En su ensayo “Poesía y naturaleza en Japón” el profesor Haruo Shirane reflexiona sobre esta contradicción mediante el rol trascendental que tuvo la poesía y literatura clásica del Período Heian (794-1185) a la hora de construir una idea de aquello que simbolizaba lo natural como sinónimo de lo estético y de lo bello, y sobre todo de las emociones y las estaciones. Para Shirane la idea aristocrática de lo natural, que se impuso, contemplaba un mundo reducido a jardines y representaciones pictóricas, y no al mundo exterior real. De este modo, se creó lo que él llama una “naturaleza secundaria”, una que llegaba a una representación mucho más amena y poética, contraria a la naturaleza primaria que azotaba a Japón, que muchas veces era salvaje y dura.

Tal vez, esta influencia idealizada y romántica de lo natural hizo mella en el inconsciente nacional de Japón a través de la legitimación imperial impulsada por el Kokinshū (una antología de poesía waka), que incluso en sus primeros seis volúmenes incluía poemas sobre las estaciones. Así, el vínculo entre waka y naturaleza era innegable, de hecho, waka (和歌) era en el significado de sus caracteres “la poesía de Yamato”, o en otras palabras: la poesía de Japón. De hecho, posteriormente, el carácter de “wa” adquirió el significado de “armonioso”, ampliando aún más esta unión nacional y apacible. Dice Shirane: “Como consecuencia, el waka pasó a ser considerado el estilo de un país armonioso en todo aspecto. El énfasis no caía, entonces, en lo que la naturaleza era, sino en lo que debía ser.”

A Scene at the Sea (dir. Takeshi Kitano, 1991)

Podríamos decir, también, que el corazón del Período Heian sobrevive hasta nuestros tiempos en un lirismo fácilmente trasladable a lo audiovisual. El cine japonés se vuelve muchas veces un espejo del waka y de sus temáticas, y lugares como el mar abren las puertas a “otros mundos”, sitios que son fuente simbólica de grandes poderes y tesoros. Esto lo vemos en cintas como A Scene at the Sea (あの夏、いちばん静かな海。) de Takeshi Kitano del año 1991, donde el mar se vuelve un espacio ritual y de crecimiento personal, uniendo al protagonista con una sociedad que antes lo relegaba. La historia sigue a Shigeru, un recolector de basura sordomudo que encuentra una tabla de surf rota y que decide reparar para comenzar a practicar este deporte. Pronto su mundo pasará sólo a través de esta búsqueda de sentido que encuentra en el surf y en el mar, acompañado por su novia también sordomuda y diversos locales que lo irán apoyando.

Entre silencio, contemplación y humanidad, Kitano construye una historia repleta de una belleza tierna y sutil. Casi sin diálogos, el universo poético de la película descansa en la expresividad de la naturaleza, que se encuentra tamizada, como plantea Shirane, bajo la mirada humana. Aquí el mar es un espacio de meditación, haciendo del agua un punto de partida para crecer y autodescubrirse (del mismo modo que hiciera Shinji Sōmai en Moving de 1993, con el crecimiento adolescente de su protagonista).

A Scene at the Sea (dir. Takeshi Kitano, 1991)

Shigeru inicialmente es burlado y apartado por su condición, pero logra una conexión consigo mismo y con la comunidad a través del mar y del surf, siendo valorado por su gran esfuerzo por mejorar o su “ganbaru” implacable. Esta tensión entre comunidad e individualismo dialoga directamente con la cultura japonesa, que aparta a quienes son percibidos “diferentes” por la idea del “wa” o armonía grupal (volvemos al concepto de armonía) pero al mismo tiempo valora la perseverancia del individuo (ganbaru).

