inicios y desarrollo en el arte de la espada

Cuando era adolescente, leyó el libro de Miyamoto Musashi “El libro de los cinco anillos” y fue como comenzó su interés por el Kobudo. Después de recibirse de médico deportivo en la facultad, decidió fundar el Instituto Niten: “Esta decisión fue inspirada por las lecciones que daba a compañeros de la facultad. Más allá del entrenamiento o la práctica, tenía que ver más con la filosofía. Esto les resultaba útil para poder tener éxito en sus carreras”.

Además, comenta que a diferencia de otros lugares, en Niten no se centran sólo en los títulos ganados, sino en formar a las personas para que sean felices en un “templo de samuráis modernos”.

Con una sonrisa, nos comenta que cuando se estrenó la película “El último samurái” en el 2003, aumentaron los interesados en el arte de la espada, y que en el Instituto Niten de Brasil no paraban de sonar los teléfonos para consultar por las clases.

Lanzamiento del libro Shinhagakure en español

En el 2004 el sensei Kishikawa lanzó este libro en portugués. Finalmente, este año en su tercera edición se podrá leer en español.

“Este libro fue utilizado hasta hoy para que los alumnos leyeran y reflexionaran respecto a cómo vivir la vida y enfrentar sus adversidades con la misma armonía, coraje, confianza,, tranquilidad, disciplina y autocontrol de los samuráis del pasado (…) Este libro como la edición anterior, carga la energía del combate samurái. Esa será la brújula que ayudará a orientarlos para enfrentar y vencer los problemas de la vida, tanto los profesionales como los personales” (Shinhagakure – Volumen 1).

 “Este libro ahora va a permitir que en todos los dojos del Instituto Niten, incluidos los que están fuera de Brasil, pueda tenerse una misma línea de enseñanza con los principios del libro. Es un motivo de celebración porque ya no habrá una barrera en el idioma”, comenta.

Entre las enseñanzas que presenta Kishikawa, se encuentra el tema de la “confianza”:

“En la medida de que dejamos de ejercitar la energía interna del “Yo” guerrero, el poder de decisión se debilita y nos sentimos menos dispuestos a tomar iniciativas. Cuando adoptamos una actitud de pasividad, llegará un día en el cual no vamos a poder levantarnos de la silla en la búsqueda de una oportunidad. La falta de disposición y el alejamiento de las actividades son consecuencia del miedo al combate. EL MIEDO DEBE SER COMBATIDO CON CORAJE. Y EL CORAJE DEBE SER ENTRENADO CON CONFIANZA” (Shinhagakure – Volumen 1).

Agradecemos al Sensei Jorge Kishikawa y Marina Saieva por las fotos que se utilizaron en este artículo.

Fueron tres días repletos de actividades: charlas, talleres y exposiciones para todos los gustos, desde una muestra homenaje a los 40 años de Star Wars y a los 60 años de El Eternauta, una muestra inédita del maestro Quino titulada «Las máquinas de Quino» y también una muestra sobre la Revista Barcelona. Y aun más, se podía visitar el espacio Rodete de Historieta y Género, coordinado por Lunik y con la colaboración del Colectivo Ni una Menos.

Incluyó una gran feria de libros y cómics, así como también stands de las editoriales.

La madrina del festival fue Maitena, quien estuvo acompañada de importantes artistas nacionales como Chanti, El Bruno, Javier Rovella, Isol, Diego Greco, Ayer B, Szoka, Ignacio Noé, Claudio Aboy, Julieta Arroquy, Omar Francia, Calvi, María Alcobre, Santiago Caruso, Lauri Fernández y Lunik.

Integraron el grupo de invitados internacionales:

• La guionista y dibujante estadounidense Trina Robbins (Estados Unidos), quien tuvo el honor de ser la primera mujer que dibujó a Wonder Woman durante la serie limitada de cuatro números The Legend of Wonder Woman, con Kurt Busiek como guionista, publicada entre mayo y septiembre de 1986. Además, es co-fundadora de Friends of Lulu, una organización sin fines de lucro que promueve la participación de las mujeres en la industria de los comics. Entre sus trabajos más recientes, se encuentran Sensation Comics Featuring Wonder Woman y Wonder Woman ‘77 como guionista.
• El dibujante británico Simón Bisley, reconocido por sus trabajos en Lobo de DC Comics, también participó de publicaciones como Batman: Black & White, Hellblazer y 2000 AD.
• El diseñador, dibujante y guionista francés Jean-Yves Ferri, quien fue seleccionado junto al dibujante Didier Conrad para tomar el manto de Albert Uderzo y René Goscinny y guionar las nuevas aventuras de Astérix y Obélix.
• El mangaka japonés Yoichi Takahashi, autor de Captain Tsubasa (cuyo anime se emitió bajo el nombre de “Super Campeones” y más tarde llegó “Captain Tsubasa: Road to 2002” a través de Cartoon Network) y  Hungry Heart: Wild Striker (cuyo manga fue publicado por Editorial Ivrea en nuestro país y, previamente, los 52 episodios que componen la versión animada de la serie fueron emitidos por Animax en Latinoamérica).

Todos ellos ofrecieron charlas, masterclass dibujando en vivo y firmaron ejemplares.

Como ya sucedió en la Noche de los Dibujantes, había estudios montados para ver a los ilustradores y dibujantes realizar sus trabajos en tiempo real. Infaltable, los 16 artistas que se presentaron para la Batalla de Dibujantes mientras el público los animaba.

La Tierra de Fanzines se encontraba en otro pabellón, como ya ocurría en Tecnópolis, donde expusieron muchos diseñadores e ilustradores locales. Allí, uno podía cruzarse a Maitena y a Trina Robbins y dialogar con ambas.

En el mismo pabellón de la Tierra de Fanzines, uno podría disfrutar del concurso de cosplay que siempre sorprende por el nivel de los trajes y tuvo como premio un viaje a Tokio durante Halloween con todos los gastos pagos.

LA FIRMA DEL MANGAKA YOICHI TAKAHASHI

Llegó en una semana muy especial por las eliminatorias del mundial y justo un par de días después de la clasificación oficial de Japón para la Copa Mundial de la FIFA Rusia 2018.

Aterrizó en Buenos Aires el mismo sábado en que se presentaba en Comicópolis, por lo cual, no tuvo oportunidad de recorrer mucho la ciudad.

A las 15.30 horas estaba pactada la firma del mangaka de Captain Tsubasa, con un cupo de 60 personas, ya que el autor se presentaría durante el lapso de una hora. Los fans comenzaron a acercarse a la fila desde una o dos horas antes.

A las 15.20hs lo recibimos con un aplauso, mientras comenzaba a sonar la versión latinoamericana del opening de la serie.

Si bien la fila llegó a ser de unas 90 personas, los fans se solidarizaron en no quitarle mucho tiempo al autor para que el resto del público pueda acceder a conocerlo. Takahashi firmó desde remeras del Nankatsu FC (Niupi FC), indumentaria oficial de la selección japonesa, tomos de la edición española de Captain Tsubasa publicada por Glénat, tomos japoneses de la serie y hasta el álbum de figuritas editado en Argentina.

El manga original que se publicó entre 1981 y 1988, relata las aventuras de Tsubasa Ozora (Oliver Atom) un niño que se ha hecho amigo del balón y sueña con representar a Japón en el seleccionado de fútbol. En la primaria y en la secundaria forjará amistades y rivalidades mientras representa al equipo de su escuela. Finalmente, llega al seleccionado sub-16 donde enfrenta a Italia, Argentina, Francia y Alemania.

LA CHARLA EXCLUSIVA CON YOICHI TAKAHASHI

En el escenario principal, los fans pudieron hacerle preguntas y dialogar con Yoichi Takahashi, con el apoyo de la Embajada del Japón.

El moderador de la charla fue el ex futbolista Fernando Moner, quien llegó a Japón en el año 1988 gracias a All Nippon Airways (ANA) y jugó para el Yokohama Flügels y el Yokohama F.C. Morer recordó sus primeros entrenamientos en Japón, donde sus compañeros comentaban y bromeaban acerca de Captain Tsubasa, y pese a que en el comienzo no entendía mucho, con el pasar del tiempo se fue adentrando en la historia.