Así, quienes son marginados encuentran belleza en lo cotidiano, atrapando una felicidad efímera por un final incierto, pero que contiene una sensación de valorización del tiempo compartido y de las enseñanzas de este entorno. Kitano, si bien en su búsqueda de lo estético abraza esa naturaleza secundaria, al final rompe ese prisma idealizado y nos deja ver un mar voluble y realista. Logrando que esta dualidad entre lo bello y lo amenazante abrace a estos personajes y los llene de algún modo. Quizás siendo un equilibrio necesario que Japón precise encontrar para seguir hallándose a sí mismo. Una belleza dolorosa, como un waka leído con ojos repletos de verdad.

A Scene at the Sea (dir. Takeshi Kitano, 1991)

Imágenes: IMDb

Es preciso, entonces, desentrañar un poco la conceptualización que se esconde detrás de esta mirada a través de autores como Yoshio Sugimoto. Para él, que se plantee la idea de una “naturaleza japonesa”, para plasmar y sostener que los japoneses son cultural y socialmente únicos, significa ocultar las diversidades internas que tiene Japón y su propia historicidad. De hecho, entre sus cuatro supuestos subyacentes al nihonjinron, menciona que los atributos culturales que comparten los japoneses han existido históricamente de manera continua y sin variaciones. Esto nos plantea dos dudas tajantes: ¿Desde qué postura Japón interpreta su propia historia? ¿Y cuáles narrativas conforman aquello que, para la subcultura central que dispersa el nihonjinron en la sociedad, es lo culturalmente aceptable como esencia japonesa? Si vamos de lleno a esta subcultura, centro del capital ideológico de Japón, hablamos de empresarios, estudiantes de universidades costosas, etc. Y nos encontramos con un sector que domina las altas esferas de la sociedad, desde las que influencia los programas educativos, los medios de comunicación y los ámbitos editoriales o publicitarios. La historia que busca contar, de este modo, se compone de valores propios del espíritu samurái, la fortaleza de los kamikazes y el alma de la raza Yamato.

Pero ¿Qué sucede cuando revolvemos un poco en la edad antigua? Más concretamente en el período Yayoi ¿Qué hay de Japón aún antes del relato de Japón y del clan Yamato? Y aún más importante ¿Cuánto se sostiene este imaginario esencialista frente a otras lecturas sobre figuras como la reina chamana Himiko? En ese sentido, hubo un director llamado Masahiro Shinoda que se preguntó esto, quizá no en estos términos, pero que en su ejercicio por retratar la historia con una mirada crítica encontró un devenir que atraviesa a Japón y a su visión hacia occidente por igual.

Masahiro Shinoda (1931-2025)

Exponente de la que fuera la nūberu bāgu japonesa y de su mirada social y política cuestionadora, junto a otros directores como Nagisa Oshima o Yoshishige Yoshida, Shinoda creó una imaginería poética y sensual que aún a día de hoy sigue perdurando en el inconsciente colectivo de la historia del cine japonés. Es dentro de ese legado que encontramos una obra como Himiko, de 1974, una película que retrata la historia de la líder del supuesto reino de Yamatai, y cómo lo gobernaba siendo mensajera del dios sol.

Siguiendo desde este punto, para tener una lectura más amplia del contexto histórico de la película debemos posicionarnos, como mencionamos antes, en el período Yayoi. El mismo abarca del 300 a. C. al 300 d. C, aproximadamente, y debe su nombre al lugar donde fueran encontradas las primeras cerámicas de esta época en Tokio. En este período, Himiko fue una figura mencionada en el texto chino conocido como Gishi Wajin-den, donde se describe lo que parecería ser un protoestado conocido como Yamatai en el país de Wa (Japón), y cómo ella tenía control sobre este y dejaba los asuntos estatales en manos de su hermano menor. Por otro lado, teniendo en cuenta que la escritura aún no estaba desarrollada en el país, la forma de constatar la veracidad de la existencia de una regente espiritual así es complicado. Muchos asocian su figura a la de la Emperatriz Consorte Jingu, quien fue regente en un período similar según el Kojiki y el Nihonshoki (los cuales, como libros antiguos, tampoco representaban fuentes fidedignas para aseverar historicidad, ya que buscaban legitimar el poder imperial mediante mitos fundacionales).

Himiko (1974)

La cinta, entonces, nos presenta el reinado de Himiko, sus visiones y su vinculación con el dios sol. Pero Shinoda no se detiene en la superficie, y busca desmitificar a esta figura como un individuo con sus propias pasiones, decisiones y miserias. Esto nos retrotrae, de algún modo, al desasosiego identitario que propone Takeo Funabiki sobre Japón en relación al nihonjinron. Según él, bajo este discurso esencialista, se busca eliminar la diversidad en pos de una identidad única, un “nosotros” que sobresale colectivamente. Sin embargo, la Himiko de Shinoda es humana, no responde a una identidad milenaria, sino que es presentada como un personaje maleable y con un gran poder propio, pero subjetivo. Para Funabiki, la reafirmación nacional en lo homogéneo sólo responde a disrupción identitaria de Japón mismo de cara a occidente, un intento por cumplir expectativas que nunca acaban llenándose. Dentro del metraje, la reina chamana está sujeta a la decisión de otros hombres, que cuando ven que su condición de pureza se pierde (cuando Himiko se enamora y castiga una infidelidad) deciden que es hora de reemplazarla, ya que su conexión espiritual había dejado de existir. De algún modo Shinoda nos habla del Japón antiguo, pero también de la modernidad del país, donde los valores se sostienen por discursos esparcidos por hombres con poder, y lo que contradiga el nihonjinron debe ser repelido. Y yendo más allá, un país en el que se ejerce un culto a la pureza, o bien a conceptos como Yamato Nadeshiko, que detallan cómo debe ser la mujer japonesa. En este punto, también, podemos notar cómo se busca que Himiko encaje en lo que funciona colectivamente para sostener el equilibrio social, algo que refleja de cerca a la modernidad japonesa: el individuo se debe alienar para pertenecer.

Himiko (1974)

Al final, la cámara se aleja de un personaje expresando el dolor por la muerte de Himiko y vemos cómo un helicóptero sobrevuela el Japón moderno. A lo largo de toda la película, el color vinculado a los cultos animistas y la teatralidad tradicional se hicieron presentes en los vestuarios, las tomas y la arquitectura. Dándonos a entender, de algún modo, que esta época es igual a la antigua, Shinoda contrapone el color con el gris moderno occidentalizado ¿Es el Japón tradicional así de colorido, vivo y expresivo o sólo es una mirada que buscamos creer para justificar el Japón moderno? Después de todo, los vínculos y las jerarquías no han cambiado esencialmente, y lo que creemos que es lo correcto en verdad puede ser una búsqueda más compleja de la propia identidad de Japón.

Quizás, algo en lo que alguna otra ocasión podremos ahondar.

Por Fran Parisi
Imágenes: Pinterest, Reddit, OnCriterion, La Vanguardia                     

Referencias

Sugimoto, Yoshio. Una introducción a la sociedad japonesa. Traducción de Carlos Sardiña y Yolanda Fontal, Edicions Bellaterra, 2016.

Funabiki, Takeo. “El desasosiego identitario japonés: razones históricas del nihonjinron.” Antropología de Japón: identidad, discurso y representación, editado por Blai Guarné, Edicions Bellaterra, 2018.

La cámara nos lleva desde las calles, los edificios y la marea poblacional hasta los mundos íntimos de cada personaje (sus casas, sus trabajos), pero también muchas veces descansa en el cielo. Esta conceptualización lo une directamente con el “Ma” (間) japonés, entendido como espacio o intervalo, es un término que expone (en palabras simples) un vacío consciente, uno que no puede existir sin su entorno, y que cobra un sentido emocional ligándose a la idea de la contemplación. Dentro de la película, es el cielo, pero también los silencios o las pausas en los diálogos, aquellos que evidencian esta realidad sensitiva. De hecho, Ma está formado por los caracteres de puerta (門) y sol (日) y podría interpretarse de manera literal como el sol que impregna sus rayos de luminosidad a través de una puerta. Para Ishikawa es un resquicio de luz en un mundo cada vez más apagado y masificado, pero también una visión sensible hacia las vidas y las voces de estas mujeres buscando su lugar en el mundo, una forma de entender la modernidad y de hablarle a una sociedad cada vez más desunida y solitaria.