Moner comenzó preguntándole a Yoichi Takahashi sobre sus comienzos, sus gustos personales y cómo se reflejan en su obra. Captain Tsubasa comenzó a publicarse en 1981, para aquel entonces Yoichi Takahashi sólo tenía 20 años. Aparte del fútbol, desde pequeño le gustaba dibujar sobre beisbol, tenis y boxeo, además de ser un fanático del Barcelona. Le gustaba leer el manga de boxeo Ashita no Joe, guionado por Ikki Kajiwara y dibujado por Tetsuya Chiba. Justamente, de la lucha libre fue de donde tomó ideas para algunos de los tiros especiales de la serie.

Fue una grata sorpresa para él ver a sus fans en Argentina. Lo cierto es que el momento de la creación de Captain Tsubasa fue la 1978 FIFA World Cup Argentina.

Fanático de Samurai Blue, la Selección Japonesa de Fútbol, tuvo la suerte de conocer a Messi, a quien admira como el mejor jugador del mundo, y pudo dibujarlo.

Recientemente, ha colaborado con Tokyo 2020 para mostrar la importancia de los Juegos Paralímpicos y ha dibujado acerca del fútbol para ciegos.

Seguido de ello, Moner posibilitó la sección de preguntas de los fans, quienes agradecieron al mangaka las cálidas meriendas viendo cada episodio de la serie.

SOBRE EL MANGA

Acerca del protagonista de la serie Tsubasa Ozora (Oliver Atom en occidente), lo que llevó a su creación fue la idea de un joven cuyo sueño es llegar a representar a su país y llegar a las grandes ligas. Para enfatizar dicho anhelo, bautiza al protagonista como “Tsubasa” (“alas” en japonés) haciendo referencia a un joven que precisa alas para alcanzar sus sueños.

Nunca buscó realizar a sus personajes a imagen de algún deportista particular. Sin embargo, sabemos que Juan Díaz hacía referencia a Maradona por su juego.

Le ha llenado de orgullo enterarse de la inclusión de Tsubasa Ozora en la presentación de Tokyo 2020 Summer Olympics, que se pudo ver en la ceremonia de clausura de Rio 2016. Si bien el personaje no aparece en el merchandising oficial de las Olimpíadas, puede verse en el video.

De las escenas que más le gustó dibujar, destaca el momento en que Tsubasa (Oliver) y Kojiro (Steve Hyuga) levantan la copa consagrándose campeones.

SOBRE EL TRABAJO DE UN MANGAKA

Admite que la Weekly Shonen Jump es una revista muy competitiva. Si bien ofrece muchas oportunidades para presentar nuevas historias. Por ejemplo, él presentó en un concurso a Captain Tsubasa en una versión de historia corta, y como premio comenzó la publicación en la revista. Lo difícil es mantener la popularidad necesaria para mantener la continuación de la publicación.

EL LARGO DE LA CANCHA

Es común que fuera del Japón le consulten acerca de lo extensa que era la cancha y lo interminable que parecía recorrerla de un lado a otro. Lo cierto es que el dinamismo de un pase o una jugada lleva más tiempo de realizar al plasmarlo en el papel. A ello, se le suma la táctica e interrogantes que se cruzan por la cabeza de los personajes, como resultado, el tiempo empleado en el manga y anime.

NOVEDADES DE LA FRANQUICIA

En la actualidad, Captain Tsubasa: Rising Sun está siendo publicado en las páginas de la revista Grand Jump de la editorial Shueisha y lleva publicados 6 tomos, lo que es más, la publicación de éste último coincide con los 100 tomos de la franquicia. La historia se centra en el sueño Olímpico.

Muy oportunas fueron las consultas sobre si a Díaz y Pascal se le sumarían nuevos personajes, dado la cantidad de futbolistas reconocidos que tenemos en Argentina. Vale recordar que muchos personajes del equipo argentino del manga original, remiten a jugadores que les eran contemporáneos. Sin embargo, no ha podido revelarnos mucho de lo que planea para la historia.

Siguiendo la misma línea sobre situaciones de la actualidad y su paralelismo con la serie, se le consultó al autor sobre el traspaso de Neymar al Paris Saint-Germain y, comentó que existe la posibilidad de generar una posible salida de personajes como Misaki, para luego tener que enfrentar al equipo de Tsubasa.