Imágenes: FilmAffinity, MUBI

– No, es mejor olvidar. De los viejos tiempos todos los recuerdos que necesitas son los que puedes contar con una mano.

Este diálogo, extraído de un intercambio que tiene la protagonista de Moving (1993) de Shinji Sōmai, encapsula la idea del olvido como un medio a través del cual se reconvierte lo esencial, haciendo del recuerdo un acto de memoria, y brindándole un sentido más profundo y respetuoso. Es quizás, bajo un lente más cultural, una valorización de la transitoriedad. Una muy propia del imaginario japonés, que rescata del pasado una comprensión ancestral de aquello que conforma nuestro presente. De hecho, si partimos desde este punto, hay cierta reminiscencia entre el mundo conceptual y sensorial en el que está atrapada la heroína de Sōmai y el de Chihiro de El Viaje de Chihiro (2001) de Hayao Miyazaki.

“Nada de lo que sucede se olvida jamás, aunque tú no puedas recordarlo.” Le dice la bruja Zeniba a la niña. Lo cual, con un rápido desglose, nos posiciona semánticamente bastante cerca de esta dualidad entre lo efímero y lo trascendental que percibíamos en el primer diálogo. Aunque en este caso, Miyazaki también añade una capa más de profundidad: la del crecimiento y la madurez. No es sólo importante recordar lo que somos y lo que fuimos mediante el cambio que acarrea el olvido, sino que hacerlo es también parte de crecer.

En Moving, la niña emprende un viaje de aceptación debido al inminente divorcio de sus padres, el cual culmina en un clímax onírico en el que aprende a dejar atrás esa idealización del pasado para asumir su nuevo presente. Mientras que en El Viaje de Chihiro ese traspaso hacia la adultez se ve representado por la pérdida de sus padres, quienes fueron convertidos en cerdos, y finaliza también con un reencuentro con ellos, pero desde otra perspectiva interna. En ambos casos las realidades que se crearon a través de los recuerdos y las vivencias acompañan a nuestras protagonistas, pero es sólo en el olvido (en esa lógica sutil del dejar ir) en el que pueden posicionar sus corazones y mirar con decisión de cara a un futuro que las espera y que aprendieron a construir.

Imagen: HK Cine Fan

En cintas como Tokyō Profile de 1953, por ejemplo, enuncia un poco el anhelo de que a pesar de la automatización y la alienación de una existencia cada vez más masificada, pueda seguir surgiendo la impronta humana, la cercanía y la bondad recíproca. Los personajes de Shimizu la brindan voz a una sociedad silenciosa, sus escenarios y situaciones la dotan de un minimalismo poético muy propio de las artes japonesas.

En Arigatō-san de 1936, se nos narra la historia de un conductor de autobús, a quien le dicen “Arigatō-san” por sus constantes muestras de agradecimiento, y sus pasajeros en un trayecto desde un pueblo en el campo japonés hasta Tokyō. En el camino se verán reflejados los dilemas sociales de época, el contraste entre la vida campestre y la despersonalización de las nuevas urbes, la importancia de la autenticidad y el humanismo por sobre los roles sociales y la superficialidad, la búsqueda de un sentido de belleza en un mundo cada vez más frío y monótono y en el que la gente está cada vez más separada. Shimizu nos brinda planos hermosamente construidos, haciendo foco en la vida rural y su gente. Nos habla casi con ternura de una sencillez que debería ser valiosa como identidad social, y nos disuade, basándose en diálogos, de que el mundo íntimo de esos personajes y su viaje se corresponde con esa identidad y que tendría que sobrevivir a cualquier época y cambio. Ya que es esa vinculación (imperfecta, inesperada, cercana, amable) la que nos une con aquello que realmente nos vuelve humanos. Es quizá, un dejo de esperanza que arroja Shimizu con calidez, una reflexión y un deseo de futuro.

Imagen: Criterion

Letterboxd: Cryana

Siempre agradezco cuando puedo ir al cine y disfrutar de una película animada, más si es japonesa, porque ese país logró despegarse de la animación occidental a la que suelo estar acostumbrado. Si bien la película me dio lo que esperaba, me dejó algunas cosas más.

Con una narrativa clásica, es una historia que por momentos me hacía replantear si estaba en lo correcto y si la misma es clara y concisa. Esta película me habla de los vínculos que tenemos y transmite calidez, la misma que Ruka siente cuando Umi toma su mano.

El arte por momentos me recuerda al de Masaaki Yuasa y me regala uno de mis fetiches que son escenas en blanco y negro en donde puedo sentir que estoy viendo una página del manga dibujada por Daisuke Igarashi, su creador, acompañado por una banda sonora que para mi oído al que le cuesta escuchar, se plantó, sumado a los sonidos de animales y del mar con los que cierra su ending Umi no Yurei, escrito e interpretado por Kenshi Yonezu.

Fuente: Madness Entertainment

Si algo brilla, es porque desea ser observado

Esta película me contó la historia de una niña que se pierde en un inmenso océano y busca el lazo que la regrese a la tierra con sus afectos; de la calidez que esos afectos nos brindan y cómo ellos brillan para que ella (y para que nosotros) no nos perdamos en el inmenso océano de la vida.

Fuente: Madness Entertainment

Ficha

Título: El espíritu del mar (Kaiju no Kodomo)

Basada en el manga del mismo nombre de Daisuke Igarashi.

Producción: Studio 4C Eiko Tanaka

Director: Ayumu Watanabe

Duración: 111 minutos

País: Japón

Idioma: Japonés

Por Gabriel Conversano

Estudiante de artes audiovisuales y autodidacta de comunicación, apasionado por la cultura japonesa. Entre sus intereses, se encuentran la historia y antropología, los medios audiovisuales y el entretenimiento audiovisual.

Los largometrajes y cortometrajes del estudio, tanto los dirigidos por Miyazaki, Takahata u otros directores, se caracterizan por reflejar la inocencia de la infancia, el amor y el respeto hacia la naturaleza, entendida como una totalidad en donde los humanos, animales, plantas y espíritus deberían coexistir en paz y armonía, la importancia de la amistad y la unión, el valor y la protección de los seres queridos, la admiración y el respeto hacia los mayores, personas que por haber estado más tiempo en este mundo, son poseedoras de una gran sabiduría, siendo su principal misión transmitirla a las generaciones más jóvenes e inexpertas.

Entre los títulos más famosos del estudio se encuentra “Mononoke Hime” (La princesa Mononoke) de 1997.

Mononoke Hime fue el proyecto más extenso del estudio, llevó tres años el finalizarla y supuso un cuestionamiento por parte de Miyazaki acerca de si debía continuar o no en el mundo de la animación. Es una de las películas más serias, más críticas y pesimistas del estudio, en comparación con otras obras.

La película está ambientada en Japón, durante el período Muromachi (1336-1573), una época de muchos conflictos en el país debido a que la unificación nacional estaba en proceso, pero la sociedad aún se encontraba muy fragmentada y reacia a la sumisión por parte del poder estatal, el cual en aquel entonces era dominado por el Shogun y el ejercito samurái.

La disputa de poder entre diversos grupos de samurái y señores feudales eran constantes, mientras que el campesinado, sector más explotado, era el que sufría con más intensidad las consecuencias del conflicto.

Durante el comienzo de la película vemos al Príncipe Emishi, Ashitaka, ser advertido por su hermana que una presencia extraña se aproximaba a la aldea. El joven Príncipe aguarda impacientemente hasta que un demonio jabalí emerge de lo profundo del bosque y avanza inminentemente hacia la aldea, destruyendo todo a su paso.