En la actualidad, el Nadeshiko Japan, la selección femenina de futbol japonesa, se posiciona en el octavo puesto del FIFA Women’s World Ranking, por lo cual, le consultaron si existía la posibilidad de reflejarlo como crossover en el manga, sin embargo, descarta dicha posibilidad. También ha descartado un crossover entre Hungry Hearts y Captain Tsubasa.

No hay planes para un nuevo lanzamiento de un videojuego para ninguna consola particular. Sin embargo, en Japón sí se ha anunciado una aplicación para celulares.

¡Muchas gracias a Comicópolis por permitirnos cubrir el evento!

Todo esto fue posible gracias a la Asociación Civil Viñetas Sueltas que busca promocionar culturalmente a las historietas. Fruto de esta asociación civil sin fines de lucro fueron los festivales Viñetas Sueltas, la Noche de los Dibujantes y Comicópolis.

Chaton Noir comenzó como un hobbie durante el año 2011, mientras trabajaba como Jefa de Producto en una marca de ropa para niños. Conjuga sus diversas aficiones: desde películas como La Historia sin Fin, novelas como Alice’s Adventures in Wonderland, la década de los 80’s, París y, claro está, la Cultura Kawaii. Lo que comenzó como fanzines, cuyos protagonistas eran gatitos, combinado con cursos de otras disciplinas como porcelana fina, germinó en la marca que la llevó al país del sol naciente.

Encontró en la docencia otra forma de plasmar y compartir su pasión por el diseño. Fue docente de la materia Diseño de Indumentaria en la Cátedra Martin entre el 2008 y el 2015 en FADU-UBA. En la actualidad dicta Ilustración y Figurines en la Universidad de Palermo.

Adriana Lepere: Contános un poco más de vos, ¿cuál fue el primer contacto que tuviste con Japón y con el diseño japonés? ¿Cómo te interesaste en la Cultura Kawaii?

Luciana Carballo: Primero, en la secundaria y mientras estudiaba fanzines e historieta, consumía y seguía series de anime. Para entender el contexto de las historias, investigué sobre costumbres y temas culturales del Japón. A medida que avanzaba con la carrera, aunque ya no contando con tiempo de cursar historieta, en ese continuo querer conocer más, me llevaba a siempre preferir temas con la cultura oriental y, dado el caso de poder elegir algún diseñador para investigar, elegía a un diseñador japonés. Siempre estuve atraída por el universo de la cultura japonesa, tanto la tradicional como la cultura pop.

Adriana Lepere:¿Cómo vinculas la docencia y el transmitir lo aprendido en Japón?

Luciana Carballo: Cuando me presenté por primera vez en Rooms era docente de FADU-UBA. Siempre trato de transmitir toda la experiencia del viaje a mis alumnos: cómo es su cultura, la disciplina para trabajar, las diferencias entre ambos mercados, incluso en lo laboral y profesional, como con los modismos de las tarjetas meishi. También la importancia del valorar al artesano y a su historia. Si bien culturalmente somos antagonistas, el paralelismo entre ambos mercados y las exigencias genera mucho espacio a la reflexión. Las diferentes formas de distribución del espacio, el uso de un concepto para nuclear a determinados diseñadores en el mismo, el concepto de recorrido arquitectónico.

En relación al material, en clase les comparto las revistas, los catálogos, las publicidades y todo lo relacionado a la producción gráfica del mercado japonés. Incluso, busco incluir en mis clases otros diseñadores para que se conozcan otros métodos y producciones textiles.

ROOMS es una feria de diseño que se realiza dos veces al año para presentar las colecciones primavera/verano y otoño/invierno y, que expone a emprendedores y diseñadores de marcas de indumentaria de ropa para mujeres, hombres, unisex, de accesorios, marroquinería, zapatos, sombreros, bijouterie, muebles de interiores, diseño gráfico y textil. Genera un vínculo entre emprendedores internacionales con el mercado japonés.

Organizado por el Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto y la Fundación Exportar (actual Agencia Argentina de Inversiones y Comercio Internacional), se convocó durante ocho años a empresas y PyMEs de diseño de indumentaria a participar de ROOMS en Japón. La misma, se lleva a cabo en un clásico de la arquitectura moderna que hibridiza occidente y oriente: el Yoyogi National Stadium.