Luego de una persecución en la cual Ashitaka resulta herido, el jabalí es derrotado. Todos los habitantes de la aldea, incluida una anciana denominada Oráculo, se acercan al jabalí y dedicándole una oración le piden que por favor no guarde rencor hacia los aldeanos y que a cambio de ello, venerarán su espíritu. El demonio jabalí, con sus últimas fuerzas, les dice a los aldeanos que son seres despreciables y que todos ellos conocerán su ira y su dolor.

Mientras el Oráculo consulta el destino, le advierte a Ashitaka y a los aldeanos allí presentes que el jabalí resultaba ser un dios, el cuál fue herido con un objeto circular de aspecto extraño y a raíz de ese ataque, fue poseído por una gran furia que terminó convirtiéndolo en un demonio sediento de destrucción. También le informa que la herida en su brazo es mortal y acabará consumiéndolo por completo.

Preocupado ante la situación, Ashitaka decide abandonar su aldea siguiendo las huellas del jabalí para averiguar que fue lo que tanto daño le causó y tratar de encontrar una cura a su condición.

La batalla central del film es entre los humanos y la naturaleza, específicamente entre Lady Eboshi (líder del pueblo Tatara de la ciudad del hierro) y su ejército contra San, una humana que fue adoptada y criada por el clan de los lobos, los demás animales y espíritus del bosque. Este conflicto se debe a que para conseguir los materiales necesarios para la producción de hierro y armas, la tala de árboles es clave y ante esta situación, los espíritus y animales se organizan para evitar que su hábitat sea destruida en beneficio de los humanos y de sus ansias de progreso y modernización.

Mononoke Hime es una película con un alto contenido histórico debido a que, como se mencionó anteriormente, Miyazaki la ubica en el período Muromachi y desarrolla la trama teniendo en cuenta lo conflictos claves de aquella época.

Un factor histórico de relevancia que Miyazaki incluye en el film, es el inicio de la producción de armas de fuego que se llevó a cabo en 1543 aproximadamente, gracias a la introducción de armamento proveniente de Portugal, potencia comercial y marítima de la época que ingresó a Japón con la intención de establecer relaciones económicas y también de evangelizar a la población.

Por otro lado, desde una perspectiva etnológica, en el film se percibe una suerte de reivindicación y visibilización del pueblo Emishi, al cual pertenece Ashitaka.

Históricamente, los Emishi eran un pueblo aborigen japonés que habitaba el noreste de la isla principal nipona, Honshu. Poseían una cultura y un idioma completamente diferente al resto de la población y a su vez resaltaban por sus grandes diferencias físicas, con un aspecto más caucásico con cabello ondulado y abundante vello corporal.

Durante la expansión del reino de Yamato, primer protoestado de Japón, se enviaron campañas militares a la zona Emishi a luchar por el dominio territorial y la sumisión cultural con la finalidad de homogeneizar a la población y así poder constituír una nación unificada y un poder centralizado.

Si bien no fue fácil para la corte imperial avasallar al pueblo Emishi, luego de varias luchas,

lograron la conquista del territorio, absorbiendo gran parte de la población autóctona, mientras que otros fueron exterminados y otros se refugiaron en el exilio, principalmente en la isla de Hokkaido.

Las creencias del pueblo Emishi o Ainu se basan en el animismo, es decir en la creencia de que tanto las cosas animadas (humanos, animales y plantas), inanimadas (rocas, montañas, lagos), como también fenómenos naturales (el sol, la luna, el relámpago, las tormentas) son poseedoras de un espíritu o alma. Ésta creencia antigua se establece a través de un fuerte culto a la naturaleza, es por eso que a lo largo del film se puede observar esta relación de respeto, admiración e incluso temor que el pueblo Emishi y Ashitaka tienen con la naturaleza. Como por ejemplo la escena en donde el Oráculo le ofrece sus respetos y los de todos los aldeanos al espíritu del jabalí herido.