El Yoyogi National Stadium fue diseñado por el arquitecto Kenzo Tange para los Juegos Olímpicos de Verano de Tokio de 1964, y repetirá como marco olímpico en el Sector Patrimonial durante Tokyo 2020 Summer Olympics para la disciplina handball. Se encuentra localizado en el barrio de Shibuya, cerca de la estación Harajuku. Además de olimpistas y deportistas, dicho estadio ha dado cobijo a varios eventos: se han brindando conciertos de artistas como Britney Spears (de hecho, acaba de presentarse el pasado 3 y 4 de Junio en el marco de su gira asiática Britney: Live in Concert), es el escenario del desfile bianual Tokyo Girls Collection presentado por Girlswalker y de ferias como ROOMS que hacen de vidriera de, entre otros, al diseño argentino.

La edición 29º Rooms (2014) fue la primera experiencia de Chaton Noir en Japón y volvió como expositora en las ediciones 31º Rooms (2015) y 33º Rooms (2016). La próxima edición se llevará a cabo del 6 al 8 de septiembre. Sin embargo, la Fundación Exportar no ha incluido a Rooms en su calendario 2017.

Adriana Lepere: ¡¡Felicitaciones por representar a Argentina ante el mercado japonés!! ¿Desde qué edición de Rooms participás? ¿Qué sentiste al llegar a dicho mercado?

Luciana Carballo: Me presenté en el 2014. Originalmente, la Fundación Exportar pre-seleccionaba a diez marcas y/o emprendedores del total de postulantes. Yo quedé en el puesto onceavo. Sin embargo, un emprendedor no pudo viajar y al ser la inmediata en la lista, tuve la suerte de suplantar dicha plaza.

Siempre sentí que mi marca podía funcionar en Japón, en ese momento aún no me enfocaba al cuero, pero debido al concepto de la marca y mi conocimiento en el mercado, sabía que el producto sería bien recibido. Además, tenía antecedentes de empresas nacionales que ya vendían en Japón.

Entre los diseñadores que Carballo admira se encuentran Chisato Tsumori y Shinzi Katoh. Con base en la admiración de la naturaleza, el folclore y mitología japonesa con animales a los que se les atribuyen determinadas características, se funde la mixtura de culturas latente en las colecciones de Chaton Noir. Con el pasar de los años, Carballo ha podido explorar la admiración por los gatos del Japón, desde los Cat Café, las islas Aoshima y Tashirojima, famosas por su elevada población de gatos, los templos de veneración a animales, los monumentos que los conmemoran. Hasta que en el 2016 hubo un boom comercial que incluyó una sección exclusiva de productos de gatos en la Feria Rooms.

Los personajes que integran las colecciones de Chaton Noir son un gato (quien fuera el protagonista de sus fanzines); dos razas de perros, de las cuales uno es un Bulldog Francés (otra mascota que también estuvo muy de moda en Japón y por aquí), que combina con símbolos parisinos como el Arco del Triunfo, croissant y la Torre Eiffel; y dos conejos en honor a Alicia en el País de las Maravillas. Sus próximas colecciones incluirán a animales muy populares de distintas prefecturas japonesas, pero todavía no es hora de revelar la sorpresa.

Adriana Lepere: Japón es la meca de la perfección. Durante la experiencia, ¿te han consultado sobre los materiales o la técnica? ¿Cómo ha sido su impresión del diseño argentino y, más aún, del que tiene reminiscencias a su cultura? Además, Japón prioriza la cultura eco. ¿Tienen exigencias o preferencias sobre el trabajo del material?

Luciana Carballo: Por proximidad, ellos tienen mucho conocimiento de la industria de China, y son socios comerciales, sin dejar de mencionar el mercado de marcas de lujo. Por lo cual, ellos admiran o le dan importancia a aquellos emprendimientos extranjeros que ofrecen productos que tengan algo autóctono o que tengan reminiscencia a lo artesanal de su país de origen. Incluso, también admiran a aquellos que hacen el procedimiento inverso, cuando uno desde lejos está tratando de entender su cultura. Siempre que uno sepa captar o pueda evocar el mensaje de su esencia, les es interesante.

Existe una apreciación al cuero y a la nobleza del material. Un gusto por la rusticidad. Se interesan en técnicas de producción con materiales reciclados. Pequeños detalles que hacen al producto único y los diferencian del resto.

Es sorprendente que uno en Japón se encuentra con gente que es muy fanática de Argentina (vale aclarar que es una minoría en comparación con el fanatismo por Europa). Les gusta mucho el tango, recientemente el fútbol y la gastronomía. Eso sumado a que ellos desarrollan mucho sus hobbies: tienen una cultura del hobbie.

Exponer en una feria de diseño en otro continente es un continuo aprendizaje, implica repensar el negocio, el armado de colección; involucra replantearse una y otra vez el todo desde otro lugar. Como resultado de ello, hubo otros detalles de la producción que marcan el nexo con Japón. Por ejemplo, en materia de marroquinería, la billetera de Chaton Noir fue diseñada para el usuario japonés, si bien en la actualidad proliferan las billeteras planas en el ámbito nacional. Dualidades y mixturas que el diseño posibilita, sumado a la globalización y a las tendencias que las adaptan en distintos territorios.

Coincidía con el pasar de las ediciones de Rooms, el presentar las nuevas colecciones de la marca en Japón y luego realizar el lanzamiento en Argentina.

¡Muchísimas gracias a Luciana por compartirnos su experiencia y representarnos en el mercado japonés! Pueden visitar su tienda online, su fan page de Facebook y cuenta de Instagram @chatonnoirboutique. También pueden visitar en Instagram las cuentas oficiales de @rooms_jiba y @roomsshop.

El Embajador del Japón en la Argentina, Dn Noriteru Fukushima, fue quien le entregó el diploma con la mención y celebraron junto al equipo del programa “Cocineros Argentinos” por TV pública, donde se llevó a cabo este encuentro.

Alternativa Nikkei tuvo la oportunidad de entrevistar al famoso chef, quien fue conductor de varios programas del canal “El Gourmet”, y  quien se volcó también a la enseñanza. También es autor de varios libros de cocina y Jurado en destacadas escuelas de gastronomía del mundo.

Este año ha sido nombrado “Embajador honorario de la Gastronomía Japonesa para Latinoamérica, ¿qué significa para usted haber recibido esta distinción?

Para mí es un gran honor. Empecé hace muchos años con el sushi en Argentina y fue un gran esfuerzo lograr que la mayoría de los argentinos se animaran y probaran.  Me siento muy feliz con este reconocimiento. Además, habiendo nacido en Argentina y de padres japoneses, poder mostrar mi cultura japonesa, que a la gente le guste y que los japoneses lo hayan valorado, me pone muy contento.

El encuentro lo celebramos en el programa de Cocineros Argentinos. Preparé un plato muy simple, yakitori, para hacerlo más popular y no tan formal. Fue corto, pero muy emocionante.

¿Cómo surgió su interés por la cocina? ¿Cómo fue desarrollando sus estudios y la práctica gastronómica?

Yo vengo de una familia donde mi abuela y mi padre eran chefs. Ellos migraron de Tokio a Argentina en los ’60. Mi abuela tenía un restaurante allá, pero lo perdió en la Segunda Guerra Mundial. Su sueño era volver a poner un restaurante, y cuando llegó a la Argentina logró poner el primer restaurante de sushi. Nosotros vivíamos atrás del local, y siempre estaba en la cocina, además de que era muy apegado a mi abuela.

A los 12 años le dije a papá que quería ser cocinero. Así que empecé desde muy chico hasta hoy en día. Empecé con cocina japonesa clásica durante unos 10 años, del ’78 al ’88. Después de esos años fui a EE.UU para estudiar el producto del “sushi californiano”, y lo traje por primera vez a Argentina.

Hace 30 años comer sushi era raro, hoy en día forma parte de la gastronomía argentina.

El tema es que yo empecé aquí con el sushi cuando se lo veía como algo extraño. En un país donde la gente comía carne, era casi impensable para la gente comer pescado crudo. Por eso, a pesar de haber instalado el primer restaurante de sushi en Argentina, y ser pioneros en este producto, en su momento costó. Al principio venían diplomáticos o japoneses, y mucho después comenzaron a venir argentinos.

Fue conductor de varios programas en el canal Gourmet. ¿Me puede comentar cómo fueron sus inicios en el canal y qué le deja como experiencia?