Fan Art de Mononoke Hime por Gastón Pacheco.
Instagram: https://www.instagram.com/gastonpacheco_art/

Retomando la aparición de dioses en el film, el Shishigami o espíritu del bosque es uno de los personajes principales. Es presentado como un dios de la vida y de la muerte, debido a que cura a Ashitaka de una herida mortal, pero a su vez deja morir a Moro, el dios lobo, y a Okkoto, el dios jabalí. Si bien no hay registro de un personaje de esas características en la mitología japonesa, al menos no en la forma diurna del personaje, se comprende que en la religión Shintoísta los mismos creyentes daban nombre y entidad a los dioses a los cuales veneraban. Por ende, aunque el término shishigami no haga referencia a ningún dios shintoísta, eso no implica la inexistencia de un dios protector que cumpla con esas características.

Según Miyazaki: “Cada país posee una tradición que es necesario transmitir y preservar. Las fronteras se están aboliendo. Paradójicamente, los hombres que no tienen un lugar de pertenencia son despreciados. Un lugar es un pasado, es una historia. Pienso que los pueblos que hayan olvidado su herencia van a desaparecer.”

A partir de sus palabras se puede concluir que Mononoke Hime es un intento por hacer comprender a las generaciones más jóvenes, sean japonesas o no, una parte de la historia de su país natal como lo es el abuso del poder militar, el dominio de los más fuertes sobre los más débiles, la anulación de las minorías en beneficio de las mayorías, la reivindicación de los pueblos olvidados y a su vez la demostración de que las creencias antiguas pueden resultar primitivas ante la mirada moderna, pero aquellos pueblos poseían una relación mucho más cercana con la naturaleza, en la cual el respeto y la veneración eran primordiales.

Los seres humanos, ansiosos de progreso, dejaron de lado esa pacífica coexistencia y el film de Hayao Miyazaki trata de demostrar que eso no siempre fue así, que el ser humano no siempre fue egoísta y dominante. En la actualidad todos los daños perpetuados por las sociedades están generando respuestas negativas por parte de la naturaleza: la contaminación, el cambio climático, la extinción de especies, todos estos fenómenos son consecuencia de las acciones del hombre. Es por eso que es importante recordar el pasado, recordar la historia de cada pueblo y rememorar aquella relación de mutuo entendimiento que tenían con el medio ambiente, es quizás desde esta perspectiva en donde el cambio hacia una población más consciente y responsable puede llevarse a cabo.

Fuentes consultadas:

-Montero Plata, Laura. El mundo invisible de Hayao Miyazaki. Dolmen Editorial. Palma de Mallorca, España. 2012.

-Robles, Manuel. Antología del Studio Ghibli. De Nausicaa a Mononoke Hime (1984-1997). Manga Books. España. 2010

Por María Victoria  Cardoso

María Victoria Cardoso, autora de la nota.

Sobre María Victoria Cardoso

Victoria Cardoso, editora en proceso, estudiante de idioma japonés en Asociación Japonesa Seibu. Realizó distintos cursos relacionados a la cultura japonesa, algunos de ellos son: Curso de Historia y Sociología Japonesa y Diplomatura en estudios Nikkei (CEUAN), Curso Marcas de autor en el cine de Hayao Miyazaki (SEUBE – UBA), Curso Escrituras, mitologías e historia del Japón (SEUBE – UBA) y Seminario de Historia de Japón (Nichia Gakuin). Se interesó en la cultura japonesa a partir de los ideogramas, la música, el cine y la literatura.

Arcilla Vampírica

[box type=»shadow» ]Director y guionista: Soichi Umezawa
País: Japón[/box]

SINOPSIS:

Una joven estudiante de una escuela de arte rural, da origen a un demonio viscoso de arcilla que empezará a devorar a los humanos.

Foto gentileza BAFICI. Película: Arcilla vampírica.

Funciones en el BAFICI:

-Sábado 14 de abril a las 23:59 horas en el Village Recoleta  – Sala 3.

-Sábado 21 de abril a las 23:40 horas en el Village Recoleta – Sala 4.

-Domingo 22 de abril a las 20:15 horas en el Village Recoleta – Sala 4.

Entradas: Link

Ryuichi Sakamoto: Coda

[box type=»shadow» ]Director y guionista: Stephen Nomura Schible
País: Japón[/box]

SINOPSIS:

Retrato del artista Ryuichi Sakamoto, ganador del Óscar y Grammy, y pionero de la música electrónica.

Imagen gentileza BAFICI. Película: Ryuichi Sakamoto Coda.

Funciones en el BAFICI:

-Sábado 14 de abril a las 21:30 horas en la Sala Leopoldo Lugones.

-Domingo 22 de abril a las 16:10 horas en el Village Recoleta – Sala 10.

Entradas: Link

Viajero de la Violencia

[box type=»shadow» ]Director y guionista: UJICHA
País: Japón[/box]

SINOPSIS:

Un estudiante llamado Bobby, tras una ceremonia de fin de año escolar, se dirige con su amiga Akkun a las montañas. En el camino se detienen en un parque de diversiones donde extraños ataques comienzan a ocurrir.

Foto gentileza BAFICI. Película: Viajero de la violencia.

Funciones en el BAFICI:

-Miércoles 18 de abril a las 20:30 horas en el Village Recoleta – Sala 8.

-Jueves 19 de abril a las 23:20 horas en el Village Recoleta – Sala 8.

-Sábado 21 de abril a las 21:50 horas en el Village Caballito – Sala 7.

Entradas: Link

Días de verano con Coo

[box type=»shadow» ]Director y guionista: Keiichi Hara
País: Japón[/box]

SINOPSIS:

La historia toma lugar en los suburbios de Tokyo, donde el protagonista, un estudiante llamado Koichi, encuentra un fósil que resulta ser un “Kappa” (una criatura del folclore japonés) y que ha estado bajo tierra por más de 300 años.

Funciones en el BAFICI:

-Lunes 16 de abril a las 22:00 horas en el Village Recoleta – Sala 1.

-Jueves 19 de abril a las 20:50 horas en la Sala Leopoldo Lugones.

Entradas: Link

Mutafukaz (película animada)

[box type=»shadow» ]Directores: Shojiro Nishimi y Guillaume Renard
País: Francia y Japón.[/box]

SINOPSIS:

Angelino sufre un accidente de moto que le provoca alucinaciones salvajes donde aparecerán monstruos, aliens y esqueletos en un delirio animado franco-japonés.

Imagen gentileza BAFICI. Película: Mutafukaz

Funciones en el BAFICI:

-Viernes 13 de abril a las 23:45 horas en el Village Recoleta – Sala 8.

-Viernes 20 de abril a las 23:45 horas en el Village Recoleta – Sala 3.

-Domingo 22 de abril a las 21 horas en el Village Caballito – Sala 8.

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Takara, la noche que nadé

[box type=»shadow» ]Directores: Damien Manivel y Kohei Igarashi
País: Francia y Japón[/box]

SINOPSIS:

Cuenta la aventura de un niño japonés de seis años que se desviará de su camino habitual rumbo a la escuela para ir en busca de su padre.

Funciones en el BAFICI:

-Viernes 13 de abril a las 20 horas en el Village Caballito – Sala 7.

-Domingo 15 de abril a las 16:10 horas en Alianza Francesa.

-Sábado 21 de abril a las 17:20 horas en el Village Recoleta – Sala 8.

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El león duerme esta noche

[box type=»shadow» ]Director y guionista: Nobuhiro Suwa
País: Francia y Japón[/box]

SINOPSIS:

Un veterano actor se instala en la antigua casa del amor de su vida en el sur de Francia.

Foto gentileza BAFICI. Película: El león duerme esta noche.

Funciones en el BAFICI:

-Sábado 14 de abril a las 14:40 horas en Alianza Francesa.

-Martes 17 de abril a las 14:00 horas en el Village Caballito – Sala 7.

Entradas: Link

Información y fotos: BAFICI 2018.