En televisión empecé a trabajar en la década del ’90. Yo al principio no pensaba en estar en ese formato, era mi suegra la que me decía que me veía en un perfil televisivo. Pero yo tenía un poco de miedo: era chef, estaba siempre dentro de la cocina, era de formación japonesa…Pero me animé porque yo les dije que no iba a hablar, sólo cocinar. Entonces pusieron una voz en off encima de las preparaciones que iba haciendo.

Como me fue muy bien en el programa, terminé negociando por cuatro programas en el canal. Llegué a hacer 100 programas en un año. Pero después lo fui haciendo más tranquilo, con más cuidado, y siempre con seriedad.

Gourmet me dejó muchas enseñanzas. A mí me gustaba porque yo podía hacer una alta cocina, elegía muy buenos productos, y para gente que le gustara comer bien.

También dicta clases en diferentes escuelas de gastronomía, ¿qué es lo que le gusta de enseñar?

En el ’97 empecé a enseñar en escuelas y acá ves cosas muy especiales. Hay niños desde 12 años hasta señores de 70 años. Y el espectro del público es muy amplio también, por eso me gusta: hay amas de casa, estudiantes, adolescentes, empresarios…

Actualmente trabajo en el Instituto Argentino de Gastronomía (IAG) y en el Instituto Superior Mariano Moreno. Doy clases de sushi (nivel básico, avanzado y profesional), y otras clases de cocina como la oriental.

Estoy contento de poder enseñar a la gente que le apasiona lo mismo que yo. En mi época era más difícil para aprender, no hay escuelas como ahora, y había muchos celos entre los chefs para enseñar. Viajaba a Japón como pasante para aprender de diferentes lugares, con todos los gastos por mi cuenta.

Antes de que terminara la entrevista, Iwao-san mencionó algo que lo marcó a nivel personal y en la cocina, que era la enseñanza de su abuela y su padre: “la cocina es un acto de amor”. Ese amor por la cocina, sin duda, lo acompaña siempre, y es algo que también transmite a sus alumnos.

Inoue es reconocido por su sencillo “Closer”, que fue utilizado como un opening de la famosa serie de anime Naruto Shippuden.

¿Cómo fue tu experiencia en Argentina?

Joe: ¡Fue increíble! ¡Recibí una cálida bienvenida y tuvimos un show impresionante!

¿Cómo empezaste a hacer las reuniones de fans durante tus visitas en los diferentes países donde haces los shows?  

Joe: Me encanta interactuar con mis fans y no es cosa de todos los días el poder visitar todos esos países como lo hago ahora. ¡Es por eso que hago fan meetings siempre que sea posible!

¿Qué es lo que más disfrutás al momento de conocer a tus fans?

Joe: ¡¡Cada segundo y cada momento!! Al conocer a mis fans, paso un momento agradable, pero también es una oportunidad de poder conocer mejor el país.

¿Cómo iniciaste tu carrera en la industria de la música?

Joe: ¡Envié un demo a un sello discográfico y fue el inicio de todo!

¿En dónde encontrás inspiración y motivación al momento de hacer música?

Joe: ¡En la vida misma! Todas las emociones por las que paso, todas las personas que conozco y todos los lugares que visito son una fuente de inspiración para escribir mis canciones.

¿Qué artistas o bandas te gusta escuchar?

Joe: Escucho de todo, pero mi banda favorita de todos los tiempos es Nirvana.

¿Cómo fue tu experiencia de haber participado en Naruto cantando uno de sus openings? ¿Cómo fue creada esa canción?

Joe: Ya había escrito la canción “Closer” mucho antes, pero la hice mucho mejor cuando me pidieron elegir un tema para llegar a competir como un opening de Naruto.

 ¿Qué es lo que te gusta del J-rock?

Joe: Su originalidad y versatilidad.  ¡Uno puede encontrar tantos tipos de J-rock que lo hace muy divertido!

¿Te gustaría volver a Latinoamérica para hacer más shows?

Joe: ¡Por supuesto! Siempre sentí una conexión en mi corazón con Latinoamérica. ¡Sería mi sueño poder tocar en cada país de allí!

¡¡Muchas gracias Joe Inoue por responder a nuestras preguntas!!

¡¡Invitamos a visitar sus páginas oficiales donde pueden ver sus videos en vivo e interactuar con él!!

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